16. & 17.6 I 19 UHR I maC 2017 I ABSCHLUSSARBEITEN MA CHOREOGRAPHIE I DOPPELABEND JANNE GREGOR & CARINA OTTE I STUDIO 14

 

Janne Gregor: HARRENDE RÄUME UND TROTZENDE MENSCHEN
© Jörg Metzner
>© Jörg Metzner

DAUER: 50 min.

Endzeitstimmung auf der Erde;
Ein resistenter Rest Menschen harrt, trotzt, wartet standhaft.
Wie kann er sich wappnen und feien für die nächste Etappe? Wie kann er den Boden ebnen für die, die da folgen mögen?
Welche Palette von Möglichkeiten haben Menschen unter widrigen Umständen?
Und: Sind sie gefährlich oder sind sie in Gefahr?

Konzept/Choreographie: Janne Gregor
Tanz: Julia Schunevitsch, Liselotte Singer, Michele Meloni
Musik: Daniel (Mando) Mandolini
Dramaturgische Begleitung: Fee Römer
Licht: Ľudovit (Luigi) Kovács
Bühnenbild: Lena Mody
Assistenz Bühne: Julia Buntzel

Carina Otte: Wo sie gestern sein werden
© Sabine Redlich
>© Sabine Redlich

 

Dauer: ca. 60 Min.

Eine eigenartige Welt. Erinnerungen und Impressionen durch holprige Übergänge zu Bildern verknüpft, die ich lediglich vor meinem inneren Auge skizzieren und phantasieren kann. Stetige Neugierde und die Suche nach Zugängen, die eine Einsicht und wieder gemeinsame Realitätsmomente eröffnen. Realitätsmomente innerhalb eines dementen Gehirns.

Idee/Konzept/Choreographie: Carina Otte
Tanz/Performance: Rachell Bo Clark, Katerina Delakoura, Mélanie Favre, Alba De Miguel Fuertes, Annekatrin Kiesel, Valentina Gaia Lops, Sarina Egan-Sitinjak, Julia Keren Turbahn
Musik/Komposition: Natalia Bustamante
Szenografie & Kostüm:  Francesca Ercoli, Mona Glass
Motion-Design: Sabine Redlich
Licht-Design: Severin Beyer


Eintritt: 4 €, keine Reservierung möglich, Karten nur an der Abendkasse ab 18:15 Uhr


Uferstudios Berlin
Uferstr. 8/23  bzw. Badstr. 41a, 13357 Berlin-Gesundbrunnen
http://www.uferstudios.com

 

14. & 21.6 I 18 UHR I MA SODA LECTURE SERIES & STUDIUM GENERALE: BOYAN MANCHEV: THE FUTURE OF ART I STUDIO 11
©Marion Borriss
>©Marion Borriss

The question of the future of art seems to be discredited nowadays. It is seen as unavoidably grounded in the modernist metaphysics of the last two centuries and therefore overdetermined by radical utopias, often with ambiguous outcomes, especially in their relation to 20th c. totalitarian political projects. As a result, by over-signifying the structural moment of “contemporaneity”, contemporary art in general neglects the question of the future for the sake of the present.


However - and this will be the starting hypothesis of this lecture series - the art practice can’t freeze as permanent “contemporaneity”. Neglecting its openness to the future would not only risk to erase history and therefore the subjective forces, but it would also mean that art wouldn’t have any transformative potential in itself, that it would be inapt not only to change the world but even to imagine other possibilities for existence, for acting in the world and making it.On the basis of the starting hypothesis of the lecture series, we will formulate the questions: What future of art could artists and theorists imagine? Moreover, what future of art do contemporary art practices imply or imagine themselves? The intensive seminar and lecture series will try to mobilize the collective forces of imagination in order to open space for critical discussion, for critical imagination of the future.


Boyan Manchev is philosopher, Professor at the New Bulgarian University and Guest Professor at the HZT/UdK (from 2011), Hollins University and Sofia University. He is also former Director of Program and Vice-President of the International College of Philosophy in Paris. His actual research, which advances the perspective of a dynamic ontology and transformationist materialism, is focused on the fields of ontology, philosophy of art and political philosophy. In the last years Manchev collaborates often to theatre, contemporary dance and visual arts projects.Manchev is the author of eight books and around two hundred book chapters, catalogues and other publications in various languages. In the last years appeared “Clouds” (Sofia, 2017), ”Logic of the Political” (Sofia, 2012), “Miracolo” (Milano: Lanfranchi, 2011), “L’altération du monde” (Paris: Lignes, 2009); “La Métamorphose et l’Instant – Désorganisation de la vie” (Paris: La Phocide, 2009). His book “The Body- Metamorphosis” (Sofia: Altera, 2007) deals extensively with contemporary art, performance and dance.

10. & 11.6 I 19 UHR I maC 2017 I ABSCHLUSSARBEITEN MA  CHOREOGRAPHIE I DOPPELABEND: YUKO MATSUYAMA & I JUNG LIM I STUDIO 14

 

Yuko Matsuyama: SPUR[¨EN] - Between Dark and Light

© Yuko Matsuyama
>© Yuko Matsuyama

 

Unser Farbsehen ist individuell, es ist beeinflusst von persönlicher Erfahrung und Kulturen. 
In der Tanzperformance SPUR[¨EN] treffen sich zwei Tänzer und zwei Musiker im farbigen Licht. Die Farben werden in Bewegung und Sound transformiert.
Sehen Sie Farbe aus Ihren Blickwinkeln, aus der Dunkelheit oder aus dem Licht?

 

Konzept, Choreographie und Musik: Yuko Matsuyama
Co-Choreographie und Tanz: Carlos Osatinsky und Fernando Nicolás Pelliccioli

Musik: Taylor Savvy 
Visual Design-Beratung und Performance: Safy Etiel

Lichtdesign: Catalina Fernández 
Bühnenbild- und Kostümberatung: Silvia Albarella


 I JUNG LIM: EINE STUDIE ÜBER DIE VERSCHIEDENEN POSITIONEN DER DER WIRBELSÄULE IN VERBINDUNG ZUR ANMUT DES MENSCHLICHEN KÖRPERS
© I Jung Lim
>© I Jung Lim

Die Choreografie untersucht eine existenzielle Frage zum menschlichen Körper, die wir uns vor allem in der heutigen Zeit stellen müssen: Wieso ist vertikal zu stehen anmutig?

Das Fleisch, das Begehren symbolisiert, hüllt und unterstützt unsere Wirbelsäule, um sie vertikal zu halten. Unser Fleisch kann aber auch an unserer Wirbelsäule hängen und die aufrechte Form erschweren. Die Wirbelsäule schwebt wie ein verkörperter Geist in der Luft.

Eintritt: 4 €, keine Reservierung möglich, Karten nur an der Abendkasse ab 18:15 Uhr

Uferstudios Berlin
Uferstr. 8/23  bzw. Badstr. 41a, 13357 Berlin-Gesundbrunnen
http://www.uferstudios.com

11.6.2017 | 13 UHR | THE SWINGING SERIES | UFERSTUDIOS | STUDIO 11
Julia Rodriguez
>Julia Rodriguez


Alle jungen Künstler*innen, Studierende und Absolventen aus Berlin, die im Bereich Tanz, Performance und Choreographie arbeiten, sind eingeladen, an der Swinging Series teilzunehmen.

Die Veranstaltungsreihe versteht sich als offene Plattform, die zwei Mal jährlich eine Brücke schlägt, zwischen verschiedenen Gruppen der jungen Tanzszene, um die eigene Arbeit miteinander zu teilen.

Wir werden den Begriff “Arbeit“ um verschiedene Aspekte erweitern: Methoden der Arbeit, künstlerische Praktiken, Warm-up-Ideen, Methoden der Verletzungsprävention, Strategien von Arbeitsprozessen, Methoden der Nachhaltig, Momenten des Haderns, Work-In-Progress und alles dazwischen und darüber hinaus.

Die Gastgebern und Teilnehmer*innen strukturieren die Veranstaltung anhand ihrer Interessen, Fragen und Vorhaben selbst. 

In jeder Veranstaltung sollen sich die jungen Tanzkünstler*innen der nächsten Generation gegenseitig unterstützen, inspirieren und ihr Wissen weitergeben.

Wir bitten um Anmeldung unter theswingingseries@gmail.com. Die Teilnehmeranzahl ist auf 20 Personen begrenzt.

Organisiert von: Zwoisy Mears-Clarke, Julia Rodríguez und Gästen

Termine: 11. Juni 13:00h und 16. September 13:00h / Studio 11, Uferstudios.

7.6. I 6 PM I MA SODA LECTURE I KATE ELSWIT: SOME THOUGHTS ON THE INDEPENDENCE OF THEATRE & DANCE
Kate Elswit
>Kate Elswit

 

This talk traces a broad disciplinary and interdisciplinary set of concerns to argue that artificial divisions between theatre and dance in both academic and artistic spheres have overshadowed the interdependence between them. Key areas of focus are first the expansion of theatre and dance forms in the present, then the interconnected ecosystems of practice in the past, and finally the disciplinary methods that scholars use to understand both. The ultimate goal is to demonstrate how such ampersands are more the rule than the exception they are often seen to be, and propose what recognizing this might mean to our work. 

 

Kate Elswit is Reader in Theatre and Performance at the Royal Central School of Speech and Drama, University of London and author of Watching Weimar Dance (Oxford University Press, 2014) and Theatre & Dance (Palgrave Macmillan, forthcoming Theatre& series). She has won three major awards for scholarly publications—the Gertrude Lippincott Award from the Society of Dance History Scholars, the Biennial Sally Banes Publication Prize from the American Society for Theatre Research, and honorable mention for the Joe A. Callaway Prize—and her research has been supported by many sources, including a Marshall Scholarship, a postdoctoral fellowship in the Andrew W. Mellon Fellowship of Scholars in the Humanities at Stanford University, the 2013 Lilian Karina Research Grant in Dance and Politics, and a most recently a Batelle Engineering, Technology, and Human Affairs (BETHA) Endowment Grant with Harmony Bench. Her essays appear in TDR: The Drama Review, Theatre Journal, Modern Drama, Art Journal, Performance Research, Dance Research Journal, New German Dance Studies, and The Oxford Handbook of Dance and Politics. She also works as a choreographer, curator, and dramaturg.

 

Eintritt frei
Inter-University Center for Dance Berlin at Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

1.6.2017 | 19 UHR | BUCHPRÄSENTATION | AS IF IT’S JUST ABOUT TO HAPPEN

Zeichnung: Tabea Xenia Magyar
>Zeichnung: Tabea Xenia Magyar


Eine 4-teilige Buchreihe, entstanden während einer vieteiligen Workshopserie am HZT Berlin.

 

Sneak Preview


Was bleibt bestehen bei der Verflechtung künstlerischer und pädagogischer Praktiken? Was kann ein Workshop leisten und was kann sich langfristig daraus entwickeln?Wie erzeugt eine Struktur von Auszügen, Fußnoten, Einladungen und Reaktionen neue Verbindungen?Wie laden Prozesse von Selektivität, Diskontinuität und Proliferation zu Erfahrungen ein, die selbst im Moment des Entstehens sind?

 

Zeichnung: Tabea Xenia Magyar
>Zeichnung: Tabea Xenia Magyar


Ein kollaboratives Schreibprojekt von Litó Walkey, Florian Feigl, Sheena McGrandles und Britta Wirthmüller mit Zeichnungen von Tabea Xenia Magyar sowie 50 Beiträgen von Kolleg_Innen, HZT Studierenden und Alumni

 

Eintritt frei | Einlass 18 Uhr | Beginn 19 Uhr

 

Ort: Galerie Strahler
Pflügerstr. 15 | U-Bahn Schönleinstrasse

31.5. I 19 UHR I DFG LECTURE I SABINE HUSCHKA & CORINNA ROSTECK: TANZFOTOGRAFIEN UND BILDER DES FLUIDALEN. REFLEXIONEN ÜBER DAS EPHEMERE I STUDIO 11
Aya light green © C. Rosteck
>Aya light green © C. Rosteck

 

Im Rahmen des DFG-Forschungsprojekts Transgressionen laden Sabine Huschka und Corinna Rosteck zu einem künstlerisch-wissenschaftlichen Salon über fotografische und ästhetische Reflexionen des Fluidalen und Ephemeren ein. Inmitten einer Ausstellung an ausgewählten Fotografien der Foto- und Videokünstlerin Corinna Rosteck entfaltet der Salon Ein-Blicke in die druck- und lichttechnisch erarbeiteten Bildeindrücke von Schwerelosigkeit und Stofflichkeit.
Die metallisch reflektierenden Bildträger steigern die Wirkung der nahezu skulptural wirkenden Tänzer*innen in ihrer un-greifbaren Bewegung im Wasser und im Licht. Das Fluidale wird mit einer Materialität des Bildes beliehen, die auf den spezifischen Oberflächen von Corinna Rostecks Fotoserien  „Liquid Dance/Bardo/Pool/Muma“ Bildbewegungen evozieren und den eingefrorenen Moment der Bewegung scheinbar überwinden. Auf diese Weise regen die Fotografien zu Reflexionen über energetische Wahrnehmungseindrücke und das Ephemere an, wie sie dem Tanz zugesprochen werden. Diesen Aspekten werden Corinna Rosteck und Sabine Huschka in einer Lecture und in einem gemeinsamen Gespräch nachgehen.
„Meine Bilder sind nicht kalkuliert, es bleibt die Sehnsucht nach dem Bild. Es geht um den Übergang, das dynamische, stets gefährdete Gleichgewicht, visuell verstärkt durch Mehrfachbelichtungen, Überblendungen, Bewegungsspuren.“ (Corinna Rosteck)


Corinna Rosteck ist freischaffende Künstlerin im Bereich Fotografie, Video und Installation. Nach Stipendien in London, Paris, New York und Japan lebt und arbeitet sie in Berlin. Sie ist Mitglied der Deutschen Gesellschaft für Photographie, Köln und des Deutschen Künstlerbundes. Ihre Arbeiten werden in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland, so z.B. im Sepukralmuseum Kassel zu „Tanz und Tod“ sowie auf Messen u.a. im arabischen Raum präsentiert. Sie fotografiert namhafte Tanzcompagnien:  Pina Bausch, „Rough Cut“, Haus der Berliner Festspiele, Staatstheater Kassel/Johannes Wieland, „Orfeo“ und „Rites of Spring ‚Sacre‘“,  und arbeitete mit Solotänzern und Performern wie Aya Irizuki/Butoh, Hala Saori, Iris de Boor/Anna Halprin und Macha Melanie/Compagnie Puls’Art in eigens für Ausstellungen oder in der persönlichen Begegnung entstandenen Choreografien zusammen.  

 

Eintritt frei
HZT in den Uferstudios. Studio 11 Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

25.4. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE I DANA CASPERSEN: CHOREOGRAPHIE UND KONFLIKT I STUDIO 12
© Dominik Mentzos
>© Dominik Mentzos

Dana Caspersen ist Konfliktspezialistin, Choreografin und Performerin. Sie ist überzeugt, dass destruktive Systeme durch individuelles Agieren und künstlerische Mittel positiv verändert werden können. Die von ihr entwickelten körperbasierten Methoden, um sowohl aus zwischenmenschlichen als auch internationalen Konflikten zu lernen und Veränderungen zu bewirken, werden in ihrer interaktiven Lecture erfahrbar – und wie erhellend choreografisches Denken in Konflikten wirken kann.

 

In vier Jahrzehnten hat Caspersen Erfahrungen als Pionierin der Perfroming Arts mit intensiver Forschung und Praxis in Konfliktanalyse und gesellschaftlichem Engagement verknüpft. Sie war 30 Jahre eine der wichtigsten Künstlerinnen im Ballett Frankfurt und der Forsythe Company und hat darüber hinaus choreografische Arbeiten, Filme, Installationen und Bühnentexte entwickelt. Ihre aktuelle Publikation ist: Changing the Conversation: The 17 Principles of Conflict Resolution.

 

Eintritt frei

 

Vortrag in englischer Sprache

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

20. - 22. und 27. & 28.4. I Suddenly! HZT BA Festival

Suddenly! HZT BA Festival © Mira Hirtz
>Suddenly! HZT BA Festival © Mira Hirtz

 

Im April öffnen die Studierenden des BA „Tanz, Kontext, Choreographie“ Studios, Küche, Hof, Raumzeit und psychosomatische Systeme, um zur diesjährigen Ausgabe des studentisch organisierten Festivals willkommen zu heißen.

 

Suddenly! HZT BA Festival hat kein spezifisches Thema, keine inhaltlichen und ästhetischen Einschränkungen, sondern feiert das Happening an sich: geplante und unerwartete Ereignisse, die in den Uferstudios in Wedding stattfinden werden. Das Festival lädt das Publikum ein, die Arbeiten, Arbeitsprozesse, Wünsche und Vorstellungen, Herausforderungen und experimentellen Arbeitsprozesse  in verschiedensten Formaten wie Tanz, Performances oder Installationen, aber auch noch undefinierbaren, im Moment entstehenden Formaten mit den Studierenden zu erleben und zu teilen.

 

Mehr Information und Programm auf der Festival-Webseite

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

6. + 8.4. I 19 UHR I SNDO GRADUATION WORKS 2017 I WELCOME TO THE WALRUS
WALRUS © Lester Arias
>WALRUS © Lester Arias

 

Mit der renommierten SNDO, der School for New Dance Developement aus Amsterdam pflegt das HZT seit vielen Jahren ein Austauschprogramm. Jedes Jahr reisen Studierende der SNDO für eine Woche nach Berlin und zeigen in den Uferstudios ihre Abschlussarbeiten. Am 6. und 8. April präsentieren nun sieben Absolvent*innen aus Amsterdam unter dem Titel „Welcome to the Walrus“ in zwei Programmen ihre Choreographien.  

 

Tickets an der Abendkasse: 4 Euro

Eine Reservierung ist nicht möglich

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11,

Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

15.02. I 18 UHR I HZT OPEN: MA CHOREOGRAPHIE VORTRAGSREIHE MUSIK MICHAEL THIEKE: TOO SMALL FOR THE NAKED EYE: MICROTONALITY AND DIFFERENT TUNING SYSTEMS I STUDIO 12
Michael Thieke
>Michael Thieke

Die europäische Musik ist seit Jahrhunderten durch die wohltemperierte Stimmung bestimmt, während in anderen Teilen der Welt andere Systeme benutzt werden. In der Mitte des letzten Jahrhunderts hat dann auch die westliche Moderne die vielfältigen Möglichkeit unterschiedlicher Stimmungssyteme und die mit ihnen verbundenen Klangmöglichkeiten wie zum Beispiel Schwebungen wiederentdeckt.

In der lecture werden unter anderem Beispiele aus indonesischem Gamelan, arabischen Maqam, japanischem Gagaku, Jazz, sowie der Musik von Harry Partch, Gerard Grisey und John Cage präsentiert.

 

Michael Thieke ist in zahlreiche Projekte involviert, deren Fokus auf unterschiedlichen und kontrastierenden Facetten seiner musikalischen Interessen liegt. Zu diesen Interessen gehören experimentelle Songformen , improvisierende Kollektive, kollektiv komponierte Musik bis zu Projekten an den Rändern des Jazz. Seine musikalischen Forschungen haben ihn zu einer intensiven Beschäftigung mit dem Spektrum der Klangfarbe und den Facetten der Einfachheit geführt, mit einem speziellen Interesse an Mikrotonalität und damit verbundenen Klangphänomenen. Bevorzugt arbeitet er Langzeitkollaborationen und kollektiven Zusammenhängen. Konzerttourneen führten ihn unter anderem nach Japan, China, USA, Kanada, Libanon und seine Arbeit ist auf zahlreichen Plattenveröffentlichungen dokumentiert. Er spielt unter anderem mit The International Nothing, The Pitch, Der Lange Schatten, The Magic I.D., Splitter Orchester, Porta Chiusa und Hotelgäste, sowie in Duos mit Olivier Toulemonde und Biliana Votchkova. 

http://www.michael-thieke.de/

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

08.02. I 18 UHR I MA SODA LECTURE SERIES & STUDIUM GENERALE: TIMOTHY MORTON AND BOYAN MANCHEV: DER NEUE FRANKENSTEIN UND SEINE MONSTER I STUDIO 11

Dritte und letzte Vorlesung von Boyan Manchevs Lecture Reihe Human Transitions. Philosophy of Metamorphosis II

 

Dr. Frankenstein und seine namenlosen Monster sind eine paradigmatisches Figurenkonstellation mit Symbolcharakter für die derzeitige Trans-und Posthumanismus Debatte. Sie sind auch der Ausgangspunkt unserer meta-kritischen Diskussion. Was würde Frankenstein in einer Welt tun, die zum Monster wird - ein namenloser Hybride? Mortons frühe Arbeiten über Mary Shelley, sowie Manchevs Theaterkollaborationen mit Ani Vaseva (Frankenstein oder die Neue Pandora) und Dirk Cieslak & Vierte Welt (Pandora's Daughters) bilden den Ausgangspunkt für diese Diskussion.
Diese Vorlesung stellt eine direkte Verbindung zu den beiden letzten Semesterthemen Metamorphose und Die Romantik her.

Timothy Morton ist Publizist, Philosoph und Hochschullehrer für englische Literatur an der Rice University in Houston, Texas. Er ist Autor von Nothing: Three Inquiries in Buddhism and Critical Theory (Chicago, forthcoming), Hyperobjects: Philosophy and Ecology after the End of the World (Minnesota, 2013), Realist Magic: Objects, Ontology, Causality (Open Humanities, 2013), The Ecological Thought (Harvard UP, 2010), Ecology without Nature (Harvard, 2007), sieben weiterer Bücher und 120 Essays über Philosophie, Ölologie, Literatur, Ernährung und Musik.

Vortrag in englischer Sprache
Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen


01.02. I 18 UHR I MA SODA LECTURE SERIES & STUDIUM GENERALE: ELISABETH VON SAMSONOW AND BOYAN MANCHEV: BODIES, GODS AND TRANSPLANTS I STUDIO 11
© Elisabeth von Samsonov
>© Elisabeth von Samsonov

 

This lecture will present a synthesis of the recent proposals of the philosopher and artist  Elisabeth von Samsonow and the philosopher Boyan Manchev on the body metamorphoses, taking as starting point Samsonow’s recent work “Transplants”.

The uncertainty of the borders between being alive and not alive, the hybridization of existing and new forms of bodies, the animation of inanimate matter and the creation of automata - techniques for overcoming the human condition, will be discussed.

 

Mehr zu Elisabeth von Samsonow: 

http://kunstanthropologie.akbild.ac.at/index.php/elisabeth-von-samsonow-cv

 

lecture in english language

free admission

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

25.01. I 18 UHR I MA SODA LECTURE SERIES & STUDIUM GENERALE I BOYAN MANCHEV: THE TIME OF PHILOSOPHY I STUDIO 11
©Sven Hagolani
>©Sven Hagolani

Boyan Manchev nähert sich in seinem ersten Vortrag der MA SoDA Vorlesungsreihe ersten abstrakten Ideen von Zeit und damit verbunden den Begrifflichkeiten von Übergang und Wandel an. Er tut dies, indem er den direkten Bezug zu philosophischen und ästhetischen Traditionen herstellt, die grundlegend für das Verständnis abstrakter Konzepte von Zeit und Transformation sowie von dynamischen Körpern und Objekten sind. Dieser Vortrag wird somit den konzeptionellen Horizont vorstellen, der entscheidend für das Verständnis der Entstehung der Idee von „Kunst“ ist.

 

 

Vortrag in englischer Sprache

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

11.01. I 18 UHR I MA CHOREOGRAPHIE VORTRAGSREIHE MUSIK I STEPHANIE SCHROEDTER: KÖRPER, KLANG UND RAUM AM BEISPIEL VON GERHARD BOHNERS TRILOGIE IM (GOLDENEN) SCHNITT (1989) I STUDIO 12
© Marion Borriss
>© Marion Borriss

 

Dieser Vortrag muss leider entfallen.

18.01 I 18 UHR I HZT OPEN: VORTRAGSREIHE BA „TANZ, KONTEXT CHOREOGRAPHIE“ I STEFAN PENTE: BERÜHRT, ANGESTOßEN UND BEWEGT I STUDIO 11
© Stefan Pente
>© Stefan Pente

 

 

Der Bildende Künstler und Performer Stefan Pente konfiguriert abstrakte Gegenstände und Ding-Koalitionen die er performativ nutzt um temporäre Architekturen und Landschaften zu entwerfen. Mit ihrer Hilfe entwickelt er Narrationen über persönliche und kollektive Erinnerungen, Identifikationen, Kategorisierungen und Verortungen die er nicht anders ansprechen kann, als außerhalb von Sprache. In seiner Lecture Performance werden durch Gegenstände, Ding-Koalitionen, Text und Bewegung Fragen aus seiner Untersuchung auftauchen; Wie wird man von Bildern (Darstellungen, Erzählungen, Erinnerungen, Imaginationen) berührt und bewegt, die so befremdlich oder schockierend oder bezaubernd sind, das einem die Spucke wegbleibt? Was für Bewegungen werden durch solch eine Berührung in Gang gebracht und woher kommt der Antrieb dafür? Können diese Berührungen und Bewegungen den eigenen Handlungswillen, die eigene (politische) Handlungsmacht beeinflussen?

 

 

Stefan Pente, geboren 1964, arbeitet als bildender Künstler, Filmemacher und Performer. Unter anderem arbeitet er mit den Künstlern und Künstlerinnen, Sabian Baumann, Antonia Baehr, Discotheca Flaming Star, Ines Schaber, Natasha Sadr Haghighian, William Locke Wheeler und Xavier Le Roy und ist im Berliner queer-feminist-collective The Swansong engagiert. 

 

Vortrag in englischer Sprache

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

15. & 16.12. I 19 UHR I SODA WORKS 2016 I LISA MÜLLER-TREDE & ENRICO D. WEY I STUDIO 14

LISA MÜLLER-TREDE: EFFUSION01-07
©Lisa Müller-Trede
>©Lisa Müller-Trede

 

Experimente über eine Vielfalt von Bewegungsperspektiven in Form eines kinematographischen Kubismus: Eine Befragung nach der Zeitlichkeit von Wahrnehmung.

Durchsickernde Körperflüssigkeiten enthüllen Prozesse, die simultan im Körper ablaufen, während die äußere Einheit sich bewegt. Wenn diese Flüssigkeiten auf der Kamera auslaufen, öffnen sie einen virtuellen Raum an der Stelle des lebenden Körpers.

Dank an: 
Ana Purwa, Anja Kolmanics, Benjamin Schälike, Christoph Limbach, Constanze Schellow, Felix Rombach, Francesca Ronai, Jan Rozman, John Bock, Julia Wallner, Katharina Grosse, Romy Schwarzer, Theo Adler

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

ENRICO D. WEY: RUHESTÄTTE | STILL LIVES
©Manuel Moncayo
>©Manuel Moncayo

                            Unruhe,
                   diese Stätte in Ruhe,
              stachelt diese Stätte an, zitiert
          und gesehen, diese Stätte besichtigt
   und ungesehen, eine Ruhe entrissen den Seufzern
  verhaftet, beruhigt, unten, trotzdem, in vergangenen
Stätten, diese, durchlaufen, dann, unten, zitternd, rastlos

Arbeit von Enrico D. Wey
Dramaturgische Unterstützung: carolina ortega

Licht: benjamin schälike
 

Technische Unterstützung: janine iten und felix dompreh

 Mentorin: aitana cordero

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

16.12.2016 | 22 Uhr | Studio 14 | LULU OBERMAYER: MANON LESCAUT, MANON LET'S GO (after Puccini, but not really)

© Lulu Obermayer
>© Lulu Obermayer


Konzept und Performance: Lulu Obermayer

Mentoren: Barbara Greiner, Wanda Golonka

Tutor: Boyan Manchev

Licht: Benjamin Schälike

Sound: Benedikt Brachtel


 

 

Sola, perduta, abbandonata...
in landa desolata!
Orror!
Intorno a me s’oscura il ciel...
Ahime, son sola!
E nel profondo deserto io cado,
strazio crudel,
ah! sola abbandonata,
io, la deserta donna!
Ah! non voglio morir!
No!non voglio morir!
Tutto dunque e finito.

 

Allein, verloren, verlassen.

In dieser trostlosen Ebene!

Ah, wie grauenvoll!

Um mich herum verdunkelt sich der Tag.

Ach, ich bin allein!

Und in der Tiefe dieser Wüste falle ich,

welche grausame Qual!

Ah! Allein, verlassen,

Eine Frau verlassen!

Ah! Ich will nicht sterben,

Nein, ich will nicht sterben.

Also ist alles vorbei.

11.12. & 12.12. I 19 UHR I SODA WORKS 2016: LIAD HUSSEIN KANTOROWICZ & LUO YUEBING I STUDIO 14

  

LUO YUEBING: THE MESH WORK

©Luo Yuebing
>©Luo Yuebing

 

Bewegungen zeichnen Landschaften aus Ebenen, Kanten und Öffnungen. Das Stück will ein gemeinsamer Raum der Abstraktion sein zwischen einem menschlichen Körper und dem Ding-Körper, um diese Landschaften zu skizzieren. Es schafft Bedingungen, in denen Bewegungen und Vorstellungen nur Nebenprodukte einer Erforschung der Materialität beider Körper sind.

 

Arbeit von Luo Yuebing

Musik: Ulf Langheinrich

Video: Hannah Dörr

Licht: Benjamin Schälike

Outside Eye: Maren Strack

Mentoren: Constanza Macras, Siegmar Sacharias und

Constanze Schellow

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

LIAD HUSSEIN KANTOROWICZ: TERRORIST SUPERSTARS
© Aviv Victor
>© Aviv Victor

Inspiriert durch die "Intifada der Messer" aus Palästina will diese Aufführung den stigmatisierenden Begriff "Terrorist" anfechten. Der "terroristische Körper" wird dann mit der queeren Performativität und dem hyper-sexualisierten weiblichen Körper durch die Andersartigkeit ihrer Darsteller im öffentlichen Raum verglichen, wobei Ähnlichkeiten zu queeren und feministischen Kämpfen untersucht werden. Kann der Terrorismus in eine starke schöpferische Kraft transzendieren?

Dramaturgie: Inka Paul

Original Musik: Liad Hussein Kantorowicz und Moshe Kuttner aka Kutner Utopico

Weitere Performance: Idan Sagiv Richter

Mentoren: Sasha Marianna Salzmann, Siegmar Sacharias, Maren Strack

Kultur und politische Beratung: Walid el Houri

Kostüme: Keren Korman

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen


 


 

9.12. I 18:00 UHR I LECTURE, ARTIST TALK UND PERFORMANCE DEMONSTRATION I SABINE HUSCHKA / DORIS UHLICH/ EWA DZIARNOWSKA/ BORIS KOPEINIG: RAUSCH-ZUSTÄNDE ALS KÖRPERSZENISCHE AUSHANDLUNG VON KRÄFTEN I STUDIO 12
Boom Bodies © Sabine Burger
>Boom Bodies © Sabine Burger

 

Sabine Huschka und Doris Uhlich laden zu einem wissenschaftlich-künstlerischen Reflexionsraum über Rausch-Zustände als körperszenische Aushandlung von Kräften ein und stellen die choreographischen Arbeiten der österreichischen Choreographin Doris Uhlich zur Diskussion. Mit Videoausschnitten aus ihrer Techno-Trilogie Universal Dancer (2015), Boom Bodies (2016) und Ravemachine (2016) befragt die Lecture das kritische Potential ihrer bebenden KörperSzenerien eines ekstatischen Mit-Seins. Mittels körpermobilisierender und choreographischer Verfahren des Außer-Sich-Seins und Außer-Sich-Geratens drängen die choreographierten Körper auf eine Erzeugungen spezifischer Intensitäten. Beschreibbar als Kräfte des Ästhetischen realisieren Uhlich Arbeiten ein choreographisches Denken, das kritische und utopische Entwürfe körperszenischer Überschreitung und Entgrenzung in Szene setzt. Im Rahmen des am HZT beheimateten DFG-Forschungsprojekts Transgressionen: Energetisierung von Körper und Szene von Sabine Huschka und der Lehrtätigkeit von Doris Uhlich am HZT widmet sich der Abend damit Figurationen des Rausches als körperszenische Aushandlung von Kräften und Option einer ästhetischen KritiK. Die Tänzerin Ewa Dziarnowska und DJ BorisKopeinig werden mit einer Performance-Demonstration den Abend abrunden.

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 12, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

7. & 8. 12. I 19 UHR I SODA WORKS 2016: AKSELI AITTOMÄKI & LULU OBERMAYER I STUDIO 14

 

AKSELI AITTOMÄKI: ACTORS OF PRODUCTION
©Akseli Aittomäki
>©Akseli Aittomäki

Wir entwickeln unsere Fähigkeiten für Aktionen und für Empfindungen, um Erfahrungen und Sinnhaftigkeit zu erzeugen, auszuführen, zu erschaffen und zu wiederholen. Wie kommt ein Wert in diese Gleichung? Ist ein messbarer, vergleichbarer und austauschbarer Wert wie z.B. Geld, die Abstraktion der Bedeutung? Wir bewegen uns von der Einzigartigkeit der Erfahrung zum Austausch von allem zu allem. Was ist wundersamer, der Körper oder das Geld?



Regie: Akseli Aittomäki

Durchführung, Choreographie, Text: Akseli Aittomäki, Cécile Bally und Maryanna Lachman

Video: Stefan Röben und Akseli Aittomäki

Sound design und live Mischung: Paavo Malmberg and Ville Aalto

Bühnenbild: Surjan

Kostüme: Judith Förster

Licht: Benjamin Schälike

Mentoren: Sonja Augart, Constanze Schellow and Paola Calvo

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

LULU OBERMAYER: MANON LESCAUT, MANON LET'S GO (after Puccini, but not really)
© Lulu Obermayer
>© Lulu Obermayer


Konzept und Performance: Lulu Obermayer

Mentoren: Barbara Greiner, Wanda Golonka

Tutor: Boyan Manchev

Licht: Benjamin Schälike

Sound: Benedikt Brachtel


 

 

Sola, perduta, abbandonata...
in landa desolata!
Orror!
Intorno a me s’oscura il ciel...
Ahime, son sola!
E nel profondo deserto io cado,
strazio crudel,
ah! sola abbandonata,
io, la deserta donna!
Ah! non voglio morir!
No!non voglio morir!
Tutto dunque e finito.

 

Allein, verloren, verlassen.

In dieser trostlosen Ebene!

Ah, wie grauenvoll!

Um mich herum verdunkelt sich der Tag.

Ach, ich bin allein!

Und in der Tiefe dieser Wüste falle ich,

welche grausame Qual!

Ah! Allein, verlassen,

Eine Frau verlassen!

Ah! Ich will nicht sterben,

Nein, ich will nicht sterben.

Also ist alles vorbei.

6.12. I 18 UHR I HZT OPEN IN KOOPERATION MIT DER TANZFABRIK BERLIN: ROSALIND CRISP, SUSAN FOSTER UND DEBORAH HAY IM GESPRÄCH ÜBER CHOREOGRAFISCHE PRAXIS I STUDIO 11
© Marion Borriss
>© Marion Borriss

 

"Time to Meet" ist eine Reihe von offenen Proben und Gesprächen, ein Begegnungsort für Austausch und Feedback über Künstler*Innen und kreative Prozesse. Auch das Publikum wird als Teil der Mannigfaltigkeit des künstlerischen Kontexts verstanden und ist in diesem Format herzlich eingeladen, sich einzubringen.
Im Dezember wird Susan Foster mit Deborah Hay und Rosalind Crisp What über das Erforschen der Zusammenhänge zwischen Tanzpraxis und der Erarbeitung von Tanz(stücken) sprechen, und inwiefern diese Arbeitsweisen eine spezifische Involviertheit des Publikums erzeugen.

Gespräch in englischer Sprache

Dieses Projekt wird unterstützt von der Australischen Regierung durch das Ministerium für die Künste: Catalyst – Australian Arts and Culture Fund.

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen



7.12. - 16.12. I SODA WORKS 2016 I STUDIO 14

 

Die Absolvent*innen des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin präsentieren ihre Abschlussarbeiten am Ende ihrer zweijährigen künstlerischen und theoretischen Forschungen über Solo, kollaborative Prozesse, Komposition und Performance innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraxis.

 

7. & 8.12. I 19 Uhr I Studio 14

Akseli Aittomäki, Actors of production

Lulu Obermayer, MANON LESCAUT MANON LET'S GO (after Puccini, but not really)

 

11. & 12.12. I 19 Uhr I Studio 14

Luo Yuebing, The Mesh Work

Liad Hussein Kantorowicz, Terrorist Superstars

 


15. & 16.12. I 19 Uhr I Studio 14

Lisa Müller-Trede, effusion01-06

Enrico D. Wey, ruhestätte | still lives


An den Aufführungstagen ist im Seminarraum 2 eine Installation von Luo Yuebing zu sehen.

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18:15 Uhr an der Abendkasse der Uferstudios erhältlich.

 

SODA WORKS 2016 wird unterstützt von:

 

 

 

 

30.11. I 18 UHR I MA CHOREOGRAPHIE VORTRAGSREIHE MUSIK I BILWA WILLIAM COSTA: COMPOSING CONCEPTS I STUDIO 12
© Jasmin Schaitl
>© Jasmin Schaitl

 

Scores, Strukturen und Systeme für Bewegung und Klangperformances -
William "Bilwa" Costa wird seine verschiedenen Modi und Methoden des Komponierens und Strukturierens von Klang, Tanz, aufgabenbasierten Bewegungen und/oder bewegungsbasierten Aufgaben teilen, und zwar sowohl improvisiertes als auch gesetztes Material. Er wird mehrere Video- und Audio-Beispiele zusammen mit ihren grafischen, thematischen und konzeptionellen Partituren/Scores präsentieren und erklären.
Im Rahmen des Vortrags wird Bilwa zusammen mit drei Tänzern auch eine Live-Performance seiner Partitur mit dem Titel „phrase: memory – cycle“ präsentieren.

 

William "Bilwa" Costa ist ein Künstler, der in Performance, Sound und Bildenden Kunst  Kontexten arbeitet. Sein Werk umfasst: grafische Partituren/Scores und konzeptionelle Strukturen für Ton, Tanz, Bewegung und visuelle Performances, Improvisation, experimentelle / elektroakustische Musik und Installation. Die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern ist wesentlich für seine Arbeit. Er arbeitet international, entwickelt Forschung, Labore, Werkstätten und Performance-Projekte, schafft aktiv Möglichkeiten für Künstler gemeinsam an neuen interdisziplinären Experimenten zu arbeiten. Bilwa performte, lehrte und referierte in ganz Europa, USA, Großbritannien , Mexiko und Australien.

 

Vortrag in englischer Sprache.

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 12, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

9.11. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE: ANA VUJANOVIĆ „TRANSINDIVIDUALITY IN CONTEMPORARY DANCE AND PERFORMANCE" I STUDIO 11

©Marta Popivoda
>©Marta Popivoda

 

"Nothing seems more appropriate today than thinking community; nothing more necessary, demanded, and heralded by a situation that joins in a unique epochal knot the failure of all communisms with the misery of new individualisms." (Roberto Esposito)

 

In Ihrem Vortrag diskutiert Ana Vujanović den Gedanken der Transindividualität (Gilbert Simondon, Paolo Virno, Jason Read) als Möglichkeit, die Beziehung zwischen der Gemeinschaft und dem Individuum zu denken. Sie nimmt mehrere Tanz- und Performancearbeiten in den Fokus, anhand derer sie versucht, die choreographischen Strategien der Komposition dieses Zwischenraums zu identifizieren und für weitergefasste sozialpolitische und alltägliche Perspektiven zu erwägen.

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

2.11. I 18 UHR I MAC VORTRAGSREIHE MUSIK I SIMON ROSE: THE HUMAN CAPABILITY OF IMPROVISATION I STUDIO 12
© Simon Rose
>© Simon Rose

 

Improvisation ist ein zentrales Element unseres ‚In-der-Welt-Seins’ (Rose 2003, 2008, 2013).

Während dies in der Performance-Kunst (Jazz, Kontaktimprovisation und so weiter) in gewissem Maße anerkannt ist, sind die Prozesse der Improvisation weitaus tiefgreifender und umfassender. Improvisation sollte als menschliche Fähigkeit verstanden werden und als solche im Mittelpunkt unseres Verstehens, Lernens und der Bildung sein.
Im Anschluss an Vortrag und Diskussion wird eine Performance stattfinden.

http://www.press.uchicago.edu/ucp/books/book/distributed/L/bo25032241.html

 

Dr. Simon Rose (UK, Berlin) ist Musiker, Wissenschaftler und Autor. In zahlreichen Veröffentlichungen hat er das Phänomen der Improvisation als Erfahrung erforscht.

http://www.simonrose.org/

 

Vortrag in englischer Sprache.

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 12, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

29.10. I 19 UHR I MA CHOREOGRAPHIE HERBSTPROJEKTE: CARINA OTTE, ROMY SCHWARZER I STUDIO 14

 

Die beiden MA Choreographie Studentinnen Carina Otte, Romy Schwarzer präsentieren ihre Semesterarbeiten.

 

CARINA OTTE: FIRN. EIN CHOREOGRAPHISCHER DISKURS DER EXISTENZ

© Carina Otte
>© Carina Otte

 

Sie schmilzt. Sie rumort. Sie kann uns vernichten. Sie braucht Firn. Menschen in einer Welt, in der Firn in seiner Komplexität und Gebrechlichkeit Inbegriff für Richtungen wird und Abhängigkeiten erfahrbar werden. Oder enteisen bereits erneut die Blaualgen und in Koexistenz von Stromatolithen entsteht neues Leben? Physische Regungen und Ausbrüche in einem Raum mit Zoomobjektiv.

 

Idee/ Konzept/ Choreographie: Carina Otte

Tanz/ Ko-Choreographie: Justiina Arjanmaa, Selma Hopsu, Petra Kauppila, Roosa Kääriäinen, Eveliina Lehtiniemi, Petronella Lehtiniemi, Kirsi Määttälä, Suvi Palonen, Rianna Rintamäki, Wilma Seppälä, Maiju Tiuraniemi, Suvi Tuominen

Musik/Komposition: Natalia Bustamante

 

 

 

ROMY SCHWARZER: AS SILENCE COMES

©Romy Schwarzer
>©Romy Schwarzer

 

Ist das Leben nicht nur ein verrückter Traum. Nur eine Illusion von der Welt vor der Welt?

Versteckte Wesen, unsichtbares Huschen, unsicheres Glück, verbundene Schicksale, nichtfassbare Gewalten. Ich versuche dem Fremden zu entkommen, mich ihm anzunähern oder es zu akzeptieren. Ein Entgegenstellen erscheint zwecklos. Ich fliehe in die Zukunft und frage mich: Wo beginnt die Zeit? Wo endet der Raum?

As silence comes ist eine choreographische Untersuchung der Verknüpfung von Mensch und Natur. Eine Erzählung von fremden Wesen, die Glück und Hoffnung, wie auch Leid und Trauer bringen.

Choreographie: Romy Schwarzer

Tanz: Suvi Tuominen, Essi Koivula, Wilma Seppälä, Maiju Tiuraniemi, Selma

Hopsu

Musik/Komposition: Ilmari Tiitinen


 


 

Die Arbeiten von Romy Schwarzer und Carina Otte sind in Kooperation mit dem Studiengang Tanz des North Karelia College Outokumpu/ Finnland entstanden.


Mit freundlicher Unterstützung des Deutschen Bühnenvereins, Landesverband Berlin.

 

Uferstudios, Studio 12 & 14, Uferstr. 8/23 bzw. Badstr. 41a, 13357 Berlin-Gesundbrunnen

S Gesundbrunnen, U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz

uferstudios.com

Eintritt frei. Keine Reservierung möglich. Abendkasse ab 18:15 Uhr.

 

26.10. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE I JONAS RUTGEERTS „RHYTHM AND SYNCOPATION: RETHINKING TEMPORALITY IN DANCE” I STUDIO 11

Syncopation makes one endlessly troubled. (Gertrude Stein) 

 

In dieser Lecture untersucht Jonas Rutgeerts das Potenzial mit Synkopierung in Choreographien zu arbeiten. In der Geschichte des Tanzes definierten sowohl Theoretiker*innen als auch Künstler*innen Rhythmus entweder als metrische Wiederholung unterscheidbarer Einheiten, die einem festgelegten Muster folgen, oder als organischen, andauernden und frei fließenden Ausdruck des Körpers. Synkopierung jedoch scheint diese ontologische Dichotomie zugunsten eines polymetrischen Systems zu widerstehen, in welchem ​​Rhythmus das Ergebnis verschiedener Muster ist, die zur gleichen Zeit durchgespielt werden. Bezug nehmend auf die Arbeiten von u.a. Gertrude Stein, Paul Gilroy, Steve Goodman, Jonathan Burrows, Matteo Fargion etc., zeichnet Rutgeerts die Geschichte des Rhythmus in Choreographie nach und untersucht, wie Synkopierung ein Umdenken in der Beziehung zwischen Tanz, Choreographie und Zeitlichkeit ermöglicht.

 

 

 

Jonas Rutgeerts, Dramaturg und Performance-Theoretiker, ist derzeit FWO-Fellow am Philosophischen Institut der Universität Leuven und arbeitet an seinem PhD über das Konzept von Rhythmus als künstlerisches und theoretisches Instrument in zeitgenössischer Choreographie. Im WS 2016/17 ist Jonas Rutgeerts ‚affiliated researcher’ am HZT Berlin. Als Dramaturg arbeitete er u.a. mit: Ivana Müller, David-Weber Krebs, Clément Layes, Needcompany und Sanja Mitrovic. Er ist Autor von “Re-act: Re-enactment in contemporary dance’ (2015).

 

Vortrag in englischer Sprache.

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

25. UND 26.10. I 19 UHR I MA CHOREOGRAPHIE HERBSTPROJEKTE: KATHERINE EVANS, YUKO MATSUJAMA I STUDIO 14

 

Die beiden MA Choreographie Studentinnen Katherine Evans, Yoko Matsujama präsentieren ihre Semesterarbeiten.

 

 

KATHERINE EVANS: IN DER STUBE MIT DEM OFFENEN FENSTER

©iStockphoto_Lisa-Blu
>©iStockphoto_Lisa-Blu

 

In dem Tanzstück In der Stube mit dem offenen Fenster sitzen viele Menschen, so viele wie es Stuben gibt. Durchs Fenster werfen sie mit ihrem Blick einen Rahmen auf die Welt. In dem Rahmen ist Platz für Familienessen mit gewetzten Messern, oder eine ferne, gescheiterte Liebe, die es sich in mancher Herzkammer gemütlich machte und von dort aus das Blut vorantreibt.

In der Stube mit dem offenen Fenster wird Nähe und Distanz gleichermaßen Platz eingeräumt, so dass die allgegenwärtige Dissonanz zwischen körperlicher und emotionaler Befindlichkeit an die Oberfläche tritt.

 

Choreographie: Kai Evans

Von und mit: Yara-Li Mennel, Naïma Ferré, Lilly Pohlmann

Vocal Coach: Robert Liethoff

Bühnenbild: Carolina Duarte

Dramaturgie: Nadav Anin, Marie Yan

Sound: Amelie Neumann

Licht: Catalina Fernandez

 


YUKO MATSUJAMA: wʌn / tuː / fɔːr

©H.Weiffenbach
>©H.Weiffenbach

 

1.2.3.4 sind nur wenige der unendlich vielen Zahlen, mit denen sich verschiedene Rhythmen zählen lassen. Diese vier Zahlen ziehen sich wie ein roter Faden durch die Performance, sie lassen Raum für Interpretationen. Indem Tänzer und Musiker das rhythmische Zählen hören, werden bei ihnen Assoziationen und entsprechende Empfindungen geweckt.

 

Von und mit: Juan Felipe Amaya, Forough Fami, Ayako Toyama
Musik: Taylor Savvy
Kostümberatung: Silvia Albarella
Lichtdesign: Catalina Fernandez

Dramaturgie: Juan Felipe Amaya

Idee, Choreographie und Musik: Yuko Matsuyama

 

 

 

Dank an das Kostümkollektiv e.V. für die Unterstützung des Kostümbilds durch den Fundus.

 

Mit freundlicher Unterstützung des Deutschen Bühnenvereins, Landesverband Berlin.

 

Uferstudios, Studio 12 & 14, Uferstr. 8/23 bzw. Badstr. 41a, 13357 Berlin-Gesundbrunnen

S Gesundbrunnen, U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz

uferstudios.com

Eintritt frei. Keine Reservierung möglich. Abendkasse ab 18:15 Uhr.

20. UND 21.10. I 19 UHR I MA CHOREOGRAPHIE HERBSTPROJEKTE:  LEONIE GRAF, JANNE GREGOR, I JUNG LIM I STUDIO 14

 

Die drei MA Choreographie Studentinnen Leonie Graf, Janne Gregor, I Jung Lim präsentieren ihre Semesterarbeiten.

 

 

 

LEONIE GRAF: DIMENSIONSBETRACHTUNG. EINE CHOREOGRAOHISCHE GRÖSSENVERSCHIEBUNG

©Nicole Frei
>©Nicole Frei

  

Über einer Öffnung an der Erdoberfläche wölbt sich sprudelnd eine Wasserglocke auf. Aus dem Untergrund schießen mit hoher Geschwindigkeit dutzende Wasserblasen herauf. Diese durchbrechen explosionsartig die Wasserglocke und reißen das Wasser als Fontäne mit sich in die Höhe. Was folgt, ist der Blick in die Vertikale und ein Zustand, der neue Wahrnehmung zulässt. Dieser dehnt sich aus und sucht seine Balance. - Was passiert, wenn sich vier Performer_innen bewegen und mit ihren Körpern versuchen, dem Raum eine neue Dimension zu verleihen?

 

mit: Simone Detig, Tashina Mende, Felix Utting, Ingileif Franzdóttir Wechner

Musik/ Komposition: Tobias Vethake

Szenografie: Nicole Frei

Lichtdesign: Christoph Bovermann

Choreographie: Leonie Graf

 

 

JANNE GREGOR: DIE UNENDLICHE FAHRT - people in panels -

© Martina Thalhofer
>© Martina Thalhofer

 

 

Sie sehen sich nicht -
Sie gucken in dieselbe Richtung.

Sie schleichen ums Haus herum, hauchen ans Fenster und schaffen

sich einen Platz auf Deiner Netzhaut.

Sie suchen einen Weg.

und verharren oft.

 

Choreographie: Janne Gregor
von und mit: Lina Gómez, Jallow Mamudou
Sounds: Emilio Gordoa
Kostüme: Kim Scharnitzky

Dramaturgische Beratung: Maja Zimmermann
Lichtdesign:
Ľudovit Kovács
Fotodokumentation: Martina Thalhofer
Videodokumentation: Katelyn Styles

 

I JUNG LIM: DER RAUM WO ES WEDER TAG NOCH NACHT GIBT

©I Jung Lim
>©I Jung Lim


Der menschliche Körper ist unablässig der Schwerkraft ausgesetzt. Daraus resultiert eine Erschöpfung, die sich in einer spannungslosen Körpersprache und in schleppenden Bewegungen ausdrückt. Warum wird dem Körper zusätzlich zu dieser Belastung noch die Verantwortung übertragen, Identität darzustellen?

Der Körper ist in einem Raum ohne klare Grenzen, in einem Zwischenraum. Hier halten sich die Menschen auf, die weder große Schuld tragen noch besondere Wohltaten erbracht haben.

Wie können sich diese menschlichen Körper in diesem Raum formen und wie sehen sie aus?

 

Choreographie/ Text/ Sound: I Jung Lim

DarstellerInnen: Parwanhe Frei, Florence Freitag, Julia Turbahn, Simone Gisela Weder

Kostümbildnerin: Carolin Herzberg

Assistentin: Camille Jamelen

Korrektor für deutsche Ausdrucksweise: Karim Alameddine, Witalij Frese


 

Mit freundlicher Unterstützung des Deutschen Bühnenvereins, Landesverband Berlin.

 

Uferstudios, Studio 12 & 14, Uferstr. 8/23 bzw. Badstr. 41a, 13357 Berlin-Gesundbrunnen

S Gesundbrunnen, U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz

uferstudios.com

Eintritt frei. Keine Reservierung möglich. Abendkasse ab 18:15 Uhr.

 

19.10. I 18 UHR I MA SODA LECTURE I LUDGER SCHWARTE UND BOYAN MANCHEV: THE END OF CONTEMPORARY ART? I EIN DOPPELVORTRAG I STUDIO 11
© Ric Allsopp
>© Ric Allsopp

 

Die erste Veranstaltung der Vortragsreihe des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin im Wintersemester 2016/17 beginnt mit einer tiefgreifend kritischen Frage: Ist das Ende zeitgenössischer Kunst gekommen? Wenn das, was wir ‚zeitgenössische Kunst’ nennen, eine historische Kategorie ist, dann hat sie begrenzte historische Gültigkeit. Sind wir Zeugen, dass sich diese Gültigkeit erschöpft hat?

 

Die Philosophen Ludger Schwarte und Boyan Manchev teilen die Intuition, dass das, was als "zeitgenössische Kunst" im letzten halben Jahrhundert konzipiert und identifiziert wurde, der radikalen Transformation, wenn nicht allmählichen Erschöpfung unterliegt.

Sie werden zwei Perspektiven vorschlagen, sich mit der eröffnenden provokativen Frage zu befassen, die der Regisseur Dirk Cieslak ihnen bei einem Panel im Juni 2016 gestellt hat. Die Veranstaltung wird außerdem Thesen aus Schwartes neuem Buch "Notate für eine künftige Kunst" vorstellen und diskutieren.

 

Ludger Schwarte (*1967), Philosoph und Literat, lehrt an der Kunstakademie Düsseldorf. Seine Arbeitsschwerpunkte sind Ästhetik, Politische Philosophie, Wissenschafts- und Architekturtheorie und Philosophie des Rechts. [www.kunstakademie-duesseldorf.de]  

 

Vortrag in englischer Sprache.

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

23.9. I 19:30 UHR I PREMIERE I IRINA DEMINA: TRAUMLABOR. EIN REALITÄTSCHECK I THEATER STRAHL

© Irina Demina
>© Irina Demina

 

Wer träumt mich? Bin ich ich wenn ich träume? Können wir gemeinsam träumen?

 

Traumlabor befindet sich auf der Schnittstelle zwischen Realität und Phantasie.

 

Eine Wunderkammer, in der Träume in eine Bewegungssprache dekodiert werden.


Eine Illusionsmaschine, die über die Beschaffenheit des Traums reflektiert. 
Was wäre, wenn es einen kleinen Riss im vertrauten Raum-Zeit-Kontinuum geben würde und wir in diesen Spalt einsteigen könnten?

 

Ein Tanztheater für die Generation 13+

 

Idee, Choreographie: Irina Demina

Ko-Choreographie, Tanz: Carlos Aller, Sunghai Cho, Marco Di Nardo, Eli Cohen, Enrico Paglialunga

Dramaturgie: Anastasia Ioannidis

Ton: Matthias Erian

Video: Roberto Duarte

Bühnenbild: Dragan Denda

Kostümbild: Ivana Vukovic

 

Irina Demina präsentiert ihre Abschlussarbeit im Masterstudiengang Choreographie.



Aufführungen:

Di 13. September, 11.00 Uhr Öffentliche Probe
Do 15. September, 11.00 Uhr Öffentliche Probe
Mi 21. September, 19.30 Uhr Voraufführung
Fr 23. September, 19.30 Uhr Uraufführung / Premiere
Sa 24. September, 19.30 Uhr
Di 27. September, 11.00 und 19.30 Uhr
Mi 28. September, 11.00 Uhr
Di 13. Oktober, 11.00 und 19.30 Uhr
Fr 14. Oktober, 11.00 und 19.30 Uhr


Tickets unter: 030 695 99 222 und www.theater-strahl.de

7. & 8.9. I EARTHLY DELIGHTS HZT BA GRADUATES IN AMSTERDAM

 

In ihren drei Studienjahren haben die BA-Absolventen die Möglichkeiten und Grenzen von Zeitgenössischem Tanz und Performance erforscht. Nun zeigen sie im Rahmen des Austauschprogramms zwischen dem HZT Berlin und der SNDO in Amsterdam an zwei Abenden Projekte und Ideen, Performances und Installationen die sie während ihres Studiums entwickelt haben. Einige Arbeiten feiern in Amsterdam Premiere.

This is not the omega (Premiere)
von sandhya daemgen und stephanie quirola

RAMBO IS A PUSSI
ein Film von Wiebke Köplin, Lisa Mareike Poethke und Christina Wüstenhagen

nonproductive piece of clit (Premiere)
work in progress von Josephine Findeisen

S OR 8 sisy fos or eternity, economy of leisure
von Xenia Taniko Dwertmann und Freunden

Daughters of Lust
von Zuzanna Ratajczyk


Tickets und Infos: Veem House for Performance
Van Diemenstraat 408 - 410,
1013 CR Amsterdam,
veem.house

23.7. I UDK RUNDGANG I BEWEGUNGSWORKSHOP I STUDIOSHOWINGS

© Angélica Lizarazo
>© Angélica Lizarazo

 

 

16-17:30 UHR I BEWEGUNGSWORKSHOP I STUDIO 9
 


In diesem Workshop von Johanna Ackva und Camille Chapon, derzeit Studierende am Bachelorstudiengang „Tanz, Kontext, Choreographie“ werden unterschiedliche Bewegungsmaterialien eingeführt, ausprobiert und schamlos abgewandelt! Alle an Bewegung und Tanz Interessierten sind herzlich willkommen. Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Bitte bringen Sie bequeme Kleidung mit. Der Workshop findet auf deutsch und englisch statt.

18-19:30 Uhr I Studioshowings I Studio 11
In diesem Format zeigen Studierende kurze choreographische Stücke und Skizzen als „work in progress“.

Julia Turbahn, Adam Shpira: work-in-progress

Magdalena Meindl, Johanna Ackva: diagrams of dependency

Alejandro Karasik: Computer somatics
Künstlerische Zusammenarbeit: Soledad Gutiérrez

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

6.7.I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE VON DERRAIS CARTER: "UNDONE: BLACKNESS IN PERFORMANCE" I STUDIO 11
© creative commons
>© creative commons

 

Derrais Carters Vortrag untersucht, wie schwarze Künstlerinnen und Künstler der Post-Bürgerrechts-Ära Performances von Sex genutzt haben, um rassismuskritische Kulturwissenschaft neu zu interpretieren. Mit besonderem Blick auf den Film „Sweet Sweetback’s Baadasssss Song“ (1971) und Essays von Robert Reid-Pharr stellt Derrais mit diesem Vortrag die Frage, inwiefern Performances von Sex das essentialistisch rassengeprägte Gerüst, das häufig die kulturelle Analyse bestimmt, bedrohen und möglicherweise demontieren

 

Vortrag in englischer Sprache.

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

5.-7.7 I AB 19 UHR I MA SODA RESEARCH PRESENTATIONS 2016 I STUDIO 8 & 9
© Lisa Müller-Trede
>© Lisa Müller-Trede

 

Was ist gemeint, wenn man von Forschungspräsentationen künstlerischer Praxis spricht? Wie kann das aussehen?

 

Im Laufe des zweijährigen Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship (SODA) sind die Studierenden angehalten mit Hilfe spezifischer Übungen und Arbeiten Antworten auf diese Fragen zu finden. Wie kann künstlerische Praxis als Wissen verstanden werden und wie kann Wissensgenerierung dargestellt und in einen Diskurs hineingeführt werden? Mit welchen Mitteln können der Lernprozess und das Verständnis künstlerischer Praxis sichtbar gemacht werden? Kurz gesagt: Wie lernen die Studierenden, was sie lernen?

An drei Abenden präsentieren die Studierenden ihre Forschungsprozesse in performativen Formaten und geben Einblicke in ihre bevorstehenden Abschlussprojekte im kommenden Semester. Die Präsentationen reichen von Performances über Diskussionen, Installationen und vieles mehr.

 

PDF MA SODA RESEARCH JULY 2016

 

 

 

Dienstag, 5.7.


19:00 Uhr I Akseli Aittomäki: Production desired value added (Studio 9)

20.00 Uhr I  Lulu Obermayer: ACT II // SCENE V (Studio 8)

 

Mittwoch, 6.7.

 

19.00 Uhr I Yuebing Luo: Modest Spectacle (studio 8)

20.00 Uhr I Enrico D. Wey:This feast once removed (Studio 9)

 

Donnerstag, 7.7.


19.00 Uhr I Lisa Müller-Trede: z = x toward y + drive (Hof und Studio 9)

20.00 Uhr I Liad Hussein Kantorowicz: 'terrorism' is for everybody (Studio 8)

 

Die Zuschauerzahl ist auf 50 Personen begrenzt. Eine Anmeldeliste wird 30 Minuten vor Beginn der Veranstaltung am Eingang ausgelegt. Reservierungen sind leider nicht möglich.

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

29.6. I 18 UHR I MA SODA LECTURE REIHE: THE WORLD MUST BE ROMATICISED I ESA KIRKKOPELTO: SPECIES-BEINGS, HUMAN ANIMALS AND NEW NEIGHBOURS. NON-HUMAN AND INHUMAN IN CONTEMPORARY PERFORMANCE I STUDIO 12
©Other Spaces
>©Other Spaces

Zeitgenössische Performances, die mit menschlich-nicht menschlichen Beziehungen experimentieren, schreiben sich, auf der Grundlage bedingungsloser Gleichheit und Freiheit oder equaliberty (Balibar 2004) zwischen Spezies, in die westliche Tradition religiöser und politischer Emanzipation ein. Durch die Erweiterung dieser Forderung über die menschliche Sphäre hinaus, aktivieren nicht-menschliche Performances Ideen einer genaueren Analyse dieser Tradition sowie moderner humanitärer Katastrophen. 1) Der Anspruch auf Gleichberechtigung kann nur bedingungslos sein, wenn er über die menschliche Sphäre hinausgeht. 2) Gleichstellung ist nicht nur eine Frage von Recht und Gesetz (Hamacher 2014), sondern auch eine Ausübung des Einverständnisses, sprich eine körperliche Übung.

Esa Kirkkopelto ist Professor für Künstlerische Forschung an der University of the Arts Helsinki und Einberufender des „Other Spaces live art collective”.(www.toisissatiloissa.net)

Eintritt frei
Vortrag in englischer Sprache

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

28.6. I DOPPELABEND I MIKE VARGAS SOLO PIANO SALON I NANCY STARK SMITH & MIKE VARGAS - ON COLLABORATION I STUDIO 12
©Jim Coleman
>©Jim Coleman

 

19 Uhr I Mike Vargas Solo Piano Salon

 

Der Salon von Mike Vargas ist teils improvisiertes Klavierkonzert, teils Vortrag und Diskussion über strukturierte Improvisation und über das Verhältnis von Musik und Tanzimprovisation.

 

20:30 Uhr I Gespräch mit Nancy Stark Smith

 

Ein Gespräch zwischen Nancy Stark Smith und Mike Vargas über ihre langjährige Zusammenarbeit im Unterrichten und Aufführen. Moderiert von Peter Pleyer.

 

Veranstaltungen in englischer Sprache

 

In Kooperation mit der Tanzfabrik Berlin

 

Nancy Stark Smith trainierte zunächst als Athletin und Gymnastin, studierte später Modernen und Postmodernen Tanz. Sie war stark beeinflusst von den Entwicklungen des Judson Dance Theater in den 1960ern in New York. Sie tanzte in den ersten Performances der Tanzform Kontaktimprovisation 1972 Steve Paxton und anderen und ist seitdem eine zentrale Figur der Entwicklung der Tanzforma als Tänzerin, Dozentin, Performerin, Autorin/Editorin und Veranstalterin. Sie reiste weltweit zum unterrichten und auftreten und performte Contact und Improvisation mit Paxton und vielen anderen Tanzpartnern wie u.a. Ray Chung, Julyen Hamilton, Peter Bingham, Andrew Harwood, Karen Nelson und dem Musiker Mike Vargas. 1975 war sie  Mitgründerin des internationalen Tanzjournals Contact Quarterly, das sie bis heute, neben weiterer Tanzliteratur, mit herausgibt und publiziert. Ihre Arbeit wird in verschiedenen Büchern und Filmen besprochen, und sie entwickelt seit 1990 die Underscore, ein langes Format einer Tanz Improvisationsscore. Ihr erstes Buch Caught Falling: The Confluence of Contact Improvisation, Nancy Stark Smith, and Other Moving Ideas, wurde 2008 veröffentlicht. Sie lebt im Westen von Massachusetts. www.nancystarksmith.com

 

Mike Vargas begann 1959 Musik zu studieren und spezialisiert sich seit 1978 auf Musik für Tanz. Er arbeitet als freiberuflicher Komponist in den USA und international. Er performt, unterrichtet, improvisiert und nimmt Alben auf. In den letzten 16 Jahren hat er auf der ganzen Welt mit Nancy Stark Smith gearbeitet. Er ist außerdem Dozent am Smith College dance department. Mike hat bisher 9 Alben mit seiner Musik herausgegeben. www.mikevargas.net

 

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Studio 12, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

24. UND 25. JUNI I 19 UHR | DOPPELABEND I  LINA GÓMEZ: STAUB [POEIRA SURDA] &  ANNA ARISTARKHOVA: OBNIMASHKI & ZWEITES STÜCK | STUDIO 14

©Ruppert Bohle
>©Ruppert Bohle

 

Lina Gómez: STAUB [POEIRA SURDA]

 

Wir sind von Nicht-Sichtbarem, von unerklärlichen Kräfte umgeben. Von Materie, die ständig in Bewegung ist, auch wenn sie statisch erscheint. Poeira Surda ist Ambivalenz; es ist ein Versuch, zu den Überresten in einem Raum zu gehören. Es ist die Bereitschaft, die anderen zu durchkreuzen. Ein Verzicht auf das Selbst, eine Wiedergeburt im Moment der Abstandnahme und Beharrlichkeit.

 

STAUB sind körperliche Spuren, Immanenzen von Erinnerungen, Wünschen. STAUB schwebt; er verändert sich ständig; gestaltet, gruppiert und erfindet sich neu, verformt sich; gibt vor, zu pausieren, beharrt, verschwindet und hält an.

 

Idee/Konzept/Choreographie: Lina Gómez

Tanz und Kreation: Julek Kreutzer, Diethild Meier, Camille Chapon, Bella Hager und Yotam calo' Livne

Musik: Michelangelo Contini, Gearóid Ua Laoghaire und Eurico Ferreira Mathias

Lichtdesign: Bruno Pocheron

Kostüm: Sandra Ernst

Dramaturgische Beratung: Sandra Umathum

Assistenz Choreographie: Frederike Doffin

 

Eintritt: 4 Euro, Ticket gültig für beide Vorstellungen des Doppelabends (Lina Gómez und Anna Aristarkhova)


Die Abendkasse öffnet um 18:15 Uhr, es ist keine Reservierung möglich. Erfahrungsgemäß sind die Tickets an der Abendkassee schnell ausverkauft. Bitte kommen Sie daher mindestens eine halbe Stunde vor Vorstellungsbeginn zur Abendkasse.

ANNA ARISTARKHOVA: OBNIMASHKI & ZWEITES STÜCK

OBNIMASHKI© Philipp Weinrich
>OBNIMASHKI© Philipp Weinrich

Anna Aristarkhova: OBNIMASHKI

Instruktion für Freunde - Schwierigkeitsgrad: einfach:
- Einander anschauen und eventuell anlächeln
- Möglicherweise die Arme leicht öffnen und heben, um sich geistig vorzubereiten
- Aufeinander zugehen und die Arme um den Nacken, die Taille oder die Hüften legen*
- Kopf ist leicht nach links gebeugt, zur rechten Schulter des Partners/ der Partnerin
- Sich leicht aneinander pressen
- Den Körperkontakt lösen, bevor es unangenehm wird*

* (Die Position der Arme und die Dauer der Umarmung hängen von der Art der Freundschaft ab)

 

Darstellung/Mitkreation: Emma Tricard, Anna Fingerhuth, Grete Smitaite, Yuya Fujinami, Jonas Maria Droste

Lichtdesign: Gretchen Blegen

Dramaturgie: Sandra Umathum

Kostüm/Bühne: Anna Philippa Charlotte Muller

Assistenz: Anna Fitoussi

 

Trailer: https://vimeo.com/169314052

 

Anna Aristarkhova: ZWEITES STÜCK

ein Stück ohne Bedeutung

 

„Inhalt ist der flüchtige Eindruck von etwas, eine blitzartige Begegnung. Er ist wenig - sehr wenig, der Inhalt.“ (Willem de Kooning)

"Obnimashki" & "Zweites Stück" sind koproduziert von der Uferstudios GmbH im Rahmen des Projekts Life Long Burning (www.lifelongburning.eu) mit Unterstützung des Kulturprogramms der Europäischen Union.

 

Darstellerinnen/Mirkreation: Anna Fingerhuth, Emma Tricard, Grete Smitaite

Komponist: Ferdinand Breil

Lichtdesign: Gretchen Blegen

Dramaturgie: Sandra Umathum

Kostüm/Bühne: Anna Philippa Charlotte Muller

Assistenz: Anna Fitoussi

 

Trailer: https://vimeo.com/169314061

 

Eintritt: 4 Euro, Ticket gültig für beide Vorstellungen des Doppelabends (Lina Gómez und Anna Aristarkhova)


Die Abendkasse öffnet um 18:15 Uhr, es ist keine Reservierung möglich. Erfahrungsgemäß sind die Tickets an der Abendkassee schnell ausverkauft. Bitte kommen Sie daher mindestens eine halbe Stunde vor Vorstellungsbeginn zur Abendkasse.

 

HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

24. UND 25.06 I CAPTURING DANCE: CAPTURING DANCE STATION # 3: PRÄSENTATION DES ABSCHLUSSFILMES „CONCRETE PARK“
. EIN TANZFONDS ERBE PROJEKT I GALERIE PATRICK EBENSPERGER
©Felix M. Ott
>©Felix M. Ott

Das Projekt „Capturing Dance - Tanzdokumentation als künstlerische Praxis" richtet einen künstlerischen Fokus auf den Umgang mit Tanzdokumentation. Seit Juni letzten Jahres erproben Studierende des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship - SODA des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin (HZT) und Studierende der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) sowie professionelle Kolleg_innen produktive künstlerische Wechselbeziehungen zwischen Choreographie, Performance und Dokumentation. Nach einem Symposium in Berlin und einer intensiven Laborphase in Köln entstand als Abschluss des Projekts der Film „Concrete Park", der den Projektverlauf und die unterschiedlichen Resultate der künstlerischen Begegnungen und Auseinandersetzungen zwischen den Projektteilnehmer_innen dokumentiert. Der Film wird im Rahmen einer Installation gezeigt.

Am Premierenwochenende findet außerdem ein Dialogprogramm mit den beteiligten Künstlerinnen und Künstlern statt.

 

Eröffnung Freitag, 24.6.: ab 19:00

19:30 Premiere des Films „Concrete Park“

ab 21:30 DJane Bella Cuts

 

Samstag, 25.6.: 12:00 bis 18:00

Rahmenprogramm zur Filmpräsentation

13:30 Dialog #1: Bettina Knaup (Kuratorin) im Gespräch mit den Projektteilnehmer*innen

15:00 Dialog #2: Janez Janša (Künstler, Theoretiker) im Gespräch mit den Projektteilnehmer*innen

16:30 Dialog #3: Sandra Umathum (Theaterwissenschaftlerin, Dramaturgin) im Gespräch mit den Projektteilnehmer*innen

 

Ein TANZFONDS ERBE Projekt; produziert von der Tanzfabrik Berlin in Kooperation mit dem Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin (HZT), der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) und dem DFG-Forschungsprojekt „Verzeichnungen“; in Zusammenarbeit mit der Galerie Patrick Ebensperger und Luxoom Lab Berlin, dem DFG-Forschungsprojekt „Über-Reste“ und dem Institut für Theaterwissenschaft der FU Berlin. Gefördert von TANZFONDS ERBE – Eine Initiative der Kulturstiftung des Bundes - und der Schering Stiftung.

 

Eintritt frei

Galerie Patrick Ebensperger / Luxoom Lab

Plantagenstraße 30, 13347 Berlin

22.6. I 18 Uhr I HZT LECTURE – REIHE: NEUE MUSIK UND TANZ I MICHAEL WEILACHER: NEUE MUSIK IM RAHMEN VON ZEITGENÖSSISCHEM TANZ I STUDIO 11 
© Michael Weilacher
>© Michael Weilacher

Aus der Erfahrung meiner 15-jährigen Zusammenarbeit mit der belgischen Choreographin Anna Teresa De Keersmaeker spreche ich über zeitgenössischen Tanz im Zusammenhang mit neuer Musik.

Als Ausgangspunkt analysiere und präsentiere ich Steve Reichs Musik mit Fokus auf 'Drumming' und 'Music for 18 Musicians', zwei wichtige Stücke, zu denen Anna Teresa De Keersmaeker choreographierte. Die Zusammenfassung der Musik und Choreographie wird sowohl Texte von mir als auch von Anna Teresa De Keersmaeker beinhalten. Es geht darum ihren Arbeitsprozess in Bezug auf Tanz im Rahmen neuer Musik klar zu verdeutlichen, weshalb ich versuche durch Video und Ton Beispiele übersichtliche Antworten in Bezug auf ihre Herangehensweise zu geben.

 

Eintritt frei

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U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

11. UND 12. JUNI 2016 I 20 UHR I MIMI JEONG: AB SURRRRRD I BAT-STUDIOTHEATER
©Mimi Jeong
>©Mimi Jeong

Eine choreographierte Solo-Performance zwischen Tanz und Musik

 

Wer ist Utku Yurttas, heute, hier auf dieser Bühne? Er bewegt sich durch ein System, eine körperliche, räumliche und musikalische Partitur. So erschafft er zugleich Musik und Bewegung, Bewegung und Musik. Die Auseinandersetzung mit der Absurdität des Systems fordert die Identität des Performers heraus.

 

Konzept, Choreographische Komposition: Mimi Jeong

Musikalische Komposition, Performance: Utku Yurttas

Bühnenbild, Licht, Installation: Julien Brun

 

Dauer: ca. 50 Min

Reservierung:karten@bat-berlin.de, Karten 10 Euro, erm. 5 Euro

 

bat-Studiotheater, Parkstraße 16

13086 Berlin-Weißensee

Fahrbverbindung: Tram 12, M13 und M4, Albertinenstraße, Bus 255, 158

Woelckpromenade, Bus 259 Berliner Allee/Indira-Gandhi-Str., Bus 156

8. UND 9. JUNI 2016 I 19 UHR I JUNG SUN KIM: EX IST_ TANZPERFORMANCE I STUDIO 1
©Nuri Oh
>©Nuri Oh
 

 

20 Personen im Uferstudio 1:

Eine Bühnenbildnerin, ein Flüchtling, eine Grafikdesignerin, zwei Hausfrau, eine Kindergärtnerin, eine Künstlerin, zwei Musikerinnen,  eine Performerin, drei Tänzerinnen, eine Sängerin, vier Studentinnen (Anthropologie, Choreographie, Kunst), eine Yoga-Lehrerin, ein Zimmermann.

Jetzt treffen sie aufeinander und machen zusammen „contemporary gymnastic”.

 

Konzept, Choreographie: Jung Sun Kim

Musikkomposition und -leitung: Matthias Erian

Bühne, Lichtdesign: Cheng Ting Chen

Musik: Bo-Sung Kim, Hyo-Jin Shin

Dramaturgische Unterstützung: Jaelee Kim

Assistenz: Alessandra Vasilieva, Viviana Defazio

 

Performer*innen: Alessandra Defazio, Ayad Milko, Bo Sung Kim, Chiara Picotto,

Cristina Druga, Emily Jeffries, Gregor Gross, Hanna Shin, Hyo Jin Shin, Hyosil Lee,

Jonas Wentritt, Katarzyna Guzowska, Katerina Delakoura, Katharina Resch,

Kerstin Porges, Lisa Hofmann, Lucia Albini, Nicoleta Tutuianu, Polyxeni Angelidou,

Sanghwa Park  

                                                                             

Dauer: ca. 60 min ohne Pause

 

Eintritt: 4 Euro

Die Abendkasse öffnet um 18:15 Uhr, es ist keine Reservierung möglich. Erfahrungsgemäß sind die Tickets an der Abendkassee schnell ausverkauft. Bitte kommen Sie daher mindestens eine halbe Stunde vor Vorstellungsbeginn zur Abendkasse.

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

23.5. I 18 Uhr I HZT Open Lecture I Efva Lilja: beyond the ordinary. A performance lecture on art research and empowerment I Studio 11
©Viktor Andersson
>©Viktor Andersson

Warum wird das Wort gesagt? Warum ist die Bewegung in Bewegung? Dies sind Fragen, die Bezug nehmen auf die Übertragung von Sprache, die Politik des Zuhörens und die Rolle von Repräsentation im Tanz, die aus der linguistischen Perspektive hervorgeht, die die Grundlagen konstituiert. Durch Choreographie sind wir gezwungen uns auf die umfassendere Definition eines Sprachkonzeptes zu verlassen: Was wir nicht sagen, könnte soviel hervorbringen, wie das, was wir in Worten ausdrücken. Aus dieser Einsicht ziehen wir Respekt für unsere Mitmenschen und wir werden nicht nur besser darin uns auszudrücken, sondern auch besser darin zuzuhören. Tanz wird eine politische Aktion.

Die Welt als KünstlerIn zu sehen, beinhaltet eine Methode des Denkens zu finden und sich den politisch komplexen Herausforderungen der modernen Gesellschaft und kultureller Kontexte zu stellen. Die Kunst der Choreographie als Aktion und als Denken erlaubt uns provokativ zu sein, erlaubt uns soziale Ideologien zu befragen, zu reflektieren oder zu testen, wenn wir es nur wagen, über das Gewöhnliche hinauszugehen.

Ausgehend von meiner eigenen Erfahrung mit künstlerischer Forschung, werde ich darüber sprechen, wie KünstlerInnen durch Forschung ihre Fähigkeiten verbessern können, in der heutigen multikulturellen und diversen Gesellschaft zu interagieren. Durch Tanz, Text und Bilder lade ich Euch alle ein zu einem liebevollen Moment der Aktion. Ich werde an den Rändern meiner Sorgen kauen und mir neue Abkürzungen in die Wildnis ausdenken und umgeben vom Gegenwind, Ideen der Choreographie diskutieren. Und ich werde tanzen.

In Zusammenarbeit mit AREAL - Artistic Research Lab und dem !KF - Institut für künstlerische Forschung.

Moderation: Julian Klein

Efva Lilja ist Künstlerin, Aktivistin und Forscherin. Sie arbeitet an Choreographie, visueller Kunst, Filmen und schreibt. Von 1985 bis 2005 war sie Künstlerische Direktorin der E.L.D. Company und produzierte in über 35 Ländern auf der ganzen Welt, wofür sie mit zahlreichen Preisen und Auszeichnungen geehrt wurde. 2003 wurde sie Professorin für Choreographie und von 2006 bis 2013 war sie Vizekanzlerin von DOCH in Stockholm. 2014 war Lilja fachliche Beraterin für Künstlerische Forschung im Ministerium für Bildung und Forschung in Schweden. Seit 2016 ist sie Direktorin der Dansehallerne in Kopenhagen.

Veranstaltung in englischer Sprache

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

8.6. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE I DIEGO AGULLÓ: MISCHIEVOUS DILETTANTISM: DISMANTLING THE PROFESSIONAL ARTIST I STUDIO 9
© Jorge Ruiz Abánades
>© Jorge Ruiz Abánades

In seinem Vortrag behandelt Diego Agulló die Überprofessionalisierung der Künste, die sich in den letzten Jahrzehnten vollzogen hat. Die Folgen dieser Entwicklung sind zahlreich: Konkurrenzdenken dominiert soziale Interaktion; der Künstler wird zum passiv gefügigen Akteur, der sich der Evaluation professionalisierter Kontrollsysteme und öffentlicher kritischer Zustimmung unterwirft und sich dem Urteil der Autorität des Vermittler ergibt. Somit ist Professionalisierung das ultimative Kriterium für die Validierung und Legitimatisierung des Künstlers geworden. Der öffentliche Raum wird als Raum für Publicity, individuellen Erfolg, Karriereleiter und Profitstreben beansprucht. Ist „professioneller Künstler“ ein Oxymoron? Wenn ja, was genau ist die Spannung, die entsteht wenn ein Künstler den Bereich der Professionalisierung betritt? Wie kann man von dieser Spannung des Widerspruchs profitieren? Kann diese Spannung ein Spielfeld/Schlachtfeld für den Künstler sein, um darin zu operieren und Arbeit zu produzieren? Wie kann ein Kunstwerk die privilegierten Positionen, die durch Professionalisierung installiert und aufrechterhalten werden, demontieren?

Vortrag in englischer Sprache

Eintritt frei



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18.5. I 18 Uhr I HZT Lecture-Reihe: Neue Musik und Tanz I Burkhard Beins

©Christoph Mevel
>©Christoph Mevel


Burkhard Beins:  „Adapt/Oppose“

 

Mit Adapt/Oppose habe ich im Verlauf der letzten 10 Jahren ein modulares Zeichensystem zur Organisation und Steuerung von Gruppeninteraktion entwickelt. Es basiert auf einer geringen Anzahl von Zeichen, mit denen ich, gerade wegen ihrer ganz spezifischen Bedeutung und Funktion, komplexe grafische Bezugssysteme komponieren kann. Einerseits werden von mir die Stellen vorgegeben an denen einzelne Akteure einsetzen, zum anderen wie sich die einsetzenden Akteure zu vorhergehenden Materialentscheidungen anderer Akteure grundsätzlich in Bezug setzen sollen, - entweder adaptierend oder kontrastierend. Bisweilen beendet der Einsatz eines Akteurs auch zugleich die Aktion/en eines oder mehrerer anderer Akteure. In Workshops mit Musiker- und/oder TänzerInnen kann ich durch diese wenigen klaren Vorgaben die ansonsten oft übergroße Bewertungs- und Entscheidungskomplexität innerhalb von Improvisationsprozessen soweit reduzieren, dass sich die Teilnehmenden besser auf die Details ihrer Materialwahl und -gestaltung sowie auf ihre Interaktion innerhalb der Gruppe fokussieren können.Diese wird zudem für mich als Leiter anhand der Grafik gezielt beobacht-, analysier- und diskutierbar, wodurch sich Adapt/Oppose als ein vorzügliches didaktisches Instrument erweist. 

 

Burkhard Beins - wurde 1964 in Niedersachsen geboren und lebt seit 1995 in Berlin. Als Composer/Performer gilt er aufgrund seiner individuell entwickelten Spieltechniken als stilprägender Perkussionist. Er arbeitet zudem mit analogen Synthesizern und Live-Elektronik und entwickelte diverse Klanginstallationen. Er arbeitet solistisch aber auch gemeinsam mit Keith Rowe, Sven-Åke Johansson, John Tilbury, Charlemagne Palestine und vielen anderen. Zudem ist er Mitglied diverser Ensembles wie Activity Center, Polwechsel, Mensch Mensch Mensch, The Sealed Knot, Glück, Perlonex, Trio Sowari, Fracture Mechanics, Phosphor und des Splitter Orchesters. Burkhard Beins veröffentlichte mittlerweile mehr als 40 LPs und CDs. Er gibt Workshops auf Basis des von ihm entwickelten graphischen Notationssystems "Adapt/Oppose", hält Vorträge und ist Mitherausgeber sowie einer der Autoren des 2011 erschienenen Buches „Echtzeitmusik Berlin – Selbstbestimmung einer Szene“, sowie Kurator einer daran anschließenden 3CD Compilation über die Berliner Echtzeitmusik-Szene.

Homepage: www.burkhardbeins.de 

18.5. I 18 UHR I MA SODA LECTURE I RIC ALLSOPP: ON SLEEP, WRITING AND PERFORMANCE: SPACES OF APPEARANCE I STUDIO 11

Ric Allsopp © Hagolani
>Ric Allsopp © Hagolani

 Bezugnehmend auf das was als „turn to sleep“ bezeichnet wird, referiert der Vortrag auf Beispiele historischer und zeitgenössischer Performancepraktiken als Mittel zur Erforschung von Bewusstseinszuständen in Verbindung mit Schlaf und deren Bezug zum Schreiben.

 

Vortrag in englischer Sprache

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357

Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

4.5. I 18 Uhr I SODA Lecture-Performance I Dani Ploeger I Studio 11

 

Daniel Ploeger „Flieg
>Daniel Ploeger „Flieg

Dani Ploeger: „Techno Fetish Party“ 

Dani Ploeger spricht über einige seiner digitalen Performance-Arbeiten in Bezug auf Verbrauchertechnologie und Fetischismus, Performance und Online-Sexualisierung, Porno und Hypermedialität. Dabei betrachtet er Verbrauchertechnologien im Verhältnis zu verschiedenen Auffassungen des Konzepts des Fetischs (marxistisch, freudianisch und postkolonialistisch). Im Anschluss an die Präsentation ist das Publikum eingeladen, an einem hands-on techno-fetish Workshop (bzw. einer Party) teilzunehmen und ihre persönlich bevorzugten digitalen Apparate zu erkunden.


Veranstaltung in englischer Sprache

 

Eintritt: frei


HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8:Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

IT'S NEVER WHATEVER. HORRIFIC MOMENTS OF PLEASURE AT THE EDGE OF GLORY I 22.-24. & 28.-30.04.16
IT'S NEVER WHATEVER HORRIFIC MOMENTS OF PLEASURE AT THE EDGE OF GLORY © Alistair Watts
>IT'S NEVER WHATEVER HORRIFIC MOMENTS OF PLEASURE AT THE EDGE OF GLORY © Alistair Watts

An den letzten beiden Aprilwochenenden öffnen die Studierenden des BA „Tanz, Kontext, Choreographie” Studios, Küche, Hof, Raumzeit und psychosomatische Systeme, um zur diesjährigen Ausgabe des studentisch organisierten Festivals willkommen zu heißen.
It’s never whatever - dies ist eine Einladung, die Aufmerksamkeit auf das Dazwischen zu lenken, auf das scheinbar Unsichtbare, das allzu Offensichtliche. Eine Einladung, Momente des Zweifels und der Ekstase miteinander zu erleben.

Die Uferstudios in Wedding werden zur Brutstation für Performances, Workshops, Ausstellungen, Radiosendungen, Installationen, Küchenexperimente und andere kollektive und individuelle Arbeiten in allen un/denkbaren Formaten.

Eintritt frei. Keine Kartenreservierung möglich. Karten sind 30 Minuten vor dem jeweiligen Vorstellungsbeginn an der Abendkasse erhältlich.

Mehr Informationen zum Programm: www.hztfest.de

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8:Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

20.4. I 18 Uhr I Vortragsreihe: The World must be Romanticised I Studio 9 

 

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

 

The World must be Romanticised

Vortrags- und Seminarreihe des MA SODA & Studium Generale

 

Die Aufgabe dieser Vortragsreihe, die in direkter Verbindung zur Orientierungsreihe des letzten Wintersemesters steht, ist nicht nur eine Annäherung an die ästhetischen Dimensionen von Novalis' These, sondern auch ihre breitere philosophische und politische Perspektive zu ergründen. Dabei ist aufzudecken, was im Zuge der romantischen Revolution der Kunst, der Analogie zur französischen Revolution für die Geschichte der Moderne, auf dem Spiel stand. 

Agieren wir auch heute noch in Übereinstimmung mit dem romantischen Verlangen nach der Transformation der Welt? Und was ist ihr Vermächtnis und ihre Metamorphose in unserer Gegenwart?

Die Vortragsreihe lässt führende politische PhilosophInnen und KunsttheoretikerInnen zu Wort kommen, um mögliche Perspektiven und Antworten auf diese Fragen zu finden. 

 

20.04.2016 / 18 Uhr 

Lecture Panel: Chantal Mouffe & Boyan Manchev 

 

Boyan Manchev (opening): Agon and Transformation

 

Chantal Mouffe: The role of affects in agonistic politics

 

Die agonistische Theorie von Politik und Kunst einer der bedeutendsten politischen Philosophinnen der Gegenwart, Chantal Mouffe, muss sich den Herausforderungen der Transformation stellen. Ihre Arbeit ist nicht nur Hauptreferenzpunkt für linkspolitische Bewegungen in Lateinamerika und Europa, sondern auch bedeutende Inspirationsquelle für viele KünstlerInnen und Kunstforen wie die letzten Berlin und Venedig Biennalen. Wie und warum könnten politischer Agon und Agon als künstlerische Strategie Bewegung und Transformation an Stelle von Statik und Unbeweglichkeit hervorrufen?

 

Veranstaltung in englischer Sprache

 

Weitere Termine in dieser Reihe: 

 

27.04.16 I 18 Uhr: MA SODA Lecture mit Boyan Manchev: The Last Romantic

 

Eintritt: frei

29.6 I 18 UHR I MA SODA LECTURE REIHE: THE WORLD MUST BE ROMATISICISED I ESA KIRKKOPELTO: NON-HUMAN PERFORMANCES AND HUMANITARY CRISIS I STUDIO 12
©Esa Kirkkopelto
>©Esa Kirkkopelto

Zeitgenössische Performances, die mit menschlich-nicht menschlichen Beziehungen experimentieren, schreiben sich, auf der Grundlage bedingungsloser Gleichheit und Freiheit oder equaliberty (Balibar 2004) zwischen Spezies, in die westliche Tradition religiöser und politischer Emanzipation ein. Durch die Erweiterung dieser Forderung über die menschliche Sphäre hinaus, aktivieren nicht-menschliche Performances Ideen einer genaueren Analyse dieser Tradition sowie moderner humanitärer Katastrophen. 1) Der Anspruch auf Gleichberechtigung kann nur bedingungslos sein, wenn er über die menschliche Sphäre hinausgeht. 2.) Gleichstellung ist nicht nur eine Frage von Recht und Gesetz (Hamacher 2014), sondern auch eine Ausübung des Einverständnisses, sprich eine körperliche Übung.

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Vortrag in englischer Sprache
Eintritt frei

HZT Uferstudios, Studio 12  Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

19.4. I 18 Uhr I HZT Lecture-Reihe: Neue Musik und Tanz I Wolfgang Zamastil 

 


„Nachdenken über Musik: Lachenmann und konkrete Musik damals und heute“

 

Die Musique concréte war an einer Erweiterung des Musikbegriffs interessiert, der es erlaubt, jedes akustische Ereignis zu Musik zu formen. Neue Überlegungen stellten zur Zeit ihrer Entstehung nicht nur nie dagewesene Anforderungen an die Hörgewohnheiten: Massive Eingriffe in die Spieltechniken der sogenannten Musique concréte instrumentale änderten auch den haptischen Umgang mit den traditionellen Instrumenten und damit das Verhältnis vom menschlichen Körper zum Instrument. Die Vorstellung der Musique concréte instrumentale und deren Nachwirkung auf die Musik des neuen Jahrtausends beleuchtet unter anderem den Begriff der Natürlichkeit in der Musik und den Bruch damit: sie soll als Anregung dazu dienen, Parallelen zu choreographischen Pendants zu finden bzw. schon existierende Modelle zu untersuchen. Lecture von Wolfgang Zamastil mit Live Musik. 

 

Wolfgang Zamastil, geboren 1981 in Salzburg, legte 2008 sein Konzertexamen im Fach Violoncello in Berlin ab. Als Komponist sammelte er zahlreiche Erfahrungen, u.a. bei Helmut

Lachenmann und Walter Zimmermann, komponierte u.a. für die Semperoper Dresden, die IEMA und das Orchester Pro Musica Chamber/Ohio. Er war von 2006-2009 aktives Gründungsmitglied der Formation für Konzertinszenierungen „bassgasse3“, die u.a. im ZKM Karlsruhe und in den Sophiensälen Berlin inszenierte. Seit 2007 musikalischer Partner des Choreographen Richard Siegal und hat u.a. mit Bill T. Jones, Stephanie Thiersch, Friederike Plafki, Omar Rajeh und John Neumeier gearbeitet. Als Musikproduzent veröffentlichte Zamastil sowohl im Bereich Neue Musik, als auch im Popbereich zahlreiche Produktionen, in denen er sowohl als Musiker, als auch als Tontechniker und Arrangeur fungierte. 2010–2014 war er Cellist des Asasello Quartetts Köln. Lebt und arbeitet in Berlin. 

 

 

15.6. I 18 Uhr I HZT Open Lecture von William Locke Wheeler: Three Image-Gestures for an Unnamed Student in a 1901 Photograph by Frances Benjamin Johnston Titled “Furniture Building Shop, Carlisle Indian School, Carlisle, Pennsylvania”  I Studio 11

Die amerikanische Fotografin Miss Francis Benjamin Johnston hatte ein „Talent für Details“. Mit der ihr eigenen, choreografischen Sensibilität hob sie in den von ihr fotografierten sozialen Momenten, die ihnen zugrundeliegenden, großen Widersprüche hervor. Ihre Aufträge als Dokumentarfotografin brachten sie in Kontakt mit einigen der kontroversesten pädagogischen Experimente der Nordamerikanischen Geschichte, einschließlich der Carlisle Indian Industrial School in Carlisle, Pennsylvania, USA.

 

Ziel der Carlisle Indian Industrial School war die Umerziehung von indigenen Studenten_innen für deren Zwangsintegration in eine Weiße, kapitalistische Gesellschaft. In dieser und vielen anderen ähnlichen Schulen, wurde versucht die „fortschrittlichen“ Erziehungsziele durch ein Verbot indianischer Sprachen und kultureller Praktiken sowie die Bestrafung deren Gebrauches und Ausübung zu erzwingen, während gleichzeitig die Überlegenheit, Vorherrschaft und Mildtätigkeit der weißen Rasse und deren Kultur hervorgehoben wurde.

 

„Wer sind die Studenten in diesem Foto? Kann dieses Foto als Repräsentation Nordamerikanischer Ureinwohner angesehen werden? Kann es als ein Foto von Studenten verstanden werden? Und wer bin ich, dass ich sagen könnte ob es das kann oder nicht kann? Was ist meine Handlungsfähigkeit als Betrachter? Durch das Aufbrechen der Komplexitäten, die zwischen Bild und Körper in (nicht)Bewegung liegen oder, wie ich es nennen werde, der tanzende-Körper-bewegungslos-widerstehend—werde ich in dieser Präsentation auch die Verwicklungen des Körpers-als-Archivar und als Handelnder im Raum-als-Bild-Archiv ansprechen. Ich hoffe, dass diese Kompliziertheiten uns neue Wege eröffnen, den tanzenden Körper zu denken.“

 

Im Zwiegespräch mit Theorien der Kunstgeschichte, Philosophie, Tanztheorie, Bild- und Theaterwissenschaften, wird William Locke Wheelers Präsentation die Geschichte der Entwicklung, der Ziele und der Versäumnisse der Carlisle Indian Industrial School nachzeichnen. Dabei werden Methoden erkundet, mit denen durch das Zusammenbringen und neu-Montieren von Bildern auf Papier und in der Bewegung „Gegenwehr versammelt“ werden kann, um durch Praktiken, die das Potenzial epischer Montage anzapfen, Bilder in dissonant harmonische Beziehungen zueinander – und zu den mit ihnen hantierenden Körpern – zu bringen

 

Vortrag in englischer Sprache

 

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Studio 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin


U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

13. und 14.4. I 19 Uhr I SNDO Graduation Works

 

School for New Dance Development Amsterdam presents: SNDO 4 Graduation works 2016

 

Im April sind die AbsolventInnen der SNDO - School for New Dance Development Amsterdam zu Besuch am HZT. Wie in den vergangenen Jahren zeigen sie ihre Arbeiten als Teil des Austauschs zwischen HZT und SNDO in den Uferstudios. Die diesjährigen SNDO-AbsolventInnen sind: Maria Metsalu, Samira Elagoz, Tiana Hemlock-Jensen, Nadia Bekkers, Sabine Cmelniski, Lester Arias, Maciej Sado, Ida Katinka Fridan Pedersen und Pavlos Marios Ktoridis.

 

Produktionsmagagement: Nadja van der Weide; Lichtdesign und Technik: Koen van Oosterhout; Technische Assistenz: ATT, de Theaterschool; Produktion and PR Koordination: Stephanie Lühn; Mentor SNDO 4: Katerina Bakatsaki

 

 

Eintritt: 4 €

Reservierung: tickets@hzt-berlin.de

 

Die Performances am 13. April nach der Pause (COCK, COCK, WHO’S THERE und Fuchsia version 2) beinhalten sexuell explizite Darstellungen und sind daher nicht geeignet für Minderjährige.

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8:Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 

 

PROGRAMM 1 I 13.4. I 19 UHR

 

Tiana Hemlock-Yensen: Welcome to the Gild

[top]

 

We val_U! Glauben feiern. Ein Experiment tiefer Investition in Glitzern. Investiere heute. Vielleicht ist das die Lösung für das, was Dich zurückhält von einer unergründlichen Metamorphose. Sei unauffindbar, werde eine pure Bewegung. Sei überall, gehe verloren / werde vieles. 

Dies ist, was du willst. Dies ist, was du dir nicht vorstellen kannst. 
Dies ist der Mechanimalismus.
Dies ist meine Mutter. 
Dies war Zeit. 

Metallisches Gold verhält sich in der Chemie des Körpers reglos und träge, es hat keinen Geschmack, es gibtkeine Nährstoffe, und es verlässt den Körper unverändert.

Choreographie / Konzept: Tiana Hemlock-Yensen
Kollaboration / Ausstattung: Andres Novo
Performance: Sigrid Stigsdatter, Tea Teearu, Alondra Castellanos, Tiana Hemlock-Yensen


Nadia Bekkers: In Memory Of

Beruhigende Zensur
Um die silbernen Leichen abzuriegeln
in Dreiecksformationen den Himmel reflektierend
Schwärme von Kriegern, Vögel aus lila Lichtern 
landen auf den verlassenen Autobahnen
formend, seit Ewigkeiten, jede einzelne Nacht
begrüßt von grünäugigen Hunden
die Last wagt, ein weicheres Einatmen zu werden
die Zeit ausatmend, während sie sich um Fische windet die, Head Spins machen 

Performance: Paula Chaves, Rex Clemensia and Nadia Bekkers
Choreographie: Nadia Bekkers
Musik: Chinese Man, Angel Haze, Mobb Deep and Nadia Bekkers (soundcloud.com/mc-mustaj)


Samira Elagoz: COCK COCK, WHO’S THERE? 

Alles, was du heute Nacht siehst, ist wahr. 
Ist die ganze Wahrheit und nichts als die Wahrheit. 
Natürlich, gibt es keine Fakten, nur Interpretationen, 
was immer überwiegt, ist eine Funktion der Macht, nicht der Wahrheit.
Also, auch wenn ich die Dirigentin bin, 
meine Worte werden diese Macht in euren Händen hinterlassen. 

Cock Cock, Who’s There? ist ein romantisches, schwarzes, komödiantisches Kriminal-Drama, basierend auf einer wahren Geschichte. 
Geschrieben, inszeniert und präsentiert von Samara Elagoz.

Zu diesem Stück gibt es ein Buch, das Sie in der Pause an der Bar finden. 

Sound edit: David Krooshof 


Maria Metsalu: Fuchsia version 2 - the art gallery

here a tale of an art exhibition that didn’t want to be a show. it was a curious exhibition. it wanted to go beyond the obvious of showing but also be true to itself. (HARD-CORE)

Fuchsia Version 2 - die Kunst-Galerie, ist das zweite Kapitel eines Projektes in drei Versionen. In dieser Version schlägt Maria Mestsalu als Ausgangspunkt die Untersuchung verschiedener Modi des Ausstellens und Produzierens vor, die von einer imaginierten Kunst-Galerie als posthumaner Charakter ausgehen. Im Rahmen dieses Setting wird sie Themen entwickeln, die auf ihre Erfahrungen als „Cam Girl” zurückgehen, wie etwa das Verhältnis zwischen IRL und URL, ihre virtuelle Obsession, Hyper-Bewusstsein und der Einfluss sozialer Medien auf ihre Persona, eingeschlossen die immense Einsamkeit, die ihre Selbstexposition herbeiführte.

Im Rahmen des Fuchsia Projekts stellt Metsalu die Willkür ihres Berufsleben infrage. Dies geschieht im Besondern durch Akte der Selbstdarstellung als Objekt des Spektakels – etwas, das sie gleichzeitig befürwortet und ablehnt. Sie interessiert sich außerdem für eine beinahe allumfassende Struktur, die beides - Chaos und dessen Verweigerung - durch eine organisierende Symmetrie und ikonographische Bilder beherbergt.

Für die finale Version des Projektes wird Metsalu Fuchsia in eine virtuelle Galerie transformieren. Die Ausstellungseröffnung ist im August 2016.

Choreographie: Maria Metsalu
Tanz: Maria Metsalu, Charlie Laban Trier, Japheth Fenton
Set: Nikola Knezevic
Styling: Viktorija Medvedeva
Text: HARD-CORE



 

PROGRAMM 2 I 14.4. I 19 UHR  [top]

 

Ida Katinka: How do we define the parameters of space? What is the nature of a space? Body?

Was bedeutet es, einen beweglichen Rahmen zu haben? Wie ein Territorium, das definiert und neu definiert ist durch eine Herde von Tieren, eine Zone mit Unterscheidungsmerkmalen schaffend, die immer noch mit anderen Zonen überlappt. Hast du bereits eine andere Zone betreten, ohne es zu merken? Wie holt die Sensation Dich ein? Hast Du Deinen Körper deutlich beim Übergang von einer Textur zur anderen gespürt?

Also, wo platzierst Du Tanz? Ein Tanz auf der Bühne? Ein Tanz in einem Schlafzimmer? Ein Tanz in einem inszenierten Schlafzimmer? Das Bett, das Zimmer als tanzendes Element? Wo erwartest Du, dass der Tanz stattfindet? Wo platzierst Du den Tanz?

Dies sind Fragen, die während Ida Kathinkas zweimonatiger Forschungsreise nach Japan entstanden, vor allem in Kobe, Kyoto und Tokio. Diese Fragen wurden im Rahmen eines zweimonatigen Aufenthaltes in Kopenhagen weiter verfolgt, wo Ida Katinka mit Ton und Keramik im Studio ihrer Mutter Helene Fradin Pedersen arbeitete. 

Eines der Elemente in der Arbeit ist die Frage „Wie können wir die Parameter des Raumes definieren?" Ida Katinka arbeitete mit der Idee, dass etwas hindurchgehen muss, gleichzeitig in mehrere Richtungen gebaut werden muss, sowie mit dem Bewusstsein, dass die Geschichte des Tons mit dem Aufbau vom Boden aus beginnt, indem zuerst der Fuß errichtet wird. Die Keramikskulpturen werden kombiniert mit einer Studie über Bondage-Shows, die sie in Tokio unternahm, um so ihr eigenes Wissen und ihren Umgang mit Seilen, Körpern und Skulpturen zu transformieren. 


Lester Arias: The Wild Things

The Wild Things ist die Übersetzung eines Musikalbums in Choreographie: Von zwölf Songs, die über Migration, Krieg, Armut, Identität, Liebe und Sexualität in eine Reise der Menschheit sprechen. Die Songs sind Originale, geschrieben von Lester Arias (Gesang) und die Musik ist in Zusammenarbeit mit Niklas Blomberg (Elektronik) komponiert, der auch gleichzeitig der Produzent des Albums ist. Die Narration des Stücks zieht seine Inspiration aus der Geschichte des Tarahumara von La Loba, wo eine Frau - den Archetyp einer Sängerin repräsentierend - die Knochen einer Wölfin besingt, bis sie wieder Blut und Fleisch annehmen und zu neuem Leben werden. Als die Wölfin aus ihrer Höhle springt, rennt sie in die Wüste und wird zu einer lachenden Frau. Es ist ein transformierender Akt des Körpers (Zuschauer / Performer) durch Klang.

Ausgehend von dieser Inspiration, spielt The Wild Things mit den Ambivalenzen und Nuancen zwischen dem, was ein Konzert und ein Performance-Kunst-Erlebnis ist. 



Son of Mom: W3

W3 ist ein Stück von Son of Mom, mitentwickelt und performt von Alya Hessy, Isadora Tomasi, und Tiana Hemlock. W3 präsentiert textile Konzepte und Kostüme von Alya Hessy, Sound und Musik von Isodoea Tomasi und Animationen von Maragrita Iosif und Matias Daporta Gonzales.



Maciek Sado: Northing

Einer Neugier für die theatralische „Lücke des Da-Zwischen” folgend, stellt Northing eine Untersuchung des versteckten Raumes der Performance vor, in dem nicht erfüllte Erwartungen auf einen offenen Raum für ungezügelte Interpretationen treffen. Hier ist die Zeitlichkeit des Körpers nicht gleich der Zeitlichkeit eines Objekts. Beide können nur die Gegenwart teilen, indem sie langsam eine künstliche Schöpfung, verloren in der Perspektive einer endlosen Landschaft, werden.

Northing ist Koordinaten geben, um ein Raster zu platzieren, um alleine zu gehen.

13.1., 20.1., 27.1. und 10.2. I 18 UHR I SODA Lecture: Boyan Manchev: Philosophy of Metamorphosis. Metamorphosis of Philosophy I Studio 8

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

14.10. 2015 I 18 UHR I MA SODA LECTURE I RIC ALLSOPP

 

© HZT
>© HZT

 

Performing Poetics


Eine Poetik der Performance bevorzugt die Offenheit und Unbestimmtheit des Enactments gegenüber der Abgeschlossenheit der Erklärung. Tanz tendiert eher zum Enactment als zur Erklärung, während die Choreographie ein Mittel ist, die Formen eines solchen Enactments zu übermitteln. Der Vortrag argumentiert, dass die anhaltende Resonanz des Judson Dance Theatre und eine Poetik radikaler Kohärenz deutliche Bestrebungen sind die (mit den Worten Walter Benjamins) „Überlieferung von neuem dem Konformismus abzugewinnen, der im Begriff steht, sie zu überwältigen.“

 

Vortrag in englischer Sprache

 

Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin (HZT). Uferstudios. Uferstraße 8/23. Berlin-Wedding

Eintritt: frei

 

15.10.2015 I DFG-PROJEKT "VERZEICHNUNGEN" DOUBLE FEATURE

 

 

Uferstudios, Seminarraum 1 (1. Stock), 18-19 Uhr

 

Aufzeichnen. Verzeichnen: Die aktuelle Ausgabe von MAP Media | Archive | Performance


Die aktuelle Ausgabe von MAP widmet sich der Aufzeichnung und Dokumentation von Aufführungen als Basis für Archivbildung und Historiographie. Welche Aussagen erlauben  Aufzeichnungsartefakte über ihren Gegenstand? Welche Verschiebungen erzeugen wissenschaftliches und künstlerisches Vorgehen mit ihren jeweiligen Verfahren des Schreibens, Zeichnens und digitaler Visualisierung? Die Komplementarität der verschiedenen medialen Verfahren und Artefakte erlaubt erst im Zusammenspiel weitreichende Aussagen über das aufgezeichnete Ereignis.


Mit Beiträgen von:  Sabine Brantl, Scott deLahunta / Florian Jenett, Kathleen Heil, Elisabeth Heymer, Susanne Holschbach, Jasmin İhraç, Barbora Klimová, Ulrike Krautheim, Stefanie Schulte Strathaus, Laurent Sebillotte, Isa Wortelkamp.


Barbara Büscher und Franz Anton Cramer stellen die Ausgabe gemeinsam mit Autor_innen vor.

 

Im Anschluss um 19:30 Uhr:

 

Transformationen und Maskeraden 2:  Digitale Bilder und tänzerische Notationen. 


Anne Quirynen stellt den Film „The Way of the Weed“ (B, 1997, 52 Min) vor.


Die belgische Filmregisseurin Anne Quirynen studierte Kunstgeschichte und Videokunst und lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Filme und Videoinstallationen wurden auf verschiedenen Festivals in Rotterdam, Split, Osnabrück, Den Haag, Rotterdam und Kopenhagen gezeigt, außerdem in Kunstzentren in Paris, New York, Amsterdam und Tokyo. Der Film THE WAY OF THE WEED (1997), eine Zusammenarbeit mit Peter Missotten und An-Marie Lambrecht, überführt William Forsythes Tanzästhetik in eine Science-Fiction-Handlung.

 

Uferstudios, Seminarraum 1 (1. Stock)

21.10. I 18 Uhr I HZT OPEN LECTURE I AUGUSTO CORRIERI

 

©Lucy Cash
>©Lucy Cash

 

Augusto Corrieri: In Place of a show.

 

Was geschieht im Inneren eines Theaters wenn nichts geschieht? Was tun die Theatergebäude?

 

In Place of a show ist eine Vortrags-Arbeit, die unterschiedliche Theatergebäude an verschiedenen Orten der Welt erforscht. Die Aufmerksamkeit richtet sich nicht auf das Element Mensch des Theaters (die Arbeit des Performers, die Künstler, das Publikum, die Architekten etc.), sondern richtet den Fokus auf die Gebäude als solche: Ihrem Hauptzweck beraubt stehen die Theater leer, museal konserviert, oder demoliert. Wenn das menschliche Element den Raum verlässt, ihn nicht länger dominert, nehmen die nicht-menschlichen Elemente die Bühne ein: Vorhänge, Sitze, Balkone, Türen, ebenso wie Tiere, Insekten, Luftströmungen und Staub.


Vielleicht kann die Kunst theatraler Repräsentation am besten verstanden werden, wenn man an anscheinend unbedeutenden Ereignissen teilnimmt: eine Schwalbe, die im Atrium eines Theaters in Italien herumfliegt, wirbelnde Staubteilchen auf dem Gelände eines zerstörten Theaters in London, die Dunkelheit, die die Säle erfüllt, sobald die Vorstellung vorbei ist.


Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

23./24.10. UND 30./31.10.2015 I 19 UHR I HERBSTPROJEKTE DES MA CHOREOGRAPHIE I STUDIO 14

 

Fünf Studierende des MA Choreographie präsentieren an zwei Doppelabenden ihre künstlerischen Arbeiten des 3. Semesters.

 

 

PROGRAMM 23. UND 24.10.2015, 19 UHR

Irina Demina: 360 degrees or today I almost puked the endolymph out of my ear canals

 

Irina Demina: 360 degrees or today I almost puked the endolymph out of my ear canals Foto: Dragan Denda
>Irina Demina: 360 degrees or today I almost puked the endolymph out of my ear canals Foto: Dragan Denda


Vertigo (Gleichgewichtsstörung. vom lateinischen »vertō« – »Umdrehung«, »Schwindel«, von vertere »wenden«) ist eine Sensation des Schwindels, ein Gefühl der Desorientierung oder eine wahrgenommene Scheinbewegung zwischen sich und der Umwelt. 

 

Konzept, Choreographie, Tanz: Irina Demina

Co-Choreographie, Tanz: Emily Jeffries

Bühnenbild: Ivana Vukovic, Dragan Denda

Ton: Lorenz Fischer

Licht: Catalina Fernandez

 

 

Anna Aristarkhova: score for a single movement

 

Design: Anna Aristarkhova
>Design: Anna Aristarkhova


ein choreographisches Experiment

 

Bewegung - Synthese - Sequenz

Was genau ist eine einzelne Bewegung? Wo ist der Anfang und wo hört sie auf? Wann wandelt sie sich zu einer anderen Bewegung? Wann wird eine Bewegung zum Tanz oder ist sie schon Tanz an sich?


 

Idee/Konzept/Choreographie: Anna Aristarkhova.

Choreographie/Performance: Jonas Maria Droste, Beatrix Koller, Lorena Justribó Manion, Emma Tricard

Dramaturgische Beratung: Jan Willem Dreier.

Bühnenbild: Cristina Todorova

Licht: Gretchen Blegen

Projektassistenz: Sophie Camille Brunner

Muse: Philipp Weinrich


 

 

PROGRAMM 30. UND 31.10.2015, 19 UHR

Mimi Jeong: Occursus

 

Mimi Jeong: Occursus Foto: Gino Daloiso Bearbeitung: Julien Brun
>Mimi Jeong: Occursus Foto: Gino Daloiso Bearbeitung: Julien Brun

 

Eine Exploration der Multiidentität von zwei Zwillingtänzerinnen, die sich auf der selben Bühne treffen, sowie einfach vorbeigehen. Jede bringt ihre eigene Zeit in dem selben Zeitraum, jede baut ihr eigenen Raum in dem selben Zeitraum

 

Konzept und Choreographie: Mimi Jeong

Performance und choreographische Mitwirkung: Alessandra Defazio, Viviana Defazio

Bühnenbild und Licht: Julien Brun

Kostüm Mentorin: Monique Van den Bulck

Assistentin: Josephine Findeisen

 

 

Jung Sun Kim: Solo für Lauf 

 

Jun Sun Kim: Ein Solo für Lauf Foto: unbekannt Bundesturnfest in Milwaukee, 1893
>Jun Sun Kim: Ein Solo für Lauf Foto: unbekannt Bundesturnfest in Milwaukee, 1893

 

 

Eine Tänzerin orientiert sich an der Bewegung ihres Gegenübers, einer Maschine.

Ein Versuch, den Körper auf einen mechanischen Nullpunkt zu reduzieren. 

Der Suchvorgang hinterläßt Spuren auf der Bühne.

 

Konzept und Choreographie: Jung Sun Kim.

Dramaturgie: Lappiyul.

Musik Komposition: Matthias Erian.

 Licht design: Benjamin Schälke




Lina Gómez: Träumerei des Verschwindens

 

Lina Gómez: Devaneios sobre o desaparecimento - Träumerei des Verschwindens Foto: Nina Cavalcanti und Noam Gorbat
>Lina Gómez: Devaneios sobre o desaparecimento - Träumerei des Verschwindens Foto: Nina Cavalcanti und Noam Gorbat

 

Träumerei des Verschwindens” untersucht fremde Körper und ihre Vergänglichkeit. Wo sind die Grenzen dieser Körper - wo fangen sie an und wo enden sie, welche Bewegungsqualität haben sie? “Träumerei des Verschwindens” lässt Körper konturlos werden: im fließenden Übergang werden sie wie im Wolkenzug aufgelöst, getarnt und ununterbrochen transformiert.

 

Idee/Konzept/Choreographie: Lina Gómez.

Assistentin Choreographie: Christina Wüstenhagen.

Dramaturgische Beratung: Joshua Wicke

Kreative Darstellelung: Julek Kreutzer, Camille Chapon, Jacques André Dupont, Bella Hager, Diethild Meier.

Musik: Gearóid Ua Langhaarige und Michelangelo Contini.

Lichtdesigner: Bruno Pocheron

 


Eintritt frei

Keine Reservierung möglich, Karten ab 18:15 Uhr an der Abendkasse. Es gibt nur eine limitierte Anzahl an Plätzen. Bitte kommen Sie frühzeitig.


HZT in den Uferstudios, Studio 14, Uferstraße 23, 13357 Berlin

16. UND 17.10. I SYMPOSIUM: DOCUMENTATION ART PERFORMANCE: CONFLICT OR COMPLEMENT? I STUDIO 14

 

black and white photo shot in 1985 of Staging Lateral Pass, a choreography by Trisha Brown with set by Nancy Graves. Copyright © 1985 Babette Mangolte. Used with permission.
>black and white photo shot in 1985 of Staging Lateral Pass, a choreography by Trisha Brown with set by Nancy Graves. Copyright  © 1985 Babette Mangolte. Used with permission.

 

Das Symposium beleuchtet die produktive Wechselbeziehung zwischen Choreographie / Performance und Dokumentation. Meist stehen sich dabei ontologische Authentizitätsansprüche und pragmatische Erfordernisse gegenüber; das Symposium nimmt stattdessen den künstlerischen Status von Performance und Dokumentation in den Blick. Aus einer solchen Perspektive müssen Eigenschaften, die dem Dokument oftmals zugeschrieben werden – etwa „nachgeordnet“, „reduktiv“ oder „willkürlich“ – neu bewertet werden. Geht man davon aus, dass Choreographie und Dokumentation jeweils Artefakte mit ganz eigenen auktorialen und medienspezifischen Merkmalen herstellen, so wäre die Frage, welcher Strategien es bedarf, um ein nicht-hierarchisches Verhältnis zu ermöglichen – ein Verhältnis, das den vermeintlichen Gegensatz zu überwinden erlaubt. Hier sind besonders auch Verfahren aus der Bildenden Kunst aufschlussreich, wo etwa Ausstellungen zu performativen Themen Dokument und Aufführung komplementär behandeln. Das Symposium lädt Kurator_innen, Künstler_innen und Wissenschaftler_innen ein, um produktive Beziehungen von „Ereignis“ und Spur, zwischen Authentizität und Historizität, Kreation und Dissemination zu untersuchen.


Die Arbeitssprache ist Englisch. Der Eintritt ist frei.

 

Zeitplan, Stand: 17. September 2015

 

Freitag, 16. Okt. 

16.00 Uhr Eintreffen und Begrüßung 

16.30 Uhr Vortrag Barbara Formis: Performing Lives

17.30 Uhr Vorstellen des Projekts “Capturing Dance”
 (Phil Collins, Boyan Manchev, Sigrid Gareis)

18.00 Uhr Vortrag Barbara Clausen: The Becoming of Its Own Image

 

Samstag, 17. Oktober 

10.30 Uhr Eintreffen

11 Uhr Lecture Babette Mangolte: New Perspectives on Filming Dance

 

13.00 Uhr Mittagspause

 

14.30 Uhr Kurzvorträge

Susanne Foellmer: On Remnants and Vestiges. Strategies of Remaining in the Performing Arts

Eric Morrill: Photography: Subject to Experience

 

15.30 Uhr Artist Talk: Babette Mangolte, Christina Ciupke, Hannah Dörr

 

16.30 Uhr kurze Pause 

 

16.45 Uhr Vortrag Philip Auslander: The Paradoxical Temporality of Performance Documentation

17.45 Uhr Abschlusspanel.


Ende des Symposiums gegen 18.30 Uhr

 

 

 

25.11. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE I JÖRG LAUE: RECORDS | RECOLLECTIONS - REMIX I STUDIO 11

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

BBC – in records | recollections sind das musikalische Initialen. Bach Beatles Cage. Eine Triangel, die Erinnerungssprünge der Lecture-Performance triggert und den Live-Mix aus Klängen, Videos und Texten perforiert.

 

Von Kindheit an hegte Mr. Cage eine große Abneigung gegen Radio. Es bereitete ihm geradezu Angst mit seiner sich ständig wiederholenden Musik. Weil es aber schlecht möglich war, die Geräte andauernd aus dem Leben zu verbannen, bannte Mr. Cage alle Radiomusik in einer Komposition und gab ihr den Namen Radio Music. Fortan konnte er sich immer darüber freuen, dass seine Musik im Radio zu hören war, wenn irgendwo eines lief. (Jörg Laue)


In englischer Sprache

Eintritt frei


HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

4. und 5.12. I 10. und 11.12. I 19 Uhr I SODA Final Presentations I STUDIO 14

 

Zum Ende ihrer zweijährigen künstlerischen und theoretischen Forschungen über Solo, kollaborative Prozesse, Komposition und Performance innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraxis präsentieren die Absolventen und Absolventinnen des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin ihre Abschlussarbeiten.

 

4. und 5.12. I 19 Uhr I Studio 14

Andrew Kerton, The Work / _fieldnotes

Hwayeon Nam, Orbital Studies

 

10. und 11.12. I 19 Uhr I Studio 14

Joshua Rutter, Patterned Interference

Ivo Serra, P dance

 

4.,5.,6.,10. und 11.12. I 10-18 Uhr I Studio 9

Mădălina Dan, The Agency of Touch,

One-on-one tactile performance

 

 Eintrittskarten für „The Agency of Touch" sind ab 24.11. ausschließlich online erhältlich.

Reservierung: https://theagency.acuityscheduling.com

 

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung für die Vorstellungen in Studio 14 ist nicht möglich. Karten sind am Tag der Vorstellung ab 18.15 Uhr an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

ANDREW KERTON: THE WORK / _FIELDNOTES I 4. UND 5.12. I 19 UHR I STUDIO 14

 

 

The Work ist eine interaktive Skulptur, die als somatische Struktur betrachtet werden kann. Räumlich entwickelt sie Eigenschaften von Trennung und Integration, Aktivität und Beobachtung und als eine Schwelle inszeniert sie einen Übergang. 

 

_fieldnotes ist eine Solo-Performance, die als Verkörperungs-Übung verstanden werden kann. Es ist eine Erkundung von innerem und äußerem physischem Raum, die Bewegung, Stimme, Audio-Loops und Sprache integriert. Sie beschäftigt sich mit dem Konzept, dass Kognition ein Prozess der Abstraktion ist. 

 

HWAYEON NAM: BODY OF TIME I 4. UND 5.12. I 19 UHR I STUDIO 14

 


 

Kann Choreographie eine menschliche Erfindung sein, die beleuchtet, wie sich nicht-menschliche Körper in Raum und Zeit bewegen? Halleys Komet befindet sich derzeit außerhalb der Umlaufbahn des Neptun. Er umkreist die Sonne. Der Komet wird den am weitesten von der Sonne entlegenen Punkt in der Umlaufbahn im Jahr 2024 erreicht haben. Dann wird er sich dem Punkt zuwenden, welcher am nächsten an der Sonne gelegen ist. Je näher der Komet der Sonne kommt, umso schneller wird er. Wir erwartenm ihn 2061 wiederzusehen. 

 

JOSHUA RUTTER: PATTERNED INTERFERENCE I 10. UND 11.12. I 19 UHR I STUDIO 14 

 

 

 Als wir das erste Mal versucht haben uns zu erinnern, war das am Ende von jeder Session oder zumindest erst nach der Hälfte. Jetzt ist es unmittelbar und diese Selbst-Objektivation, diese Kommunikation von Funden ist eine Praxis geworden. Ein Spiel aus Handlung versprachlichen und Sprache verhandeln strukturiert unsere Beziehungen, Unterwerfungen und Objektivationen. Wir dekonstruieren uns selbst während wir die Welt um uns herum errichten. 

 

IVO SERRA: P DANCE I 10. UND 11.12. I 19 UHR STUDIO 14 

 


 

Pagan, Pain, Parade, Paradigm, Paradox, Parallel, Parasite, Participate, Particular, Passage…

P dance nimmt die Volkskostüme aus Podence in Portugal als Ausgangspunkt, um von dort aus die Riten des Übergangs zu untersuchen – soziale Praktiken, die in den volkstümlichen Traditionen vieler europäischer Länder immer noch präsent sind.

Die Arbeit ist ein Vorschlag, wie ich die Bedingungen einer Erfahrung „autorisieren“ kann, um die Herstellung eines Tanzes, als ein Feld zeitgenössischer Kultur, durch sexuelle Erwartungen, soziale Traditionen und geschichtliches Erbe zu ritualisieren.


MADALINA DAN: THE AGENCY OF TOUCH I 4., 5., 6., 10., 11.12. I 10 BIS 18 UHR I STUDIO 9 

 



The Agency of Touch, a one on one tactile performance ist eine soziale Intervention, die Berührung, körpersensorische Aufmerksamkeit und Verindung als ein Vehikel für leibliche Kommunikation nutzt. Dieser Raum privilegiert Berührung, körperliche Erfahrung gegenüber visueller Wahrnehmung, wie sie in der gegenwärtigen technologisierten Gesellschaft dominiert. 

 

Eintrittskarten für „The Agency of Touch" sind ausschließlich online erhältlich. Reservierung unter: https://theagency.acuityscheduling.com/

 

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

3., 10., 12.12. I 18 Uhr I Präsentation: Who's the Party now, Sister? I Secondhome Projects I Reinikendorfer Straße 65 

 

© Eva Bertram
>© Eva Bertram

Für eine dreiwöchige Residenz sind Studierende des BA „Tanz, Kontext, Choreographie“ zusammen mit Sheena McGrandles und Britta Wirthmüller zu Gast bei secondhome projects in drei leerstehenden Ladenlokalen auf der Reinikendorfer Straße in Berlin-Wedding. Mit einem Fokus auf feministische Performance Kunst der 1960er und 70er Jahre recherchieren sie unsichtbare, periphere, vergessene und zensierte Arbeiten, Künstler*innen und Praktiken dieser Zeit. Durch Modi des „noch einmal tuen“, wie der Wiederaneignung, des Re-Enactments, des tribute acts und der künstlerischen Erwiderung befragen sie die Politik der Wiederholung des bereits Getanen. Dabei beschäftigt sie die Frage: Was wird vergessen, von wem und wie?

 

Während der Residenz finden drei öffentliche Veranstaltungen statt:

3.12. I 19 Uhr: Performance von Melanie Jame Wolf & Maria Francesca Scaroni
10.12. I 19 Uhr: Performance von Sharon Smith & Gäste
12.12. I 18 Uhr: Abschlusspräsentation secondhome temp XXIV

Eintritt frei

secondhome projects, Reinickendorfer Straße 65, 13347 Berlin
U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 

9.12. I 18 UHR I HZT OPEN LECTURE: EIKE WITTROCK: DIE GESCHICHTE DER EMPFINDSAMKEIT DER BLUMEN I STUDIO 11

Phantom Ghost © Patrick Muennich
>Phantom Ghost © Patrick Muennich

 

 The strangest thought came to me on this morning, as I awoke to greet the coming dawn. The sun was hardly peaking through the garden, it felt that with everything I was one. Then I wished that I could come back as a flower. (Stevie Wonder, The Secret Life of Plants)

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wurde in einer Vielzahl von technischen, ästhetischen und esoterischen Medien versucht, eine Kommunikation zwischen Mensch und Pflanze herzustellen. Der Vortrag betrachtet die Geschichte dieser vermeintlich randständigen Versuche in Biologie, modernem Tanz und Populärkultur.

Eike Wittrock ist Tanzhistoriker und Kurator, der mit dem kritischen und utopischen Potenzial von Tanzgeschichte arbeitet. Er ist Mitbegründer des Julius-Hans-Spiegel-Zentrums, das zur Zeit in den Sophiensælen zu Gast ist. Mit Anna Wagner arbeitet er an einem Performance-Zirkus, der im Sommer 2016 Premiere haben wird. Seine Forschung präsentiert er sowohl in wissenschaftlichen wie auch künstlerischen Zusammenhängen. Er hat u. a. mit Jeremy Wade, Meg Stuart, Peaches, Cosima von Bonin, Danh Vo und Christodoulos Panayiotou zusammengearbeitet.

Vortrag in englischer Sprache
Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

24.11., 15.12., 3.2. I 18 Uhr I cross listening / quer hören: Eine Vortragsreihe des MA Choreographie mit Michael Thieke I Studio 12

Michael Thieke
>Michael Thieke

 

Die Musik, wie alle anderen Kunstformen auch, hat sich im 20. Jahrhundert rasant entwickelt und in eine Vielzahl an Stilen und Kontexten diversifiziert. Hundert Jahre nach dem Start der Dokumentation von Musik durch Audioaufnahmen ist das Feld unüberschaubar geworden, verstärkt auch durch die immer größere Verfügbarkeit in Zeiten des Internets. Das Problem ist nicht mehr so sehr etwas zu finden, sondern zu wissen wonach man suchen soll und kann.

 

Die Vorträge sind jeweils um ein weit gefasstes Thema gruppiert um die Verbindung von Musik aus verschiedenen Stilen, Kontexten, Epochen und geographischen Zonen zu erlauben. Es geht nicht so sehr um Vollständigkeit oder eine musikwissenschaftliche Stilgeschichte; Ziel ist es vielmehr , das (Hör-) Wissen über die Vielfalt und die Vernetzung der Musik zu erweitern, individuelle Maßstäbe für die eigenen Vorlieben zu finden und Neugier für eigenständige Recherche zu wecken.

 

Es geht in erster Linie um die Hörerfahrung, die Musikbeispiele werden in voller Länge gespielt. Die Musik wird von kurzen Beschreibungen des musikalischen Kontexts/Stils und biographischen Kurzinformationen begleitet. Für eine entspannte und individuelle Gestaltung des Hörens (liegend, sitzend etc) ist gesorgt.

 

Den Auftakt bildet am 24.11. „A Rose Is A Rose Is A Rose: Riffs, Rituals, Repetition, Loops, Minimalism and processual developments in Music“, unter anderem mit Beispielen aus American Minimal Music, Postrock, Jazz, Hiphop, improvisierter Musik, Krautrock, traditionellen Musiken aus Afrika, Asien und Amerika.

 

Weitere Veranstaltungen in dieser Reihe: 

 

15.12.2015

Song Sung Blue, Every Garden Grows One: The Human Voice

unter anderem mit Beispielen aus traditioneller Chormusik aus Europa, Asien und Afrika, experimenteller und zeitgenössischer komponierter Musik, Blues, Dada, Pop, Jazz.

 

03.02.2016

Étude aux chemins de fer: Field recordings, Sample Culture, Turntablism and Musique Concrète

unter anderem mit Beispielen aus zeitgenössischer Popmusik, Musique Concrète, Neuer Musik, Hiphop.

 

Michael Thieke ist ein in Berlin lebender Klarinettist und Composer/Performer. Er ist in zahlreiche Projekte involviert, deren Fokus auf unterschiedlichen und kontrastierenden Facetten seiner musikalischen Interessen liegt. Zu diesen Interessen gehören experimentelle Songformen , improvisierende Kollektive, kollektiv komponierte Musik bis zu Projekten an den Rändern des Jazz. Seine musikalischen Forschungen haben ihn zu einer intensiven Beschäftigung mit dem Spektrum der Klangfarbe und den Facetten der Einfachheit geführt, mit einem speziellen Interesse an Mikrotonalität und damit verbundenen Klangphänomenen. Bevorzugt arbeitet er Langzeitkollaborationen und kollektiven Zusammenhängen. Konzerttourneen und Festivalauftritte führten ihn unter anderem nach Japan, China, USA, Kanada, Libanon und seine Arbeit ist auf über 40 Plattenveröffentlichungen dokumentiert. Er spielt unter anderem mit The International Nothing, The Pitch, Der Lange Schatten, The Magic I.D., Splitter Orchester, Porta Chiusa und Hotelgäste, sowie in Duos mit Olivier Toulemonde und Biliana Voutchkova. 

http://www.michael-thieke.de/

http://nichts.klingt.org/

 

Eintritt frei

 

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

13.1., 20.1., 27.1. und 10.2. I 18 UHR I SODA Lecture: Boyan Manchev: Philosophy of Metamorphosis. Metamorphosis of Philosophy I Studio 8

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

 

Philosophy of Metamorphosis. Invention of Metamorphosis and Emancipation of Art 


In den ersten beiden Vorträge in dieser Reihe nimmt Boyan Manchev eine kulturhistorische Analyse der „Erfindung der Metamorphose“ in frühen Kulturen vor, mit besonderer Betonung des Vermächtnisses der griechischen Antike. Anhand dieser genealogischen Perspektive lässt sich eine Reihe von Hypothesen bezüglich einer angeblich unterdrückten „metamorphen“ Linie der Philosophie formulieren. Diese beschreibt Boyan Manchev als „dynamische Ontologien“ – von Heraklit und Aristoteles, über Nietzsche und Bergson bis zur zeitgenössischen Philosophie und Kunst. 

 

27.1. und 10.2. I Metamorphosis of Philosophy. How to Transform the Transformation?

 

Im dritten und vierten Teil der Vortragsreihe diskutiert Boyan Manchev, wie Philosophie und Kunst sich an den flexiblen Schemata und Produktionsformen der zeitgenössischen performativen Gesellschaft beteiligen, dazu beitragen oder ihnen etwas gegenüberstellen. Wie verhalten sie sich zu den Existenzformen, die fortschreitend auf standardisierte Muster, begehrenswerte Formen und Transformationen reduziert werden? Wie könnten Philosophie und auch Kunst heute dem modernen Imperativ der Transformation entgegentreten und ihn – wenn überhaupt – erfüllen?

 

Vorträge in englischer Sprache

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

13.2. I 18 Uhr I Let's fantasize about dance, baby! I Agora Collective 


Unsere Gäste haben keinen Tanzhintergrund, bringen aber choreographische Ideen mit.

Wie stellen sie sich Tanz vor?

Wie werden sie ihre Ideen choreographisch übersetzen?

 

Wir, vier MA Choreographie Studentinnen vom HZT, öffnen den Raum, um neue Möglichkeiten und verschiedene Wege über Choreographie zu denken, zu entdecken.

 

Ihr seid herzlich eingeladen, mit uns einen inspirierenden Abend im Agora Collective zu verbringen.

 

Mittelweg 50, 12053 Berlin

agoracollective.org 

 

Freier Eintritt!

Das Gespräch ist auf englisch.

 

Moderation: Lulu Obermayer

 

Bitte bestätigt Eure Teilnahme hier:  a.aristarkhova@hzt-berlin.de

 

8.1.16 I 14-18 UHR I UDK CAMPUS-KOLLISION 2016 I ABSCHLUSSVERANSTALTUNG I STUDIO 12 UND 14

© Marion Borriss
>© Marion Borriss


Wenn verschiedene Disziplinen miteinander kollidieren, entsteht nicht zwangsläufig ein reparaturbedürftiger Unfallschaden. In erster Linie entsteht durch die Kollision etwas Neues und Drittes, eine Idee der Provokation von Unordnung und wechselseitiger Infektion. 

Zwei ProfessorInnen/DozentInnen aus unterschiedlichen Disziplinen entwickeln gemeinsam ein Format für die Kollision der UdK-Studierenden in der ersten Woche des Jahres – und überschreiten die Fachbereiche. So entsteht ein temporärer Campus, auf dem sich Lehrende wie auch Studierende in interdisziplinären Konstellationen begegnen können. 


Die Abschlussveranstaltung der Kollision 2016 findet am Freitag 8.1.16 ab 14 Uhr im Studio 14 in den Uferstudios statt. Zusätzlich werden im Studio 12 Arbeitsergebnisse in Form einer Ausstellung präsentiert. 

 

Webseite Campus Kollision


Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

18.7. I UDK RUNDGANG I BEWEGUNGSWORKSHOP I STUDIOSHOWINGS


 

16 - 17:30 UHR I STUDIO 9

 

Bewegungsworkshop 

Für alle mit Neugier und Interesse an Bewegung. Johanna Ackva, Studentin im Bachelor-Studiengang „Tanz, Kontext, Choreographie“ und Britta Wirthmüller, künstlerische Mitarbeiterin am HZT Berlin unterrichten diesen Workshop gemeinsam. Tänzerische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Bitte bringen Sie bequeme Kleidung mit.

Unterrichtssprachen: Deutsch und Englisch

 

 

18 - 19 Uhr, Studio 11 und Studio 10

 

Studioshowings und Installationen

In diesem Format zeigen Studierende aller HZT-Studiengänge kurze choreographische Stücke und Skizzen als „work in progress“ (Studio 11) sowie Installtionen (Studio 10).

 

Informationen zum Programm der Studioshowings ab Anfang Juli auf der HZT-Webseite

 

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 

1. und 2.7. | SODA 3RD SEMESTER RESEARCH PRESENTATIONS Studio 8 und 9 


Was ist mit Forschungspräsentationen gemeint, wenn es um künstlerische Praxis geht? Wie kann das aussehen? Für wen und wofür ist das gut?

 

Über die zwei Jahre des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship (SODA) sollen Studierende Antworten auf diese Fragen finden, mithilfe spezifischer Übungen und Arbeiten. Wie können künstlerische Praktiken auch als Wissen verstanden werden und wie kann der Wissenserwerb gezeigt und in einen Diskurs eingebracht werden? Durch welche Mittel können Lernprozess und Erkenntnisse aus der künstlerischen Praxis sichtbar gemacht werden? Kurz gesagt: Wie lernen die Studierenden, was sie lernen?

 

Während der zwei Abende stellen die Studierenden ihre Forschungsprozesse in performativen Formaten vor und geben einen Ausblick auf ihre Abschlussarbeit im folgenden Semester. Zu verfolgen sind Performances, Diskussionen, Installationen und mehr.

 

Mittwoch, 1.7.


19 Uhr - Andrew Kerton: towards a lateral organogram

19 Uhr - Ivo Serra: entitling „Le Sacre du Printemps“

19 Uhr - Josh Rutter: unexpected behaviors

 

Donnerstag, 2.7.


19 Uhr - Hwa Yeon Nam

19 Uhr - Madalina Dan: The Agency of Touch

 

Die Platzzahl ist begrenzt auf 60 Personen.
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Eine Liste zur Anmeldung wird 30 Minuten vor jeder Präsentation an der Tür ausliegen.

Reservierungen sind leider nicht möglich.

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz,

S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

MA SODA LECTURE | FEDERICO NICOLAO | 17.6. | 18 UHR | STUDIO 8

© HZT
>© HZT


What do we know of art as such? (Mais que sait-on de l’art comme tel)

Der italienische Philosoph und Kunsthistoriker Federico Nicalao, Professor am ENSBA (Paris - Cergy Pontoise), wird in seinem Vortrag Philippe Lacoue-Labarthes Konzept der Kunst in Bezug auf Malerei und Performance vorstellen.

 

Vortrag in englischer Sprache | Eintritt frei

HZT OPEN LECTURE | JEANINE DURNING | 26.5.15 I 18 Uhr | Studio 11

inging at American Realness, NYC, 2013: Ian Douglas
>inging at American Realness, NYC, 2013: Ian Douglas

 

To Being: a talk about nonstopping

Jeanine Durning im Gespräch mit Litó Walkey

 

Anekdoten verflechtend, Geschichten erzählend, Fragen stellend, Antworten versuchend, von Notebooks lesend, Abschriften von Performances lesend, Video-Clips von Performances, Bilder projizierend, projizierend was war, was sein wird, oder die Hoffnung von dem, was sein könnte, Nachdenkend über die Bewegung der Zeit, bewegend, oder über Bewegung redend, redend über das Machen, über Performance-Machen, die Praxis der Performance, und die Natur der Präsenz, und das Sein im Anwesend-Sein, und das Sein im Tun, und das Sein tuend, der anhaltenden Gegenwart, und fortlaufend anspannend, fortlaufend sprechend und sprechend über Sprechen und denkend über choreographisches Denken, wird Jeanine Durning die Praktik, die sie nonstopping nennt, durch die Linse ihrer Solo-Performance „inging“ und ihres aktuellen Projektes „To Being“ diskutierten.

 

Vortrag in englischer Sprache

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA LECTURE SERIES ECONOMIES OF PERFORMANCE | Boyana Kunst und Sergei Pristats | 3.7. | 18 Uhr  | Studio 8

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

 

Micro-series "Economies of Performance" II & III : Bojana Kunst und Sergei Pristas.

 

Ziel dieser Serie aus drei Vorträgen, gehalten von Boyan Manchev, Bojana Kunst und Sergej Pristas, wird es sein, einen Interpretationsrahmen zu etablieren, innerhalb dessen Fragen der Performancearbeit, deren Produktionsformen wie auch deren laufende Transformation diskutiert werden können. Im Rahmen des Vortrags werden die kürzlich erschienenen Bücher der Referenten diskutiert.

 

Vorträge in englischer Sprache

 

 

RARE TRACKS |  8.7. | 18 Uhr | Studio 11

 

RARE TRACKS ist eine neue Präsentations- und Gesprächsreihe des HZT Berlin, in der außergewöhnliche choreographische Formate vorgestellt werden. Am 8. Juli berichtet die Choreographin Kat Valastur (ebenfalls HZT Alumni) über ihre Arbeit mit über 300 TänzerInnen für die Eröffnungszeremonie der Eurogames in Baku, Aserbaidschan. Zu diesen erstmals stattfindenden Spielen treten ca. 6000 AthletInnen in 20 Sportarten an. Im Rahmen der Veranstaltung RARE TRACKS wird Kat Valastur Video-Ausschnitte der Eröffnung vom 12. Juni zeigen und ihre eindrücklichen Erfahrungen, aber auch ihre kritische Sicht auf eine solches choreographisches Großprojekt teilen.

 

HZT RARE TRACKS

10.06.2015 um 18h00 im HZT/ Uferstudio 11 mit David Bloom, Moderation Nik Haffner

08.07.2015 um 18h00 im HZT/ Uferstudio 11 mit Kat Valastur, Moderation Nik Haffner

Mehr Informationen zu den eingeladenen KünstlerInnen:

David Bloom: http://davidbloom.info

Kat Valstur: http://www.katvalastur.com

23. - 25.5.15 | Workshop mit Alys Longley und Paula Kramer | Studio 10

© Paula Kramer
>© Paula Kramer

 

moving – writing – living; experimental documentary practices in site-specific dance research

 

Workshop mit Alys Longley (Aukland) & Paula Kramer (Berlin)

23. – 25. Mai 2015, Sa + So, 10 – 17, Mo 10 - 14

 

Dieser Workshop verbindet ortsspezifische Bewegungspraxis und experimentelle

Dokumentationsprozesse. Durch Bewegen, Kritzeln, Verweilen, Schreiben, Austausch von Ideen und Herstellen von choreographischen Scores, wird Tanzen und Dokumentieren im Zusammenwirken mit Orten auf dem HZT Campus erkundet.

 

Paula und Alys forschen gemeinsam an: Arbeitsweisen vor Ort, in denen Materialien zusammenwirken. Hier schlagen wir vor, dass Tänze durch kollaborative Prozesse entstehen, welche die Kluft zwischen menschlich und nicht-menschlich überschreiten. Arbeiten mit bewegungsinitiiertem Dokumentationspraxen. Hier experimentieren wir mit Schreibpraxen im erweiterten Feld des Zeichnens und Markierens, das aus dem Empfindungsvermögen von Verkörperung und Ort hervorgeht.

Zusammen mit den Teilnehmenden erforschen wir die Rolle von Dingen, Objekten und Materialien sowie nicht-linearen und affektiven Registern des Schreibens und versuchen uns daran, verschiedenartige Formen des Denkens und Seins in der Arbeit mit Tanz und Bewegung nebeneinander existieren zu lassen.

 

Dieser Workshop findet im Rahmen einer dreiwöchigen Forschungsphase statt, die Alys Longley zusammen mit Paula Kramer im Mai 2015 am HZT durchführt. In dieser Zeit sind alle Interessierten herzlich willkommen, sich Alys und Paula für halbtägige Austauschtreffen anzuschließen; die Teilnahme ist kostenlos. Kontakt: paula@paulakramer.de

 

Paula Kramer tanzt draußen; sie forscht, performt und unterrichtet sowohl in ländlichen als auch urbanen Umgebungen. Sie studierte Politikwissenschaft und beendet derzeit einen ‚practice-as-research’ PhD in Tanz an der Coventry University (UK). Ihr Arbeitsinteresse gilt der Materialität im Kontext von Tanz und Choreographie sowie im Alltag. www.paulakramer.de

 

Dr. Alys Longley ist Performancekünstlerin, Wissenschaftlerin und Dozentin. Ihre Interessen umfassen praxisgeleitete Forschung, interdisziplinäre Projekte, Ethnographie, somatische Praxen, Ökologie und inklusive Tanzpädagogik. Sie befasst vor allem mit der Beziehung zwischen Schreiben in und als Performance und praxisgeleiteter Forschung. Sie ist Dozentin für Tanz an der University of Auckland. Derzeit ist sie zu einem einjährigen Forschungsaufenthalt in Europa und Gast am HZT Berlin von Mai bis Juli 2015.

 

Anmeldung und Kosten:

Early bird: bis 05.05.2015: 70 EUR // nach dem 05.05.2105: 100 EUR [bei Absagen bis

15.05.2015 werden 50% der Teilnahmegebühr erstattet]. Für HZT-Studierende ist die Teilnahme kostenfrei.


Weitere Informationen und Anmeldung: Paula Kramer - paula@paulakramer.de





 20. 5. | 18 Uhr | HZT OPEN LECTURE | Tom Arthurs | Studio 6

©Remko Wieland
>©Remko Wieland

 

Improvised Music, Echtzeitmusik and Berlin

(Lecture in englischer Sprache)

 

Tom Arthurs präsentiert Erkenntnisse aus seiner laufenden ethnografischen Untersuchung der zeitgenössischen improvisierten Musik und der Berliner Echtzeitmusik-Szene. Ausgehend von einer Betrachtung ihres Hervorkommens aus dem Free Jazz der 1960er Jahre, hin zu heutigen Formen wie Reduktionismus und Durational Music, konzentriert sich diese Lecture auf die ästhetischen, sozialen und politischen Entwicklungen, die die Stadt zu einem internationalen Zentrum für Innovation und wegweisendes Musizieren gemacht haben.

Diese Lecture besteht aus einer kurzen Performance, einem Vortrag und einer offenen Diskussion und wird Fragen des Hörens in Bezug auf Praktiken der improvisierten Musik ansprechen und einen inspirierenden Ausgangspunkt für diejenigen bieten, die neu auf diesem Gebiet sind.

 

Tom Arthurs (1980, UK) ist Trompeten-Spieler, Komponist und international renommiert für seine Forschung im Bereich Jazz und improvisierte Musik. Zur Zeit promoviert er an der Universität von Edinburgh bei Prof. Simon Frith. Er veröffentlichte bei den Labels ECM, Intakt, Unit, Babel und Creative Sources, komponierte für Streichquartette und das BBC Concert Orchestra und hat mit verschiedenen Musikern – von John Taylor zu Phil Minton, Eddie Prévost zu Jan Bang und Julia Hülsmann zu Ingrid Laubrock – gearbeitet.

 

Eintritt frei

HZT in den Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen



6.5. | 18 Uhr | HZT OPEN LECTURE | Alys Longley | Studio 6


 

Alys Longley: Straining to Translate You

 

 

 Im Rahmen ihres einjährigen Forschungsaufenthalts in Europa wird Alys Longley von Mai bis Juli Gast am HZT Berlin sein. In ihrer Lecture wird sie Einblick in ihre Forschungsarbeit geben.

 

Radio Strainer premiered at Window Gallery and the Kenneth Myers Centre, Auckland in May 2013 in the forms of choreography, dance film and installation. The installation featured large-format photographs and three video works, alongside a thirty-minute choreography for three dancers. This project might be described as an exercise in ‘mistranslation studies’. It documents a process of experimentation with a wide range of conventional and experimental translation practices. These include the translation of ideas into different languages (Japanese, English, Maori, Italian), and forms (choreography, improvisation, contact improvisation, somatic investigation, poetry, monologue, drawing, print, binding, film, photography, critical theory).

In this lecture at HZT I will reflect on processes that enable a continuous fold between performance, page, digital archive and material object. My presentation will be in the form of a lecture demonstration, splicing together different versions of the work, and concluding with a broader discussion of experimental documentation as an iteration of performance.

 

 

Alys Longleys Forschungsinteressen sind: Praxisgeleitete Forschung, interdisziplinäre Projekte, kreatives Schreiben, somatische Praxen, Ökologie, und inklusive Tanzausbildung. Sie leitete das Projekt fluid city, ein Kunst-Wissenschaft-Bildungsprojekt zum Thema Wasser-Nachhaltigkeit. Ihr Künstlerinnen-Buch The Foreign Language of Motion, erschienen 2014 bei Winchester University Press’s Preface Series, präsentiert Experimente choreographischen Schreibens.

27.5.15 | 18 Uhr | MA SODA Lecture | Josefine Wikström und Constanze Schellow I Studio 8

© Marion Borriss
>© Marion Borriss


 

Josefine Wikström: Critique Light?

Some notes on critique and practice in current dance and performance practice 

 

In this lecture I want to address the stake of criticality and practice in dance and performance as it operates in higher education programs as well as in a broader artistic context. I want, in particular, to approach this topic by going into the close relationship between the concepts ‘practice’ and ‘critique’ as they appear in the history of philosophy – focusing on Immanuel Kant’s and Karl Marx’s understanding of these terms – and the conception of dance and performance as a form of ‘practice’ as it emerged in the 1960s and institutionalised itself in the 1990s. To what extent can current dance and performance practices be understood as critical? If dance and performance have turned into critical practices, does that mean they have replaced understandings of dance and performance based on notions of virtuosity and skill? And to what extent could it be argued that the current self-proclaimed critical practice within dance and performance has been replaced or been amplified with neoliberal values such as opinion making and processes of self-realisation and/or emancipation? 

 

Biography

Josefine Wikström is a PhD Candidate at the Centre for Research in Modern European Philosophy, Kingston University. In her thesis, supervised by professor Peter Osborne, she investigates the concept of performance within contemporary art and from the standpoint of concepts of labour in Marx, Adorno and other thinkers. Josefine Wikström teaches at DOCH, Goldsmiths University and Kingston University. She also writes for Afterall, MUTE, MAY Revue, Paletten, Frieze, Philosophy and Photography and Performance Research Journal. 



Constanze Schellow: Identity Games: What is your discourse?

A report from the brave new art education world.

 

Many recent dance and performance study programs emphasize the importance for artists today to either ‚participate in‘ or moreover to ‚create discourse‘. But what is exactly meant by that? Looking into the history of the terms usage in the context of dance and performance it surprises how blurry and colloquial the connotation of ‚discourse‘ often is. I want to shed light on the concept as it is developed by Michel Foucault, asking what its benefit in an art education might be. Superficially the separation between the discoursive and the non-discoursive seems to crumble since theory has become a new currency in the educational realm and since choreography embraces theoretical impulses as well as strategies that have been called ‚discoursive‘ since the 1990ties. On the other hand the daily practice of teaching shows that it is still very much unclear how the embedding of theory in the artistic study environment can work in a way that at the end of the day does not rest on the very same old opposition.

 

Biography

Prof. Dr. Constanze Schellow is currently a guest professor for Applied Dance Studies and Performance Theory at HZT. Her thesis „Discourse-Choreographies“, examining recent politics of theorization via ex negativo terminologies in publications on contemporary dance since the 1990ties will be out this year (epodium). She has also published in Performance Research, Frakcija, Theater der Zeit, Tanzjournal. As a dramaturge she has collaborated with Sara Manente, Doris Uhlich and Simone Aughterlony.

 

Vortrag in englischer Sprache


Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

15.4.15 | 18 Uhr | MA SODA DOUBLE LECTURE | Helmut Ploebst und Boyan Manchev I Studio 8

 

© HZT
>© HZT

Der Körper und seine Erweiterungen

 

In diesem Doppelvortrag werden Helmut Ploebst und Boyan Manchev die Bestimmungen von menschlichen und nicht-menschlichen Köpern in ihren technologischen oder hyper-technologischen Zuständen/Konditionen/Zuständen diskutieren.

Stehen wir vor einer Transformation der Vorstellung vom lebenden Körper und Organismus? Betreten wir eine Ära der radikalen Dis-Organisation? Und wie beeinflusst diese Transformation den performativen Körper?

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

7.4. - 24.4.15 | BA-FESTIVAL POP! SHOW! FUCK! UP! |

 

Das HZT Berlin sieht mit Freude dem nahenden April entgegen! Teil der Freude ist die Vorfreude: Es rappelt und zappelt in den Studios, es zwitschert und schnattert auf dem Hof. Die Studierenden des BA Tanz, Kontext, Choreographie bereiten ihr jährlich wiederkehrendes, gemeinsam organisiertes Festival vor.


Unter dem Motto POP! SHOW! FUCK! UP! hzt4love&art, sind dieses Jahr ganze drei Wochen der Kunst, dem gemeinsamen Ausprobieren, Lernen, Tanzen und Essen gewidmet. Neben gemütlichen Saunaabenden, Frühstücksrunden und gemeinsamer Studiozeit, die die Studierenden miteinander teilen, warten zahlreiche öffentliche Veranstaltungen auf Ihren und Euren Besuch!


Kickoff ist am 10. April um 18 Uhr, mit einem unvergesslichen DRAG FASHION BALL! Wer seine Diva oder ihren Machomister schon immer Mal in einer rasanten Show auf dem Laufsteg präsentieren wollte, ist hier genau richtig. Kurzentschlossene können sich vor Ort in glamouröse Gentle/wo/men, Kings und Queens verwandeln. Eine Menge Spaß ist garantiert. Anschließend wird sich der Abend in eine Pyjamaparty verwandeln.


An den Abenden des 18. und 19., sowie 22., 23. und 24. April zeigen die Studierenden eine Reihe von Arbeiten, die von One-to-one-Shows, Solos und Gruppenproduktionen, über Videoscreenings bis hin zu Installationen und Aktionen unter offenem Himmel reichen.

Wer sich genauer über einzelne Veranstaltungen informieren möchte, kann dies auf der Webseite www.hzt4loveandart.de tun. Zusätzlich werden dort ab dem 7. April über eine Livekamera zusätzliche Veranstaltungen angekündigt. Ein Besuch lohnt sich!


Eintritt frei. Tickets an der Abendkasse. Die Abendkasse öffnet 45 Minuten vor Beginn der Vorstellung. Begrenzte Platzkapazität! Kommt früh, um Enttäuschungen zu vermeiden - es gilt: "first come first serve!"

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

28. und 30.4.15 | A DROP OF TEAR IN THE FIELD OF GLORY | Abschlussarbeiten der SNDO 4 | Studio 14

Auch in diesem Jahr sind die Absolventinnen und Absolventen der School for New Dance Development Amsterdam zu Gast am HZT Berlin. Wie bereits in den vergangenen Jahren stellen sie ihre Abschlussarbeiten an zwei Abenden in zwei unterschiedlichen Programmen dem Berliner Publikum vor. Im Gegenzug werden dann die diesjährigen Absolventinnen und Absolventen des BA Tanz, Kontext, Choreographie im September im Het Veem Theater in Amsterdam Arbeiten präsentieren.

 

 

28.04.15, 19 Uhr:

 

CosmodifyMe

von Paula Chaves

 

TRACING HIDDEN COLLECTIVITY

von Burkhard Körner

 

Love Attempts

An Italian performance made by Italians

von Riccardo Guratti

 

 

30.04.15, 19 Uhr: 

 

PANDA EXPRESS - lotion for the intimate area -

von juicy n honey - Giuseppe Vincent Giampino und Oneka von Schrader

 

Rave

von Aleksandra Lemm

 

Dreamland

von Jija Sohn

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

Eintritt: 4 Euro
Reservierungen: Ticketreservierungen bis 1 Tag vor der Vorstellung. Bitte geben Sie den Tag der Vorstellung an: tickets@hzt-berlin.de Tickets auch an der Abendkasse.

14.1.15 | 18 UHR I HZT OPEN LECTURE | ULRIKE SOWODNIOK | STUDIO 11 

 

Stimme und Bewegung als funktionale Einheit – der Kehlkopf als Bewegungsorgan

 

Die Stimmanthropologin und Sängerin Ulrike Sowodniok wird in ihrem Vortrag den Kehlkopf als zentrales Organ nicht nur für die Stimmgebung sondern auch für die Bewegung vorstellen, der uns ein neues funktionales Verständnis unseres Körpers erschließt. Der Stimmklang spiegelt den inneren Zustand des Kehlkopfes und ermöglicht es uns, ihn als Wahrnehmungsorgan zu entfalten. In diesem Prozess können wir neue Bewegungsqualitäten entwickeln, in denen Stimme und Bewegung mühelos koordiniert sind. Wir werden phänomenologische und physiologische Perspektiven kennen lernen und diskutieren.

 

Ulrike Sowodniok ist Stimmanthropologin und Sängerin. Ihre künstlerische Forschung liegt im Bereich der experimentellen Musik für Stimme und Klangumgebung. Sie arbeitet zusammen mit Musikern, Komponisten und Klangkünstlerin - und mit Tänzern und Choreographen im Bereich von Stimme und Bewegung. Sie unterrichtet in ihrem eigenen Studio in Berlin und am Career College der UdK Berlin in den Studiengängen Musiktherapie und Sound Studies.  Ihr Buch "Stimmklang und Freiheit - zur auditiven Wissenschaft des Körpers" erschien 2013 bei transript.

 

Eintritt frei

 

 

 

21.1.15 | 18 UHR I HZT OPEN LECTURE | NICOLAS GALEAZZI UND JOËL VERWIMP  STUDIO 11

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

re-materialisation of the social body

 

Dieser Vortrag wird eine kleine Gemeinschaft bilden. Ausgehend von der Tatsache, dass jede Gemeinschaft eine Konstruktion ist, die in ständiger Re-Konstruktion begriffen ist, soll der soziale Körper nicht nur beschrieben, sondern direkt mit ihm experimentiert werden. Indem die Frage nach unserer gemeinsamen Realität gestellt wird, wird implizit und unausweichlich eine Situation der Ausgrenzung geschaffen.

Wir verstehen den sozialen Körper nicht primär als ein Zusammentreffen von Individuen, sondern vielmehr als einen Prozess seiner eigenen Transformationen. Die Annahme, dass Methoden des Authentifizierens erfunden, nicht gegeben sind, bedingt kontinuierliche Re-Materialisation der Subjekte, die das Soziale entstehen lassen.

 

Der Vortrag ist als verbales Ping-Pong strukturiert und wird vom Dialog zur Gruppendiskussion führen. Mit dieser Bewegung der De-Subjektivierung versucht der Vortrag, durch eine Distanzierung zu dem was wir sind, den Zustand der Identifikation zu verlassen und die Voraussetzungen für ein kontinuierliches Werden zu generieren.

 

Joël Verwimp ist Künstler, Koch, (Mit)Initiator des Month of Performance Art und von VerlegtVerlag.

 

Nicolas Y Galeazzi ist Regisseur, Performancekünstler, Theoretiker und Programmkoordinator von a.pass (advanced performance and scenography studies) in Brüssel.

 

Eintritt frei

 

 

 

 

28.1.15 | 18 UHR I HZT OPEN LECTURE | JOSHUA SOFAER | STUDIO 11

© Marion Borriss
>© Marion Borriss
  

This is what the audience brings with them – ein Künstlervortrag von Joshua Sofaer


Joshua Sofaer arbeitet als Künstler mit Strategien zwischen Bildender und Performance Kunst. Seine Arbeit wird oft vervollständigt durch die Einbindung und Teilnahme des Publikums. In diesem Künstlervortrag wird er einige der Arbeiten, die er in den letzten Jahren produziert hat und die sich mit der Beziehung zwischen Künstler, Kunstwerk und Zuschauer beschäftigen, vorstellen. Der Vortrag ist zugleich eine Einführung zu seinem Workshop am HZT, der am nächsten Tag beginnen wird.

 

Joshua Sofaer beschäftigt sich als Künstler intensiv mit Formen der Zusammenarbeit und Beteiligung. Nach einem BA in Drama und Anglistik an der Universität Bristol, absolvierte er einen MA in Bildender Kunst am Central Saint Martins College of Art & Design, anschließend promovierte er am Dartington College of Arts.

Eintritt frei

 

 



 

 

22.1.15 | 18 UHR I MA SODA DOUBLE LECTURE | MARTINA RUHSAM UND BOYAN MANCHEV | STUDIO 9

© HZT
>© HZT

 

THEORIE D'ENSEMBLE

 

Martina Ruhsam: Das Wiederaufleben der Dinge. Zusammenschlüsse von menschlichen und nicht-menschlichen Akteuren in zeitgenössischen Choreographien.

Was steht auf dem Spiel, wenn Dinge performen? In zahlreichen zeitgenössischen Choreographien spielen Dinge, vormals bekannt als Objekte, eine Hauptrolle. Sie sind weder Requisiten noch Teil des Bühnenbilds und fungieren nicht bloß als Manipulationsobjekte menschlicher Performer. Vielmehr wird versucht, sie als gleichberechtigte Akteure zu verstehen, die losgelöst von Instrumentalität und Funktionalität einen neuen Handlungsspielraum eröffnen, eine gewisse Autonomie erhalten und in ihrer Materialität und Kontingenz die Intentionalität der auf sie angewiesenen Subjekte unterminieren können. Was sind die politischen Potenziale, die die Verstrickung und Kollaboration menschlicher und nicht-menschlicher Akteure in diesen Choreographien sowie ein neues Verständnis des Sozialen birgt, das die materielle Welt, die uns umgibt, miteinbezieht? Könnte die choreographische Kritik von Objekten zu einem neuen ökologischen und politischen Bewusstsein führen? Diesen Fragen soll durch die Analyse konkreter choreographischer Praktiken oder Projekte nachgegangen werden bzw. es soll versucht werden, diese mit- und weiterzudenken.

 

Boyan Manchev: Die Gemeinschaft der Dinge, oder die allgemeine Ökonomie der Performance

Boyan Manchev wird diesen Vortrag als Gelegenheit nutzen, zu seinen ersten Vorschlägen (bzw. Texten) zu Tanz zurückzukehren, in welchen er die Frage nach den Dingen der Performance in direkter Verbindung mit der Ökonomie des Performance Kapitalismus formulierte, und in der allgemeinen Perspektive des transformationistischen Materialismus, den er zu dieser Zeit artikulierte.

Wie haben sich die Dinge in den vergangenen 10 Jahren verändert und wie hat der kritische Diskurs auf diese obskure Bewegung reagiert?

Seine Ausgangshypothese ist die folgende: Um die hegemoniale Ökonomie des Performance Kapitalismus zu überschreiten, musste zeitgenössische Performance die allgemeine Ökonomie der Dinge erneut öffnen, um ihre Zusammenstellung erneut zu formen und erneut zu komponieren. Aber was bedeutet ein Ding? Und was ist eine Gemeinschaft der Dinge?

 

Martina Ruhsam ist Choreographin, Performerin und Autorin. 2011 erschien ihr Buch “Kollaborative Praxis: Choreographie” bei Turia + Kant. Ihre künstlerischen Arbeiten und Kollaborationen wurden in diversen Häusern und Festivals in Europa gezeigt (z.B. Blank_Protest, How Far Can We Talk?, For the Birds, a scripted situation). Sie ist ein Mitglied des Redaktionskollektivs von Maska. Performing Arts Journal und hat Essays für diverse Publikationen geschrieben, die sich mit Tanz, Performance und Choreografie beschäftigen. Derzeit schreibt sie eine Dissertation am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität in Gießen.

 

Prof. Dr. Boyan Manchev ist Philosoph, Professor an der New Bulgarian University, Gastprofessor an der Universität Sofia und am HZT Berlin. Er ist ehemaliger Vizepräsident des Collège Internationale de Philosophie. In seinem Forschungsfeld der Ontologie, Kunstphilosophie und politischen Philosophie entwickelt er die Perspektive eines radikalen Materialismus. Zu seinen letzten Publikationen gehören u.a. Logic of the Political (Sofia, 2012), Miracolo (Milano, 2011), L’altération du monde: Pour une esthétique radicale (Paris, 2009); La Métamorphose et l'Instant – Désorganisation de la vie (Paris, 2009).

Boyan Manchev hat als Theoretiker, Dramaturg oder Performer in Theater und zeitgenössischen Tanzprojekten teilgenommen.

 

Eintritt frei

 

04.12. & 05.12. | 19 UHR | KYLA AVERY KEGLER 'HISTRIONICS OF A CONTORTIONIST (FLIP IT AND REVERSE IT)' 

©Kyla Avery Kegler
>©Kyla Avery Kegler

“Babies täuschen Weinen vor, warten, um zu sehen wer kommt und weinen sofort weiter.“ (aus „Wie ein Lügner entdeckt wird.“ von Pamela Meyer)

 

Wir alle haben ein Spiegelgesicht. Wir Ausdruckswesen lernen als eines der ersten Dinge, unser Erscheinungsbild zu gestalten, um zu manipulieren, wie die Außenwelt uns wahrnimmt. Das ist eine so alltägliche Praxis, dass sie gewöhnlich unbewusst bleibt. Im Zeitalter Sozialer Netzwerke hat die Identitätskonstruktion einen neuen Bereich betreten. Die Möglichkeiten der Selbstbearbeitung, Selbstinszenierung und Selbstdarstellung haben exponentiell zugenommen und konsequenterweise die Beziehung zu sich selbst verändert. Einen virtuellen Avatar zu konstruieren ist eine gebräuchliche Praxis, um sich seiner Identität zu versichern. „Histrionics of a Contortionist (Flip it and Reverse it)” untersucht die Momente zwischen und unterhalb derer, die üblicherweise der Öffentlichkeit präsentiert werden. Es betrachtet das Unwohlsein und die Verletzlichkeit in diesem Zwischenraum. Eine Performance der Performance, die die Dynamik zwischen Muse und Schöpfer beobachtet, in diesem Fall die getrennter Körper, die eine untrennbare Identität teilen.

 

Performance: Kyla Avery Kegler

 

 

04.12. & 05.12. | 21 UHR | RODRIGO GARCIA ALVES „STUDIODISORDER - LA MAISON BAROQUE“

Rodrigo Garcia | ©Zana Fontannaz
>Rodrigo Garcia | ©Zana Fontannaz

Studio Disorder´s – La Maison Baroque, explorativ die Spur des Anderen erkunden, eine unendlich offene Verweisungskette, die sich entfaltet, entwickelt, verwickelt, windet: Falte für Falte in fünf Akten von Europa bis Lateinamerika und wieder zurück, Schicht um Schicht, Szene für Szene. Akkumulierend, repräsentierend, transkreierend, in-korporierend,  ent-wickeln wir, Performer, den Faden, der immer dann, wenn wir ihn greifen wollen vor uns zurück zuckt, sich wieder zusammenrollt und sich als komplett andere Figuration präsentiert. Abwicklung dieses barocken Faden auf (post)kolonialen Boden, spielerisch, parodistisch. Neue Konstellationen, von denen wir nicht immer ihr Gesamtbild erfassen, manchmal nur einzelne Aspekte sehen, die dann wieder eingesammelt ein Ganzes aus Teilen ergeben, ein parangolé1, ein Netz, das verbirgt, entbirgt. Unser Selbst, das wir heute, jetzt, einsammeln, zusammenfügen, aneinander setzen. Selbst ist Mosaik, Hybrid, Fragment. – Auf dem Weg des Meeres nach Ouro Preto (die Stadt des schwarzen Goldes), in die Tiefen der Erde und wieder zurück, winden wir uns im Labyrinth unserer Selbst, was wir dort finden ist Chance, Herausforderung, Risiko und Exzess zugleich. Was übrig bleibt: Studio Disorder. Und das Gelächter über Selbiges.

“... so much wasted work! So much play and squandering, so much effort without purpose.” - Severo Sarduy

 

(1) Kostümskulpturen des brasilianischen Künstlers Helio Oiticica

 

Konzept, Choreographie & Performance: Rodrigo Garcia Alves

Performance: Mab Cardoso, Pedro Costa, Harvey Rabbit, Liz Rosenfeld

 

 

 

08.12. & 09.12. | 19 UHR | ANDRÉ UERBA „TERRARIUM“

©André Uerba
>©André Uerba

Zu sagen "ich arbeite hauptsächlich mit Bildern" ist eine “oberflächliche” Definition. Es ist wahr, dass Bilder ein zentrales Element sind, ein Ausgangspunkt, aber sie sind Teil eines größeren Körpers der Gesamtstruktur. Das Bild ist ein Medium gleich dem Licht, das beispielweise genutzt wird, um auszustellen, was gezeigt wird. Der Fokus liegt häufig auf dem, was nicht zu sehen ist und es obliegt dem Sehenden die kryptischen Bilder aufzuschlüsseln, um Schichten der Wahrnehmung zu erschaffen.

 

Das Stück ist wie ein Baum gebaut – geprägt von der Zeit. Die dargestellten Bilder suggerieren ein Terrarium in kontinuierlicher Veränderung, in dem Spuren ausgelegt und geschichtet sind, als ob jemand dazwischen gegangen sei – zwischen Zerbrechlichkeit, Licht und Dunkelheit. Die Bühne ist eine Art Miniaturterrarium, dessen Form flüchtig ist, einen Augenblick erscheinend, um gleich wieder zu entschwinden.

 

Es fühlt sich manchmal so an, als könnte ich meine Hände durch meine Augen drücken und einige der Bilder festhalten – nach Außen bringen. Manchmal bleibt das Gehirn hier stecken, versunken. Manchmal wird der Kopf zur Camera Obscura und der Raum ein Laboratorium, in dem sich die Bilder entwickeln. Aber die Arbeit ist nicht etwas Abgeschlossenes, vielmehr etwas zum Tun zum Weitertun. Alles ist mit den Überresten verbunden, wie ein Samen, unterirdisch. (André Uerba)

 

Konzept, Performance, Dramaturgie, Licht, Bühne, Video, Ton & Kostüme: André Uerba

 

 

08.12. & 09.12. | 21 UHR | IXCHEL MENDOZA HERNANDEZ „RE-ENTERING: VISUAL GHOST

Ixchel Mendoza Hernandez | ©Roger Rossell
>Ixchel Mendoza Hernandez | ©Roger Rossell

Es gibt keine Geister, und doch tauchen sie auf und werden. Sind sie einmal da, verschwinden sie. Sie verweilen nicht und im selben Moment, im Augenblick ihres Erscheinens, erfüllen sie den Raum mit ihrer Zeit und ihrer Präsenz. Ein Geist ist präsent aber nicht sichtbar, nicht materialisiert aber greifbar, selbst wenn nur in Empfindungen und Gedanken.

 

Visual Ghost ist etwas, das zwischen der Performance und dem Publikum erscheint, oder wir könnten sagen zwischen einem Ereignis und einem Empfänger – ohne sie würde nichts ins Sein treten. Während des SODA Studiums beschäftigte ich mich in meiner Forschung damit, wie diese Phänomene durch den Körper, Klänge und Text ausgelöst werden können. Ich versuchte die Zuschauer in den beschriebenen Arten zu erreichen, um diese nicht realen aber dennoch anwesenden „Bilder“ zu erleben.

 

Ich konzentrierte mich auf widersprüchliche Körpersignale und den Gebrauch von Klängen, um geistige Bilder zu kreieren, oder die Wahrnehmung von Aktionen zu verzerren. Ich arbeitete mit der Idee, das Auge über Texte zu choreographieren und seine Verwendung als erweitere Wahrnehmung. Ich verkörperte den „Visual Ghost“, indem ich Spuren folgte, die im Raum verblieben.

 

In diesem Abschlussstück verbinde ich alle Studien und gehe nun das Konzept des “Visual Ghost” mit der Referenz zu Theater und Performance andersartig an. Der Raum wird dekonstruiert und diese Dekonstruktion ist ein Versuch die Performance „niederzureißen“. Das kann man sehen als die Geschichte der Geschichte der Geschichte oder die Erinnerung der Erinnerung der Erinnerung. Es gibt darin eine Logik, eine geisterhafte Logik.

 

Concept & Performance: Ixchel Mendoza Hernandez

Musik & Live Performance: Inon Peres

 

 

13.12. & 14.12. | 19 UHR | YUSUKE KIMURA „I SAW A SHADOW IN THE DARK“

©Yusuke Kimura
>©Yusuke Kimura

Yusuke Kimura beschäftigt sich in seinem Stück mit der Entwicklung einer auf Filmstudien und den Mechanismen von Film basierten Media Performance und überführt das Wissen und die Methodologie von Film und visuellen Medien in den Kontext der Performing Arts. Den Ausgangpunkt markiert die Recherche über den strukturalistischen/materialistischen Film, das Expanded Cinema sowie die vorfilmische Kinogeschichte, die in dem Versuch mündet, diese mit den heutigen visuellen Technologien zu reproduzieren. Diese frühen Experimentalfilme werden heute mit alten und veralteten Filmtechnologien wie Folienrollen, Filmprojektoren und Schnitttechniken ihrer Zeit assoziiert. Nichtsdestotrotz beleuchten sie das Phänomen „Film“, dessen Wissen und Methodologie Yusuke Kimura aktuell als hilfreich betrachtet, um die heutige visuelle Medienlandschaft zu überprüfen.

Nach dem Prozess der Reproduktion entwickelte Kimura Performance Fragmente mit persönlichen Filmerinnerungen. Nun stellt er Konzepte und Ideen von Film auf der Bühne vor, um die Sicht der Zuschauer zwischen Film und Performance zu verschieben und den Einfluss der visuellen Medien auf unsere Wahrnehmung der Wirklich zu zeigen.

 

Konzept, Regie, Multimedia Design: Yusuke Kimura
Performance: Tomoko Inoue, Yusuke Kimura

 

 

13.12. & 14.12. | 21 UHR | DAVID POLLMANN YUKO & VORTEX

David Pollmann | © Anne-Lena Michel
>David Pollmann | © Anne-Lena Michel

Ich träume nicht mehr. Entry requirements of art. Ich liebe Dich, Yuko. Yuko, ist alles unter Kontrolle? Ich dachte, Schlaf würde helfen. Ich weiß meinen Namen nicht mehr. Ich weiß nicht, wer ich bin. Ich brauche einen Kontext! Ich schreie. Yuko Sato. Vortex ist ein Zustand. Eine Rose ist eine Rose ist eine Rose ist eine Rose. 50 Minuten. Man lebt nur einmal. Atemspende. Lass uns über Gender reden, Baby. Bric-à-Brac. Es ist kalt hier. Ich verstecke mich unter meinem Bett. Überall um mich herum Popcorn. Ich fühlte mich wie in einem Avantgarde Club in Tokyo in den 80ern. Historischer Körper. Hysterischer Körper. Institutionalised perception of art. Wir können es als Lampe benutzen. Kristalle. Das Raumschiff ist gelandet. Helmut Ploebst. Du kennst die Kack-Gewohnheiten der Katze. Ich kann eine Flamme sein. 15. November 1984. Bühnenstück. The work of art as the objectified experience of the artist and her time. Tanz ist entscheidend geworden. Rede nicht so viel, wenn du nicht bezahlt wirst. Do your shit yourself. Punk ist nicht tot. David Pollmann. Ich bin nicht jedermanns Liebling. Ich war ein bisschen enttäuscht von dem, was Du am Ende des Sommers präsentiert hattest, ich glaube, mehr Weiterentwicklung wäre möglich gewesen. Tiefschwarzes dickes Leder. Die Mechaniken der Veränderung. La condition humaine. Gerüste, Skelette. Die Performance ist das Objekt. Fleisch, Haut, Muskeln. Knochen. Wer ist sie? Organische Elemente. Sie fügt sich in Strukturen ein. Dies ist deine Geldbörse. Boogie-Woogie.

 

Konzept: David Pollmann

Performance: David Pollmann, Yuko Sato

 

 

17.12. & 18.12. | 19 UHR | HELENA BOTTO „ABRAHAMIC WHOLENESS (OR MY GOD IS BETTER THAN YOURS).“

Helena Botto | ©frame still from footage rehearsal
>Helena Botto | ©frame still from footage rehearsal

Im Anfang war das Wort und das Wort war bei Gott, und das Wort war Gott. (Johannes 1:1) Und Gott schuf den Menschen ihm zum Bilde, zum Bilde Gottes schuf er ihn; und schuf einen Mann und ein Weib. (Gen 1:27) Gott ist Geist (Johannes 4:24) Gehorsam und gute Worte. (Surat Muĥammad 47:21) Und er ist vor allem, und alles besteht in ihm. (Kol 1:17) Alle Dinge sind durch dasselbe gemacht, und ohne dasselbe ist nichts gemacht, was gemacht ist. (John 1:3) Und sprachen zu Josua: Der HERR hat uns alles Land in unsre Hände gegeben; so sind auch alle Einwohner des Landes feig vor uns. (Josua 2:24) Da ergrimmte der Zorn des HERRN über die Kinder Israel. (Josua 7:1) Und der HERR sprach zu Josua: Fürchte dich nicht und zage nicht! Nimm mit dir alles Kriegsvolk und mache dich auf und zieh hinauf gen Ai!.” (Josua 8:1) Und da Israel alle Einwohner zu Ai erwürgt hatte auf dem Felde und in der Wüste, die ihnen nachgejagt hatten, und alle durch die Schärfe des Schwertes fielen, (Josua 8:24) Da baute Josua dem HERRN, dem Gott Israels, einen Altar auf dem Berge Ebal.(Josua 8:30) Verehre Allah, fürchte IHN.(Surat Nūĥ 71:3) Denn seine Augen sehen auf eines jeglichen Wege, und er schaut alle ihre Gänge (Hiob 34:21) Wenn ihr auf die, die ungläubig sind, trefft, dann schlagt (ihnen) auf die Nacken. Wenn ihr sie schließlich schwer niedergekämpft habt, dann schnürt (ihnen) die Fesseln fest. Danach gilt es, sie aus Gnade oder gegen Lösegeld zu entlassen. (Handelt so), bis der Krieg seine Waffenlasten ablegt. So ist es. (Surat Muĥammad 47:4) Sei es auf Erden der im Himmel, indem er Frieden machte durch sein Blut am Kreuz. (Kol 1:20) Die Augen des HERRN schauen an allen Orten beide, die Bösen und die Frommen. (Sprüche 15:3) Und Gott sah alles an, was er gemacht hatte, und siehe, es war gut. (Genesis 1:31) Seit wachsam. (Sprüche 15:3)

 

Konzept, Performance & Raum: Helena Botto

Sound design & Performance: Joshua Rutter

SODA WORKS 2014 I 04.-18. Dezember I
Abschlussarbeiten MA Solo/Dance/Authorship
SODA WORKS 2014 @TA-TRUNG (Montage)
>SODA WORKS 2014 @TA-TRUNG (Montage)

Zum Ende ihrer zweijährigen künstlerischen und theoretischen Forschungen über Solo, kollaborative Prozesse, Komposition und Performance innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraxis präsentieren die Absolventen und Absolventinnen des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin ihre Abschlussarbeiten. 

 

Do, 04.12. Premiere und Fr, 05.12. | Studio 14


19 Uhr Kyla Avery Kegler „Histrionics of a Contortionist (Flip it and Reverse it)“

21 Uhr Rodrigo Garcia Alves „StudioDisorder - La Maison Baroque“


Mo, 08.12. Premiere und Di, 09.12. | Studio 14

19 Uhr André Uerba „Terrarium“
21 Uhr Ixchel Mendoza Hernandez „Re-entering: Visual Ghost“

Sa, 13.12. Premiere und So, 14.12. | Studio 14

19 Uhr Yusuke Kimura „I saw a shadow in the dark“

21 Uhr David Pollmann „YUKO & VORTEX

Mi, 17.12. Premiere und Do, 18.12.2014 | Studio 14


19 Uhr Helena Botto „ABRAHAMIC WHOLENESS (or my god is better than yours).“

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

Eine Ausstellung mit Dokumentationen der künstlerischen Forschungen der Absolventen/innen ist im Studio 16 zu besichtigen. Öffnungszeiten jeweils eine Stunde vor der ersten Aufführung des Tages bis 21 Uhr. Die SODA WORKS Abschlusspublikation gibt es an der Abendkasse.

 

HZT Berlin in den Uferstudios
Zugang: Uferstraße 23 oder Badstraße 41a, 
13357 Berlin
Anfahrt: U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

CHRISTMAS SPECIAL | 20. Dezember, 20 Uhr | Choreographien von HZT SODA Alumni Andrew Waas und Jee-Ae Lim | Studio 14

ANDREW WASS “LIBET’S LAG”

Andrew Wass “Libet’s Lag”
>Andrew Wass “Libet’s Lag”

Libet Lag erforscht die subjektiven Empfindungen willkürlicher Handlungen während des Versuchs, kompositorische Grenzen und Freiheiten in ihrer momenthaften Unmittelbarkeit zu erkennen. Zeitgleich mit der Entfaltung der klanglichen und körperlichen Paletten, fächern sich unzählige Möglichkeiten ihrer Manipulierbarkeit auf. Die Erforschung bleibt räumlich und zeitlich auf die Performance beschränkt, womit Wass und Rose dem Zuschauer keine Anspielungen oder illustrierende Einschränkungen aufladen.

 

Tanz: Andrew Wass
Ton: Simon Rose

www.lowerleft.org,www.wasswasswass.com, www.nonfictionperformance.org

 

 

JEE-AE LIM “STILL MOVING” 

Jee-Ae Lim “Still Moving” ©Thies Raetzke
>Jee-Ae Lim  “Still Moving” ©Thies Raetzke

Throughout the years, during the education in traditional and modern dance, we embodied various stereotypes of movements and concepts of the body. “10 Years in a Minute – Still Moving” is a choreographic project that explores the idea of aestheticized bodies in the history of dance with the aim to reinterpret existing aesthetic concepts by uncovering their different culture/history/contemporaneity. It is a journey to revisit the dance that Jee-Ae Lim and Sergiu Matis were educated in, in order to unfold the complexity of body movements between traditional and modern notions and to re-situate the retrospective body images on today’s stage. 

 

Konzept: Jee-Ae Lim
Kreation und Performance: Sergiu Matis and Jee-Ae Lim
Musik: Kyan Bayani 
Dramaturgie: Thomas Schaupp, Matthias Quabbe
Mentoren: Pirkko Husemann, Lito Walkey, Bush Hartshorn

Produktion: K3 Hamburg

 

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

HZT Berlin in den Uferstudios
Zugang: Uferstraße 23 oder Badstraße 41a, 
13357 Berlin
Anfahrt: U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

002.11.2014 17 Uhr | Uferstudios, Studio 4 |
Jeroen Peeters:
Through The Back: Situating vision between moving bodies (Buchpräsentation)

Sandro Botticelli, La Divina Commedia: Purgatorio XI, ca. 1490, Kupferstichkabinett Berlin
>Sandro Botticelli, La Divina Commedia: Purgatorio XI, ca. 1490, Kupferstichkabinett Berlin

In einem Gespräch mit der Philosophin und Kuratorin Stefanie Wenner und den Künstlern deufert&plischke präsentiert der belgische Dramaturg und Autor Jeroen Peeters sein Buch über das Zuschauen im zeitgenössischen Tanz.

Wie agiert der Tanz im heutigen Regime des Visuellen? Wie hinterfragt er vorherrschende kulturelle Körperideale? Peeters erkundet das kritische Potenzial von alternativen körperlichen Ausdrucksweisen und der Schaffung von Körperbildern, die verletzlich und durchlässig für die Welt sind. Experimentelle Choreografen fordern und erweitern das Zu- schauen, einschließlich der körperlichen, technologischen und kulturellen Komponenten, auf die sich unsere Vorstellungskraft und unsere Art zu sehen, zu hören und zu spüren, stützt.

 

Die Veranstaltung ist eine Kooperation des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz (HZT) Berlin und der Tanzfabrik Berlin, unterstützt durch Sarma (Brüssel).
Hrsg.: Theatre Academy of the University of the Arts Helsinki, 2014

 

Auf Englisch, freier Eintritt

 

HZT OPEN LECTURE WINTERSEMESTER 2014/15
© Marion Borriss
>© Marion Borriss

06.11.2014, 18-21 Uhr | MA SODA Double Lecture

Constanze Schellow: Diskurs-Choreographien. Bewegungen zwischen Tanz(-Theorie) und Philosophie
In den letzten Jahren wurde in der Tanztheorie eine besonders enge Beziehung zwischen Tanz und Philosophie konstatiert - mit Verweis auf die Arbeiten u.a. von Jérôme Bel, Xavier Le Roy oder William Forsythe. Zeitgenössische Tanzstücke, heißt es in diesem Zusammenhang, würden seit einem ‚Diskurs-Schub‘ in den 1990er Jahren in gesteigertem Maße zur theoretisch-philosophischen Reflexion einladen. Der Vortrag hinterfragt das Verhältnis zwischen Tanzwissenschaft, Tanzpraxis, und Philosophie, indem er zwei Diskurs-Choreographien nachspürt, die von TheoretikerInnen, ChoreographInnen und PhilosophInnen jeweils Anfang des 20. und 21. Jahrhunderts ‚aufgeführt‘ wurden.

Boyan Manchev: What is Form in Art? On the Politics of Use of the Concept of Form in Contemporary Arts
Die Frage nach der Aktivität der Form sollte ins Zentrum zeitgenössischer Kunsttheorie gestellt werden. Form kann nicht ohne ihre Grenze gedacht werden, also nicht ohne Trans-Formation. Sie könnte ihre Grenze nur durch ihre Aktivität erreichen; auf das etymologische Potential des lateinischen Wortes aufbauend, könnten wir diese Aktivität „Per-formance" nennen. Auf diese Weise könnten wir eine Möglichkeit zur Erweiterung der Auffassungen von ‚Performance' und ‚Transformation' als den zentralen Komponenten einer neuen künstlerischen Konzeption der Form erreichen, eine neue Philosophie der Form. Poetik ist unmöglich ohne die Frage der Form; die Frage nach der Form ist nicht möglich ohne die Frage nach der Modalität der Form; die Frage nach der Modalität - ohne die Frage der Aktivität der Form und damit der Per-formance der Form.

18-21 Uhr, Uferstudios, Studio 11, Eintritt frei, in englischer Sprache

 

 

26.11.2014, 18 Uhr | Turbulence (a dance about the economy) by Keith Hennessy

Mit Videoclips, Geschichten und Gerüchten aus seinem letzten Performance-Projekt spricht Keith Hennessy über Politik und Kunst, über Poetik und Grenzen der Institutionskritik, über Kollektivität und Misserfolg in der Improvisation, über ‚queer’ als alternative Perspektive und potenziell utopischen Raum, über rassistische Implikationen von Castings, die Kollaboration im konfliktreichen Rahmen von liberalem Humanismus und Afro Pessimismus (oder radikaler anti-rassistischer Kritik) ... Dies ist ein Vortrag über das Tanzen und choreographische Performances und Situationen.

 

Keith Hennessy ist Performer, Choreograph, Lehrer und Aktivist, geboren in Kanada, lebt in San Francisco und tourt international. Er arbeitet interdisziplinär und setzt sich mit Improvisation, Ritual und öffentlicher Aktion als Mittel zur Untersuchung politischer Realitäten auseinander. Hennessy leitet CIRCO ZERO und war Mitglied kollaborativer Performance Companies: Contraband (mit Sara Shelton Mann), CORE, and Cahin-caha, cirque bâtard. Für seine Arbeit erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter den New Yorker Bessie-Award und zweimal den Isadora Duncan Dance Award.

 

Uferstudios, Studio 11, Eintritt frei, in englischer Sprache



03.12.2014, 18 Uhr
| solid or liquid: the shape of water a talk by Lucy Cash & Karen Christopher

Lucy Cash und Karen Christopher, sind derzeit Gastlehrende am HZT und verweben in ihrem Vortrag ihre getrennten Schriften zu einem gemeinsamen Essay. Karen spricht über das Schimmern zwischen Zuständen der Dauer und der Unbeständigkeit und den Ausgangspunkt für ein neues Stück: das Tragen einer Person auf dem Rücken aus Vergnügen oder zur Rettung. Lucy spricht über die Begriffe Empathie und Geste – woran wir festhalten und was wir halten – während sie auf einige frühere Arbeiten zurückblickt. solid or liquid: the shape of water lädt die Zuhörer ein, die Dauer des Vortrags als vergnügliche “verlorene” Zeit zu betrachten, ähnlich einer Pause zwischen zwei Zuständen.

 

Lucy Cashs Praxis umfasst einen intimen und häufig spielerischen Forschungs- und Kollaborationsprozess. Sie arbeitet sowohl dokumentarisch als auch assoziativ und stellt dadurch Beschreibungen der realen Welt wie auch eigenständige Fiktionen her, die Aspekte der Welt öffnen und sichtbar machen. Text und Sound, Installation, Fotographie und Film/Video kombiniert sie zu Interventionen zwischen dem Poetischen und dem Wissenschaftlichen - philosophisch und humorvoll, intim und politisch. www.lucycash.com    www.straybird.com

 

Karen Christopher, Performance Künstlerin, Performerin, Lehrerin, war über 20 Jahre Teil der Chicagoer Performancegruppe Goat Island, bis sich die Gruppe 2009 auflöste. Jetzt lebt sie in London und arbeitet mit ihrer Company, Haranczak/Navarre Performance Projects. In ihrer Arbeit interessiert sie sich für Momente der Überschneidung und für überraschende Kombinationen, die den Zuschauern erlauben, Veränderungen in ihrem Verstehen und in ihrer Aufmerksamkeit während der Performance zu erfahren. Dazu gehört für sie auch, dem Unbeachteten, dem fast Unsichtbaren und dem sehr Stillen zuzuhören. www.karenchristopher.co.uk

 

 

Uferstudios, Studio 11, Eintritt frei, in englischer Sprache


 

10.12., 18 Uhr |  Dr. Armin Chodzinski: Monkey 47 - Über künstlerisches Networking, Underground Marketing und Alphabetisierung

Dr. Armin Chodzinski
>Dr. Armin Chodzinski

"Ende der 90’ Jahre drohte der großartige Fluxus-Pionier Tomas Schmit mit dem sofortigen Abbau seiner Ausstellung, wenn nicht genügend Bier für die Besucher zur Verfügung stünde. Also kauften die Organisatoren in aller Eile die örtlichen Tankstellen leer und die Eröffnung fand - mit ein wenig Verspätung - doch noch statt. Es wurde dann am späteren Abend noch viel getanzt und geschrien - wenn ich mich recht erinnere." Eine Lecture im Anzug mit und über Alkohol, Musik, wichtige Gegenstände und Ökonomie

 

Armin Chodzinski hat Kunst studiert, im Management und in der Beratung gearbeitet und in Anthropogeographie promoviert. Er arbeitet am Verhältnis von Kunst und Ökonomie, das sich – wie er sagt – im Stadtraum destilliert. In Performance Lectures, Ausstellungen, Dozenturen und Publikationen ist seine Methode der Selbstversuch.

http://www.chodzinski.com/

 

Uferstudios, Studio 11, Eintritt frei, in englischer Sprache

20.-26.10.2014 | Take us for a walk - (De)synchronizing movement | Workshop, Performance, Symposium 

©Hamish Fulton / Maureen Paley, London
>©Hamish Fulton / Maureen Paley, London

 

Workshop, Performance, Symposium

 

Ob wir gemeinsam oder alleine gehen, beständig synchronisieren und de-synchronisieren wir: Schwingen der Gliedmaßen, Anpassung des Muskeltonus, Herzschlag, Atmung... - eine Vielzahl von sich permanent gegenseitig beeinflussenden Rhythmen bestimmt unsere Körper. Wenn wir die scheinbar einfache Bewegung des Gehens näher betrachten, entdecken wir eine komplexe Polychronizität sowie verschiedene Formen gegenseitiger Abstimmung.

 

In einem Workshop, einer Performance auf dem Tempelhofer Feld und einem zweitägigen Symposium werden Künstler und Wissenschaftler aus verschiedenen Bereichen die Dynamik des Gehens in Bezug auf rhythmische Selbstorganisation erkunden. Was sind unsere Techniken, unsere Kulturen, unsere Ökosysteme, unsere Politik des Gehens?

 

TAKE US FOR A WALK ist eine Kooperation des DFG-Schwerpunktprogramms “Ästhetische Eigenzeiten” + Freie Universität Berlin, Institut für Theaterwissenschaft, Zentrum für Bewegungsforschung, des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin, der Universität der Künste Berlin, der Hochschule für Schauspielkunst “Ernst Busch” und der Tanzfabrik Berlin e.V.

 

Performance und Symposium sind öffentlich; Eintritt zu allen Veranstaltungen ist frei.

Die Teilnehmerzahl für den Workshop ist begrenzt, Anmeldung erforderlich bis 13. Oktober 2014 bei: Katja Münker, takeusforawalk-workshop@tanzfabrik-berlin.de. 

 

 

Fr 24.10., Start 16:00 (Dauer: ca. 1 Std.), Tempelhofer Feld 

“The Object cannot compete with an Experience” - SLOWALK Performance

Die Performance auf dem Tempelhofer Feld, konzipiert und angeleitet von Hamish Fulton, ist außer für die WorkshopteilnehmerInnen offen für alle, die teilnehmen möchten. “Die gehenden Teilnehmer sind gleichzeitig die Kunstbetrachter.” (Hamish Fulton)

http://www.hamish-fulton.com/

Treffpunkt: Haupteingang Oderstraße / Herfurthstraße

 

 

Workshop Mo 20. – Fr 24.10., 10:00-17:00 (Fr: 15:00), Uferstudio 14

 

Teil I: The Art of Walking – mit Katja Münker

Die Berliner Feldenkrais-Lehrerin und Performance-Künstlerin Katja Münker wird mit den TeilnehmerInnen das Gehen (wieder)entdecken. Spielerisch, explorativ und kontemplativ wird das Gehen in seine physischen, rhythmischen und räumlichen Aspekte dekonstruiert und reorganisiert, um unterschiedliche Geh-Erlebnisse und -Techniken zu ermöglichen.

Mo 20. + Di 21.10., 10:00-17:00, Uferstudio 14

 

Teil II: One Step at a Time – mit Hamish Fulton

Der britische Land Art und Konzeptkünstler Hamish Fulton, der als “walking artist” internationalen Ruhm erreicht hat, wird im zweiten Teil des Workshops die TeilnehmerInnen mit seiner Praxis vertraut machen. Durch eine Reihe von ‘In-door’ und ‘Out-door’-Walks, und den Austausch von Gedanken darüber wie durch Gehen Kommunikation stattfindet, werden verschiedene Zustände von Zusammengehörigkeit und Getrenntsein und unterschiedliche Möglichkeiten, das Gehen zu gestalten, untersucht.

Mi 22.-Fr 24.10., 10-17:00 (Fr: 15:00), Uferstudio 14

 

 

TAKE US FOR A WALK

Ein Symposium über Gehen und (D­e‑)Synchronisation

Sa 25. + So 26.10., Uferstudio 14, Uferstudio 14, Uferstudios Berlin, Uferstraße 23, Berlin-Wedding.

 

Das Symposium findet auf Englisch statt.

 

Samstag


10.00   Begrüßung und Einführung (Gabriele Brandstetter + Kai van Eikels)

11.00   Daniela Hahn: Leaving the Factory. Walking Under Working Conditions

12.00   Ralph Fischer: Walking Together/Walking Against. Poetics and Politics of Pedestrian Movements

 

Mittagspause

 

14.30   plan b (Sophia New + Daniel Belasco Rogers): Taking a Walk for a Line, presentation

15.00   Gespräch zwischen Hamish Fulton, Sophia New + Daniel Belasco Rogers

16.30   Martin Nachbar: Walking Around the Theater. On Possibilities to Share (Kin)Aesthetic Experience in the City, presentation and performance

17.30   Katja Münker: Invitation to Walk. Eine kollektive Choreographie, Performance

18.30   Diskussion

 

 

Sonntag

 

Ganztätig: gehen exhibited, Installation von Katharina Greimel

 

10.30   Einführung: ‘Synchronization’ as a concept in science and arts

11-13:00   Panel 1: Democracy and Poetry — Synchronizing Lives (Eva Axer)

14.30   Panel 2: Synchronization and (Im‑)Balance (Sabine Zubarik). Gesture as Desynchronization (Reinhold Görling)

16.30   Diskussion (das Symposium endet ca. 17.00)

22.-26.09.2014 I CHOREOGRAPHIC CODING LAB BERLIN

©Motion Bank ©NODE Forum for Digital Arts
>©Motion Bank ©NODE Forum for Digital Arts

CCL @ retune.14

 

Feel invited to the next Choreographic Coding Lab
Berlin, September 22nd-26th, 2014

 

Are you an artist working creatively with code and digital media with an interest in movement? Then come join us for the next Choreographic Coding Lab at Uferstudios in Berlin from September 22nd – 26th. Motion Bank and NODE Forum for Digital Arts are inviting you to apply for a week-long gathering of movement hackers and practitioners to discuss and work on projects, ideas and challenges in a peer-to-peer setting.

The Lab will start before and run into the retune.14 conference (September 26th – 28th) and will be hosted by Hochschulübergreifendes Zentrum für Tanz Berlin.

 

What are Choreographic Coding Labs?

The "Choreographic Coding Lab" (CCL) format offers unique opportunities of exchange and collaboration for digital media ‘code savvy’ artists who have an interest in translating aspects of choreography and dance into digital form and applying choreographic thinking to their own practice. Working with patterns, structures and movement through finding, generating and applying them with results ranging from prototypes for artworks to new plug-ins for working with dance related datasets. CCLs also seek to initiate a sustainable collaborative practice among its participants encouraging ongoing exchange in an artistic research community of individuals.

CCLs are an outcome of Motion Bank, a four-year research project of The Forsythe Company focused on the creation of digital dance scores with guest choreographers.

 

CCL at retune.14 conference

The upcoming CCL is supported by retune.14. For the third time, the conference brings together artists, designers, technologists as well as researchers and scientists to inspire interdisciplinary thinking and making. This annual gathering of international creative minds seeks to explore, shape, and critically question the future of living, working, and expressing with technology.
The CCL will end with a round-up of results and discussion open to the public in the framework of retune conference.

 

Details & Application

The week will be enriched by lightning talks by members of the Motion Bank research team and network aimed to inspire and provoke participants with new perspectives and experiences. The space and basic equipment will be provided.

There is no fee for participation, but applicants are asked to propose starting points and ideas. Collaborative teams involving choreographers/dancers interested in the Motion Bank research approach are very much encouraged to apply.

 

Apply on: choreographiccoding.org

DEADLINE: August 13th, 2014

For documentation of previous events see:

Choreographic Coding Panel @ Resonate, Belgrade

Motion Bank CCL Report

Create Digital Motion Report

 

Contact: Jeanne Charlotte Vogt

 

This lab is being co-organised by Motion Bank and NODE Forum for Digital Arts.

 

http://choreographiccoding.org/#lab-retune-2014-form

10.09.-12.09.2014 | AUS ZUCHT - HZT BERLIN ARBEITEN IN AMSTERDAM | HET VEEM THEATER

Der Besuch der HZT-Absolventen_innen in Amsterdam ist Teil eines Austauschprogramms der SNDO, School for New Dance Development Amsterdam, und dem HZT, Hochschulübergreifendes Zentrum für Tanz Berlin. Es geht bei diesem Austauschprogramm nicht nur darum, künstlerische Arbeiten zu präsentieren: es schafft Begegnungsmöglichkeiten für die jungen Künstler beider Institutionen und ermöglicht ihnen einen reflektierten Blick auf ihre Erfahrungen und Perspektiven in der Choreographie.

Nach zwei Abenden, an denen die HZT-Studierenden ihre Stücke präsentieren, findet eine Feedbackrunde im Gespräch mit den SNDO-Studierenden und mit Irit Rogoff, Professorin am department of Visual Cultures am Goldsmiths College, London University, statt.

Am 12.09.2014 hält Irit Rogoff einen Vortrag zum Thema „The Way We Work Now”. Anschließend gibt es Möglichkeiten zur Diskussion. Bojana Mladenović wird die Gesprächsrunde leiten, in der Fragen gestellt werden können.

Programm:

10.09.2014 | 19:00 | Performance Programm 1

19:00 Ana Jelusic: „Room Series: Names"
19:30 Martin Hansen: „The Body Doesn't Lie"
20:40 Ania Nowak: „Exercising Attention"
21:15 Katharina Greimel: „head on less" 
22:10 Inna Krasnoper: „Departing" 
-----
(dauerhaft) im Eingangsbereich: Verena Sepp: "aquí, ahí, allá"


11.09.2014 | 19:00 | Performance Programm 2
19:00 Lea Moro: „a ballet for a single body"
19:40 Roni Katz: „Stilling" (begrenzte Publikumsplätze)
20:15 Ellinor Ljungkvist: „Move like you have a purpose" 
20:40 Jozefien Beckers: „i.wanna.be.a.piece.of.nature"
21:00 Roni Katz: „Stilling" (begrenzte Publikumsplätze)
21:35 Julia Rodriguez: „Flatlands" 
22:10 Roni Katz: „Stilling" (begrenzte Publikumsplätze)
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(dauerhaft) im Eingangsbereich: Verena Sepp: "aquí, ahí, allá"


12.09.2014 | 20:30 | öffentlicher Vortrag mit anschließender Diskussion
Irit Rogoff: „The Way We Work Now”


Performer und Performerinnen: Derrick Amanatidis, Jozefien Beckers, Zinzi Buchanan, Sandhya Daemgen, Katharina Greimel, Martin Hansen, Mira Hirtz, Ana Jelusic, Roni Katz, Miriam Kongstad, Inna Krasnoper, Ellinor Ljungkvist, Marlene Melchoir, Lea Moro, Ania Nowak, Julia Rodriguez, Verena Sepp.
Technischer Direktor: Max Stelzl
Produktion: Annegret Schalke und Sheena McGrandles

AUS ZUCHT - HZT Berlin Arbeiten in Amsterdam wird produziert vom HZT Berlin und unterstützt von der SNDO Amsterdam und dem Het Veem Theater.

 

09.07.2014 I 18 UHR I MA SODA LECTURE I OLIVER MARCHART: THE ART OF PRE-ENACTMENTS I STUDIO 9

©www.w-k.sbg.ac.at
>©www.w-k.sbg.ac.at

In diesem Vortrag spricht Oliver Marchart über „Die Kunst des Pre-Enactments“. Kürzlich ist ein neue Art der Darstellung als künstlerisches Sub-Genre zum allgegenwärtigen Genre des Re-Enactments in Erscheinung getreten: das Pre-Enactment. Der Vortrag wird das Thema des Performens - oder Vor-Performens - von politischen Ereignissen durch künstlerische Praktiken fokussieren. Er wird also Fragen der Probe, des Trainings, der Übung und der Antizipation berühren sowie das, was heutige politische Aktivisten „Vor-Figuration" nennen. Gemeint ist damit das Pre-Enactment im eigenen Aktivismus einer zukünftigen Gesellschaft, die man zu konstruieren wünscht. Während das, was einmal „die Zukunft" genannt wurde, durch das neoliberale Entsagungs-Regime ruiniert zu sein scheint, gibt es sie bei uns vielleicht noch in der Form des Pre-Enactments.

Oliver Marchart, geboren 1968, studierte Philosophie, politische Theorie und Diskursanalyse. Er promovierte 1999 in Philosophie in Wien zur Theorie und imaginären Kartographie von Kultur und Medien. 2003 folgte eine weitere Promotion in Philosophie in Essex zum Thema „Politics and the Political". Oliver Marchart leitete das Education Project der Documenta11 und arbeitete an Universitäten und Forschungseinrichtungen in Essex, Wien, Paris und Basel. 2006 erhielt er eine Professur an der Universität Luzern im Bereich der Soziologie. Seit 2012 ist er Professor für Soziologie an der Kunstakademie Düsseldorf. Seine Arbeitsschwerpunkte liegen im Bereich der Gesellschaftstheorie, der Politischen Theorie, der Kunst- und Kultursoziologie sowie der Politischen Soziologie und sozialen Bewegungsforschung.

Moderation: Boyan Manchev

Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

15.-16.07.2014 I SODA 3RD SEMESTER RESEARCH PRESENTATIONS I STUDIOS 8 UND 9

©HZT
>©HZT
Was ist mit Forschungspräsentationen gemeint, wenn es um angewandte Kunst geht? Wie kann das aussehen? Für wen und wofür ist das gut?

Über die zwei Jahre des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship (SODA) sollen unsere Studierenden Antworten auf diese Fragen finden, mithilfe spezifischer Übungen und Arbeiten. Wie kann angewandte Kunst als Wissen verstanden werden und wie kann der Wissenserwerb gezeigt und in einen Diskurs eingebracht werden? Durch welche Mittel können Lernprozess und Wissenserwerb sichtbar gemacht werden? Kurz gesagt: Wie lernen die Studierenden, was sie lernen?

Während der zwei Abende stellen die Studierenden ihre Forschungsprozesse in performativen Formaten und in Form eines „artist workbook" vor und geben einen Ausblick auf ihre Abschlussarbeit im folgenden Semester. Zu verfolgen sind Performances, Diskussionen, Installationen und mehr.

Showings 15.07.2014:

Yusuke Kimura

18:00 Uhr, Studio 8

Helena Botto
19:10 Uhr, Studio 9

David Pollmann
20:20 Uhr, studio 8

Showings 16.07.2014:

Rodrigo Garcia Alves

17:00 Uhr, Studio 9

Ixchel Mendoza
18:10 Uhr, Studio 8

Kyla Kegler
19:20 Uhr, Studio 9

Andre Uerba
20:30 Uhr, Studio 8

Die Platzzahl ist begrenzt auf 60 Personen. 
Eine Liste zur Anmeldung wird 30 Minuten vor jeder Präsentation an der Tür ausliegen.
Eintritt frei I Studios 8 und 9

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

19.07.2014 I UDK RUNDGANG I BEWEGUNGSWORKSHOP I STUDIOSHOWINGS

©UdK Berlin
>©UdK Berlin

Studio 9 | 16:00 - 17:30 Uhr
Im Studio 9 des HZT Berlin laden wir ein zu einem „Bewegungsworkshop für alle“ mit Neugier und Interesse an Bewegung und Choreographie. Angeleitet wird der Workshop von Jenni Ramsperger, Studentin im Masterstudiengang „Choreographie“ und Britta Wirthmüller, künstlerische Mitarbeiterin im Bachelorstudiengang „Tanz, Kontext, Choreographie“. Tänzerische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Bitte bringen Sie bequeme Kleidung mit.

Studio 11 | 18:00 - 19:00 Uhr
Im Anschluss gibt es Studioshowings von Studierenden des BA „Tanz, Kontext, Choreographie“. Ein Schwerpunkt aller Studiengänge am HZT Berlin ist die Entwicklung eigener choreographisch-künstlerischer Arbeiten. In diesem Format zeigen Studierende kurze choreographische Stücke und Skizzen als „work in progress“.

Bling bling recycling collective „Arriving on time", mit: Anna Lena Lehr, Tabea Magyar, Emma Tricard
Ellinor Ljungkvist „untitled“
Mira Hirtz „Bounce it, Baby!”, mit: Frederike Doffin, Mira Hirtz

Im Rahmen des Programms Open Spaces#1 der Tanzfabrik Berlin ist in den Uferstudios außerdem zu sehen:

„The Iliad", 19:00 Uhr, ein Stück von Felix Ott, Absolvent des BA-Pilotstudiengangs am HZT Berlin (auch am 17.7.)
„niemandszeit”, 20:30 Uhr, ein Stück von deufert&plischke, langjährige Gastprofessoren am HZT (auch am 17. & 18.7.)

Eintritt frei.

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

PROGRAMM 1 | 11.07.2014 UM 19 UHR | STUDIO 14

Adriano Wilfert Jensen: Spending Time With Dinosaurs ©Adriano Wilfert Jensen
>Adriano Wilfert Jensen: Spending Time With Dinosaurs ©Adriano Wilfert Jensen

Clara Saito: # 3, variation 1, 30 mn

Chaos starb nie. Chaos kommt vor allen Prinzipen der Ordnung und der Entropie. Es ist weder ein Gott noch eine Made. Seine idiotischen Wünsche definieren jede mögliche Choreographie, alle bedeutungslosen Äther und Phlogistone: seine Masken sind Kristallisationen seiner eigenen Gesichtslosigkeit, wie Wolken. Alles in der Natur ist real, auch das Bewusstsein. Es gibt absolut keinen Grund, sich Sorgen zu machen. Nicht nur wurden die Ketten des Gesetzes gebrochen, es gab sie nie. Nein, hör zu, was passiert ist, ist folgendes: Sie haben dich angelogen, verkauften dir Ideen von Gut und Böse, gaben dir Misstrauen in deinen Körper und Scham für dein prophetenhaftes Chaos, erfanden ekelhafte Wörter für deine molekulare Liebe, hypnotisierten dich mit Unaufmerksamkeit, langweilten dich mit Zivilisation und all ihren wuchernden Emotionen. Es gibt kein Werden, keine Revolution, keinen Kampf, keinen Weg.

Choreographie und Konzept: Clara Saito

Yui Nakagami: Weaverbird

Stille schmerzhaft Brise Schritt „Nein“ Umarmung zusammen grau Rhythmus Schokolade Distanz sanft Sicherheit Partner zwischen Floß Zuhause Wand Tick-Tack Abenteuer Liebe Mix

Handeln und empfangen, führen und folgen, sprechen und zuhören, positiver und negativer Raum... Sie alle funktionieren nicht nur einseitig, sondern haben einen synergetischen Effekt.

Performance: Louis Vanhaverbeke, Yui Nakagami
Beratung: Ria Higler

Ana Romih: MARRY-GO-‘ROUND

Es gibt Orte, an die wir gehen, und Menschen, die wir treffen, auf der Reise, die wir machen. Wir transformieren Geschichten und lagern Erinnerungen in unseren Köpfen und unseren Körpern. Jeden einzelnen Moment wählen wir unseren Fokus. ...und mein Körper gehört mir nicht. Es gibt Geister in mir drin, die mich leiten, die mir sagen, welchen Weg ich gehen soll, wo ich anhalten soll und wen ich unterwegs auf diesen amüsanten Ritt einladen soll.

Choreographie und Performance: Ana Romih
Beratung: Matej Kejzar

Dank an: Matej, das Team und die Liebe

- - - Pause - - -

Simon Asencio: Jessica!

Jessica vereint all diese Charaktere, die in jeder anderen Geschichte spielen könnten.
Jessica ist diese Person in all den Roy Anderson Filmen. Sie ist da, aber abseits: sie erscheint hinter dem Fenster, im Flur oder im Hintergrund. Sie ist immer Teil des gesamten Bildes, man kennt sie, aber keiner weiß wirklich, wer sie ist und was sie hier macht.

Beratung: Krõõt Juurak

Adriano Wilfert Jensen: Spending Time With Dinosaurs

„Agenten in einem metaphysischen Labor. Wir springen von den Wänden wie Bälle in einem Computerspiel, kommen nie irgendwo an, verlieren und gewinnen nie einen Impuls. Wir bewegen uns konstant, geleitet von einer Macht, die wir intellektuell nicht greifen können. Es gibt keinen Kampf und keine Emotionen. Dunkelheit und Licht beeinflussen uns nicht. Unsere Bedürfnisse sind ursprünglich, aber fremd.“
- Sandra Lolax in Spending Time With Dinosaurs

Choreographie: Dinosaurs Dance
Produktion und PR-Management: Emma Daniel und Adriano Wilfert Jensen
Coaching: Krööt Juurak

PROGRAMM 2 | 12.07.2014 UM 19 UHR | STUDIO 14

Louis Vanhaverbeke and Luca Hillen: KNOWING WHAT YOU DON'T WANT ©Louis Vanhaverbeke
>Louis Vanhaverbeke and Luca Hillen: KNOWING WHAT YOU DON'T WANT ©Louis Vanhaverbeke

Matias Daporta: A documentary theatre performance

Wir, echte Menschen, peformen den Moment und schlagen eine Fiktion über eine soziale Fktion in einem fiktionalen Kontext vor, um die Realität jedes einzelnen Elements zu reflektieren. 

Matias Daporta und Esther Arribas mit Maciej Sado
Beratung: Deniz Buga
Danke an Nico für die Einsatz zu Beginn und an Maria für den Einsatz im Video.

Maria Peralta: HIP HOP

Der Wille, Tanz zu produzieren, ist der fundamentale Antrieb von HIP HOP. Der Tanz wird angeregt durch Bewegungen, die in Beziehungen stehen. Der ganze Körper, Raum und Zeit werden in der Darstellung als Bewegung verstanden. Das Zusammenspiel von physischer Bewegung des Körpers und der unsichtbaren Bewegung von Gedanken, Vorstellung, Aufmerksamkeit und Perzeption definiert das finale Resultat des Tanzes.

- - - Pause - - -

Louis Vanhaverbeke and Luca Hillen: KNOWING WHAT YOU DON'T WANT

Der Verstand ist ein Teiler. Entweder dafür oder dagegen.
Die unvorhersehbare Natur des Verstandes macht das Leben zu einem Spiel. Ständig gewinnen und verlieren wir.

Louis Vanhaverbeke (SNDO) und Luca Hillen (Mime) trafen sich in der Theaterschool Amsterdam. Sie teilen ein Interesse für spezifische Bewusstseinstrainings. Dadurch erforschen sie Bewegung, die Idee des „Raumes“ und fragen sich, was „ein Publikum“ sein könnte...

Simon Asencio: Jessica!

Jessica vereint all diese Charaktere, die in jeder anderen Geschichte spielen könnten.
Jessica ist diese Person in all den Roy Anderson Filmen. Sie ist da, aber abseits: sie erscheint hinter dem Fenster, im Flur oder im Hintergrund. Sie ist immer Teil des gesamten Bildes, man kennt sie, aber keiner weiß wirklich, wer sie ist und was sie hier macht.

Beratung: Krõõt Juurak

Nicolás F. Rosés Ponce: O MEGA MANTRA

„O Mega Mantra" entdeckt die starke Verbindung zwischen Tänzer und Musik, eine primitive Beziehung zwischen Bewegung und Klang. Die Existenz beider Dinge im selben Raum lässt eine Beziehung entstehen. Der Körper transformiert sich selbst in ein Instrument, welches uns ermöglicht, Klang zu sehen und Bewegung zu hören. Das Stück wählt eine traditionelle Form mit der Möglichkeit spontaner Elemente in diesen komplexen Bewegungen. Die Macht, rein physische Aktionen in intellektuelle und ästhetische Werte zu übertragen. Das Publikum wird durch verschiedene Landschaften und Emotionen geführt.

Tänzer: Nicolás F. Rosés Ponce
Musik von Mountain

11.-12.07.2014 I 19 UHR I SNDO PERFORMANCES: PURE AND INSIGNIFICANT (HORSE) I STUDIO 14

©SNDO
>©SNDO

Die Absolventinnen und Absolventen der School for New Dance Development Amsterdam sind zu Gast am HZT Berlin. Wie bereits in den vergangenen Jahren stellen sie ihre Abschlussarbeiten an zwei Abenden in zwei unterschiedlichen Programmen dem Berliner Publikum vor. Im Gegenzug werden dann die diesjährigen Absolventinnen und Absolventen des BA Tanz, Kontext, Choreographie im September unter dem Titel „AUS ZUCHT - HZT works in Amsterdam" im Het Veem Theater ihre Arbeiten präsentieren.

 

Programm 1 am 11.07. um 19 Uhr:

 Clara Saito: # 3, variation 1, 30 mn

 Yui Nakagami: Weaverbird

 Ana Romih: MARRY-GO-‘ROUND

- - - Pause - - -

Simon Asencio: Jessica!

Adriano Wilfert Jensen: Spending Time With Dinosaurs

 

Programm 2 am 12.07. um 19 Uhr:

Matias Daporta: A documentary theatre performance

Maria Peralta: HIP HOP

- - - Pause - - -

Louis Vanhaverbeke: KNOWING WHAT YOU DON'T WANT

Simon Asencio: Jessica!

Nicolás F. Rosés Ponce: O MEGA MANTRA

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen


Eintritt: 4 Euro I Studio 14

Reservierungen: Ticketreservierungen bis 1 Tag vor der Vorstellung. Bitte geben Sie den Tag der Vorstellung an: tickets@hzt-berlin.de Tickets auch an der Abendkasse.

 

27.-31.08.2014 I 8. TANZNACHT BERLIN I UFERSTUDIOS

©Tanzfabrik Berlin
>©Tanzfabrik Berlin

Die 8. Tanznacht Berlin, veranstaltet von der Tanzfabrik Berlin, präsentiert in den Uferstudios und in der Galerie Patrick Ebensperger die vielfältige zeitgenössische Tanzszene der Hauptstadt mit 100 Künstlern und Künstlerinnen in 30 Tanzaufführungen, Performances, Videoinstallationen und Artistic Practices. Thematisch fokussiert die künstlerische Leiterin Heike Albrecht auf das Verhältnis des zeitgenössischen Tanzes zu seinen Traditionen und kulturellen Signaturen und auf das Sichtbarmachen der Bezüge von in Berlin lebenden internationalen Choreografen und Choreografinnen zu ihrer Herkunft.

Auch Studierende und AbsolventInnen des HZT Berlin sind mit eigenen Arbeiten bei der Tanznacht vertreten oder wirken als Performer_Innen, Ko-Autoren_innen oder Berater_innen bei den Stücken von Künstlerkollegen_innen mit. 

VIDEOS UND FILME

Von Agata Siniarska werden Videos aus der Reihe „Those three little words“ zu sehen sein, an der sie gemeinsam mit Diego Agulló seit 2012 arbeitet. (28. – 31.08.2014) *** „Spectators 2.0” von speechproject ist eine kollektive Videoarbeit, in der sich Felix M. Ott und Camille Louis die Frage stellen: Was kann man heute noch mit und auf einer Bühne tun? Beteiligt war u.a. auch Ehud Darash. (28.-31.08.2014) *** Auch in der Galerie Patrick Ebensperger werden Videoarbeiten zu sehen sein, u.a. „Shifting the burden”, eine Zusammenarbeit der Choreografin An Kaler und der Videokünstlerin Anne Quirynen, in der sie mit den Medien Malerei, Videokunst und Choreografie die Wahrnehmung von Bewegung untersuchen. (27. - 31.08.2014) ***

PERFORMANCES

28.08.2014

Juan Gabriel Harcha wird zwei Projekte präsentieren: Das Solo „Angela Loji“, in dem er sich selbst als Exoten, explizit ‚Anderen’ inszeniert und „Tulle Labyrinth“, in dem er das ebenso stabile wie fragile Material Tüll choreografisch untersucht. (28.08.2014, 17:00 Uhr) *** Mit ihrer neuen Arbeit „Where is the Zombie?“ Episode 2 widmet sich Dragana Bulut den Strategien des Überlebens und der Flucht. Mitarbeit u.a. Ana Monteiro. (28.08.2014, 20:00 Uhr) *** 

29.08.2014

Raphael Hillebrandt bietet in DIALOGIC MOVEMENT gemeinsam mit Niels `Storm’ Robitzky und Louise Wagner ein Forum für zeitgenössische Urbane Kultur. (29.08.2014, 20:30 Uhr). Außerdem ist er als choreographischer Mitarbeiter und Tänzer an Krump'N'Break Release der Company shifts - art in movement beteiligt. (29.08.2014, 19:00 Uhr) ***

30.08.2014

In seinem Solo „Monumental" erkundet Martin Hansen ausgehend von der Begegnung mit Anna Pavlovas bahnbrechendem Solo „Der sterbende Schwan“ von 1905 die Spannung zwischen der Erzeugung von Authentizität und Identität, zwischen Historie und Zeitgenossenschaft. (30.08.2014, 16:15 Uhr) *** In ihrem Solo „GLAND - The marginal Sculptures of Newtopia“ verkehrt Kat Válastur Bekanntes in Unbekanntes und stellt die Wahrnehmung immer wieder vor neue Herausforderungen. Es assistierte Ania Nowak. (30.08.2014, 17:00 Uhr) *** Tian Rotteveel untersucht in seiner neuen Arbeit „Hardcore" Prozesse von Bewegung und Sound, die sich allmählich zu einem Konzert entwickeln. (30.08.2014, 20:00 Uhr) *** Nils Ulber wirkt als Performer in Begüm Erciyas Stück HYPNOSIS mit. (30.08.2014, 18:30 Uhr und 31.08.2014, 17:00 Uhr). *** Mirko Winkel wirkt mit als Creative Consultant bei Christoph Winklers „Dance is not enough - Das wahre Gesicht“ (30.08.2014, 20:00 Uhr) *** Asaf Ahronson, Evamaria Bakardjiev und Sonja Pregrad tanzen in Frédéric Gies’ Gesellschaftstanz der Zukunft „Seven Thirty in Tights“ (30.08.2014, 21:30 Uhr). *** Sergiu Matis bringt bei der Tanznacht „Fake - the real deal“ zur Premiere; eine installative Arbeit, die in einem „Darkroom“ spekulative Szenarien unserer unmittelbaren Zukunft und des Tanzes entwirft. Als Performerin beteiligt ist u.a. Celine Cartillier. (30.08.2014, 22:30 Uhr) ***

31.08.2014

Alexandre Achour präsentiert „This isn't gonna end well“, eine Arbeit, in der er mittels Stop-Motion-Techniken die Tänzer als animierte, zweidimensionale Bilder erscheinen lässt und ein Spiel mit fiktionalen und realen Körpern inszeniert. Mitgearbeitet hat u.a. Sonja Pregrad. (31.08.2014, 18:30 Uhr) ***

Mehr Informationen hier

18.06.14 I 18 Uhr I 
Antonia Baehr und Freund_innen: Buchpräsentation und Sneak-Preview I Studio 11

©Antonia Baehr
>©Antonia Baehr

Die Veröffentlichung des Buchs „Abecedarium Bestiarium – Portraits of affinities in animal metaphors“ von Antonia Baehr und Freund_innen wird gefeiert. Gastgeber ist das HZT, an dem die Künstlerinnen Antonia Baehr, Steffi Weismann und Isabell Spengler, die auch Beiträge zum Buch gestaltet haben, im Sommersemester Lehraufträge wahrnehmen. Die Vorstellung des Buches findet zeitgleich zu ihrem Workshop am HZT statt, ist aber thematisch eigenständig. Ein Gespräch zwischen Antonia Baehr und Franz Anton Cramer gibt Einblicke in den Zusammenhang von choreographischer Arbeit und Dokumentation, über Scores, Partituren und Verschiebungen von Autorschaft. Anschließend werden Exemplare des Buches signiert. Auch werden die originalen Titelblattradierungen und -zeichnungen der Illustrationen ausgestellt.


Im Anschluss gibt es eine Sneak-Preview des 2014 entstandenen Films „Inside the Tiger“ von Steffi Weismann, Isabell Spengler, Georg Klein, Sigrid Keil und Antonia Baehr. „Inside the Tiger“ ist eine Dokumentation des „Tasmanian Tiger Immersive Self-Therapy Program (TTIST)“, in dem TeilnehmerInnen die Möglichkeit erhalten ein Kostüm anzuziehen und so zum 1936 ausgestorbenen Tasmanischen Tiger zu werden. Das Filmprojekt ist inspiriert durch Steffi Weismanns Partitur „T is for Tasmanian Tiger", geschrieben für Antonia Baehrs Stück „Abecedarium Bestiarium“. 

Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt. Eintritt frei.

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

24.06.14 | 18 UHR | MA SODA LECTURE: NICHOLAS RIDOUT: SCENES FROM BOURGEOIS LIFE | STUDIO 9

©www.raumideen.org
>©www.raumideen.org

Das heutige Bürgertum spielt einige seiner wichtigsten Szenen im Wohnzimmer, immer ausgestattet mit einem Bildschirm. Dieser Vortrag versucht herauszustellen, dass diese Szene eine Geschichte hat, die 300 Jahre zurück reicht: zu einem Theater, ausgerichtet auf eine neue soziale Klasse, deren Reichtum und Unterhaltung auf kolonialer Enteignung beruhten.


Nicholas Ridout ist Professor im Studiengang „Theatre and Performance Studies” im Department of Drama an der Queen Mary University of London. Er ist Autor der Publikationen „Stage Fright, Animals and Other Theatrical Problems” (2006), „Theatre & Ethics” (2009) und „Passionate Amateurs: Theatre, Communism and Love” (2013). Gemeinsam mit Joe Kelleher hat er die Publikation „Contemporary Theatres in Europe” (2006) herausgegeben. Zudem ist er zusammen mit Chiara Guidi, Claudia Castellucci and Romeo Castellucci Co-Autor des Buches „The Theatre of Societas Raffaello Sanzio” (2007).

Moderation: Boyan Manchev

Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

23.06.14 - 06.07.14 | MAC 2014 - ABSCHLUSSARBEITEN MA CHOREOGRAPHIE

©Andre Wunstorf
>©Andre Wunstorf

Die Studierenden des Masterstudiengangs Choreographie (MAC) laden Sie und Euch herzlich zu den Präsentationen ihrer Abschlussarbeiten ein. Pro Abend zeigen jeweils zwei Studierende ihre Stücke. 

Mit Ausnahme der Choreographie von Matteo Marziano Graziano finden alle Veranstaltungen in den Uferstudios (Uferstr. 23, Studio 14, 13357 Berlin-Wedding) statt, gut zu erreichen über die U-Bahnhöfe U8 Pankstraße und U9 Nauener Platz. Das Programm beginnt um 19:30, Karten für die Performances in den Uferstudios kosten 4 Euro pro Abend. Reservierungen sind nicht möglich, die Abendkasse öffnet ab 19 Uhr. Für die Veranstaltung von Matteo Marziano Graziano finden Sie alle Informationen weiter unten.

Programm

Uferstudios:
23./24.06. um 19:30 Uhr:
Steffi Semdner: Mund
Karina Suárez Bosche: Grau

29./30.06. um 19:30 Uhr
Raphael Hillebrand 'POW 2045' - Proximity of self and machine
Jascha Viehstädt: N

04./05.07. um 19:30 Uhr
Rosalind Goldberg: Jump with me!
Polyxeni Angelidou: Co-

TAK Theater Aufbau Kreuzberg:
02./03./06.07. um 21:30 Uhr
Matteo Marziano Graziano: Orbis Tertius

 

23./24.06.14 | 19:30 UHR | STEFFI SEMBDNER: MUND | STUDIO 14

©Matthias Erfurt
>©Matthias Erfurt

"Mund“ ist ein Stück über den nie enden wollenden Versuch, eine Sprache des Körpers zu entwickeln, die sichtbar macht, was unsichtbar ist. Es ist eine existenzialistische Untersuchung von Körper und Raum. In "Mund“ stellen sich drei Performer dem Versuch, mit dem Körper einen Raum und mit dem Raum einen Körper zu beschreiben.

Konzept: Steffi Sembdner, Cecilia Tselepidi, Andrea Steves
Choreographie: Steffi Sembdner 
Bühnenbild/Lichtdesign: Cecilia Tselepidi
Komposition/Soundkreation: Andrea Steves
Tanz/Choreographische Mitarbeit: Laressa Dickey, Jacques André Dupont, Barbara Berti

Kostümdesign: Katrin Fürst

 

23./24.06.14 | 19:30 UHR | KARINA SUAREZ BOSCHE: GRAU | STUDIO 14

©Karina Suárez Bosche
>©Karina Suárez Bosche

Grau. Der tägliche Kampf gegen das Grau. Eine farblose Farbe, die die Emotionen zudeckt. Diese Menschen, die uns nicht mehr direkt in die Augen sehen, die nichts mehr sehen. Schnell, nur schnell laufen, Zeit sparen, Zeit stehlen. Doch dann: tief atmen, stehen bleiben, lauschen, langsam gehen, die Stille nicht mehr fürchten, das Grau mit dem Tanz besiegen. Ein Kampf gegen dieses Grau, das in uns allen steckt. Inspiriert durch die grauen Herren von Michael Ende und unser gegenwärtiges Leben. 

Konzept/Choreographie: Karina Suárez Bosche
Performer: Carolina Bavio, Thea Faerden Bringsvaerd, Daniela Fuentes Marín, Bernhard Richarz
Sound/Performance: Wu Yunpei
Bühnenbild: Cheng Ting Chen
Licht: Catalina Fernandez
Kostüm: Vera Römer

 

29./30.06.14 | 19:30 UHR | RAPHAEL HILLEBRAND: ‘POW 2045’ – PROXIMITY OF SELF AND MACHINE | STUDIO 14

©Raphael Hillebrand
>©Raphael Hillebrand

Mensch – Maschine – wer gibt hier den Rhythmus vor? Inspiriert von der Ästhetik des Bauhauses und Oskar Schlemmers Stäbetanz greifen die beiden urbanen Tänzer die Technikbegeisterung der frühen Moderne auf. Rhythmus, Beschleunigung, Stille, Kontrolle, Bewegung - Was führt? Wer programmiert hier wen? Bis zum Jahr 2045 fusionieren Mensch und Maschine zu einem transhumanistischem Körper, welcher die Grenzen von Leib und System aufzulösen scheint.

Choreographie: Raphael Hillebrand
Tanz: Christian Mio Loclair, Raphael Hillebrand
Projektion: Christian Mio Loclair
Musik: kling klang klong
Bühnenbild: Janja Valjarevic

 

29./30.06.14 | 19:30 UHR | JASCHA VIEHSTÄDT: N | STUDIO 14

©Jascha Viehstädt
>©Jascha Viehstädt

Nacht, Nacktheit und Comics. Bilder von nackten, zerfließenden Körpern auf glänzenden Oberflächen. Uns stellt sich die Frage, wie es sich innerhalb eines hypersexualisierten Erwachsenseins nackt sein lässt. Oder ob die Kleidung des modernen Menschen seine eigentliche Freiheit ist. Ein beherztes Tanzstück entlang der im Comic verwurzelten Koexistenz von erwachsenem Erzählen und kindlich-kraftvoller Naivität. Es will sich durch erschöpfende Proben und viel Schweiß das Recht erwirken, schamlos sein zu dürfen.

Tanz: David Vossen, Philipp van der Heijden
Bühne/Kostüm: Hou Hsiu-Ying
Gitarre: Tobias Hanel
Dramaturgie/Dokumentation: Signe Koefoed, Balz Isler
Choreographie/Konzept: Jascha Viehstädt

 

02./03./06.07.14 | 21:30 UHR | MATTEO MARZIANO GRAZIANO: ORBIS TERTIUS | TAK THEATER AUFBAU KREUZBERG

©Matteo Marziano Graziano
>©Matteo Marziano Graziano

„Orbis Tertius“ ist eine „Kunst der Anordnung“ einer Konspiration von Künstlern unter Leitung von Matteo Marziano Graziano und inspiriert durch die Kurzgeschichte „Tlön, Uqbar, Orbis Tertius“ des argentinischen Schriftstellers Jorge Luis Borges. Eine choreografierte Reise durch das Aufbau-Haus am Moritzplatz. Tanz trifft Baukunst, Töne werden Konstruktion. Deine Persönlichkeit ist kein Zustand, sondern Handeln.

mit: Matteo Marziano Graziano, Adela Bravo Sauras, Benedetta Baiocchi, Laurent Pellissier, Francesco Cavaliere, Danielle Fagen, Johannes Weiss, Hannes Oppermann, Marc Philipp Gabriel, TanzZeit-Jugendcompany, Juan Benito Corres, Tarren Johnson, Judith Seither, Andrea Parolin u.a. Bühne: Adela Bravo Sauras, Danielle Fagen
Art Direction: Laurent Pellissier
Kostüm: Benedetta Baiocchi
Sound: Francesco Cavaliere, Johannes Weiss
Dramaturgie: Hannes Oppermann
Konzept/Choreographie: Matteo Graziano * CASA MARZIANO
Mit freundlicher Unterstützung von: TAK Theater am Aufbau Haus, Modulor Material Total, couturereal, Just Music, PRINCE CHARLES, Tuschkasten e.V., Aufbau Haus
www.orbistertius.de

Die Veranstaltung findet im TAK Theater Aufbau Kreuzberg (Prinzenstr. 85 F, 10969 Berlin-Kreuzberg) statt, gut zu erreichen über den U-Bahnhof U8 Moritzplatz. Karten kosten 10 Euro, erm. 7 Euro. Reservierung unter Tel. 030 343 912 91 und karten@tak-berlin.de.

 

04./05.07.14 | 19:30 UHR | ROSALIND GOLDBERG: JUMP WITH ME! | STUDIO 14

Jump with me! ist eine Arbeit für drei Performer. Es geht darum, zusammen zu sein, indem man zusammen springt. In Jump with me! ersetzt das Springen die Sprache. Der Sprung ist das einzige Ausdrucksmittel, das während der Aufführung benützt wird, die einzige Handlung und auch das einzige Instrument, um zusammen zu sein. In dieser Arbeit interessiert sich Goldberg für die Entstehung von Beziehungen als Phänomen. Es ist ein Abend, an dem Beziehungen erlebt und visualisiert werden. 

Konzept/Choreographie: Rosalind Goldberg
Tänzer: Anne-Mareike Hess, Søren Linding Urup
Licht-Design: Sandra Blatterer 
Musikalische Beratung: Wanja Slavin
Outside eye: Enrico Ticconi 
Fitness-Berater: Malin Träff

 

04./05.07.14 | 19:30 UHR | POLYXENI ANGELIDOU: CO- | STUDIO 14

©Polyxeni Angelidou
>©Polyxeni Angelidou

Co- ist ein Laboratorium für menschliche Interaktion. Wir versuchen, zu sehen, was von außen nicht sichtbar ist. Wir untersuchen die unsichtbaren Verbindungslinien der Menschen in Bezug auf Timing, Koinzidenz, Aktion, Reaktion und Wirkungspotential. Es gibt nicht nur eine Perspektive. 

Choreographie: Polyxeni Angelidou
Performance: Andrea Krohn, Susanne Eder, Mab Cardoso, Antonio Onio, Salvatore Siciliano, Klaus Bitto, Alexandra Bódi
Bühne: Michaela Muchina
Kostüm: Kunji Baerwald
Sound: Felipe Sanchez Luna
Unterstützt durch IKY – Staatliche Stipendienstiftung Griechenlands.

24.05. I 18-20 UHR I AREAL_ARTISTIC RESEARCH LAB_OPEN STUDIO I STUDIO 11

 

AREAL (Artistic Research Lab) ist eine Initiative von derzeit 11 KünstlerInnen, die sich mit künstlerischer Forschung, insbesondere mit bewegungs- und wahrnehmungsorientierten Arbeitsansätzen im Bereich Tanz und Performance auseinandersetzen. Die Mitglieder leben in Berlin, einige von ihnen machen einen PhD an verschiedenen europäischen Hochschulen. AREAL bietet einen Kontext, sich mit KollegInnen in Berlin regelmäßig auszutauschen, sich gegenseitig zu unterstützen, zu inspirieren und zu befragen.

 

Regelmäßig werden Open Studios veranstaltet, bei denen AREAL-Mitglieder ihre Arbeitsprozesse für ein Publikum praktisch erfahrbar machen und zur Diskussion einladen. Das Open Studio am 24. Mai ist eine Kooperation von AREAL mit HZT Berlin und Tanzfabrik Berlin.

 

paces & traces - choreographic research on walking mit Katja Münker & KollegInnen

 

In diesem Open Studio gibt Katja Münker Einblicke in ihre aktuellen Studien von kompositorischen Grundbegriffen im Akt des Gehens anhand von praktischen Experimenten und Scores. Im Vordergrund stehen: Rhythmen, Geschwindigkeiten, Raumwege und Richtungen. Ihr Interesse gilt dabei besonders den Fragen, wie eine so repetitive, simple und relativ gleichförmige Bewegung wie das Gehen unterschiedliche Körperlichkeiten und damit einhergehend unterschiedliche Erfahrungen hervorbringen kann, wenn sich die oben genannten Grundgrößen ändern, und wie (Selbst-)Organisation in kollektiven Gehsituationen geschieht. Daran anknüpfend wird sie mit ihren KollegInnen ihre Arbeit reflektieren und zur Diskussion stellen.

 

Katja Münker, Tänzerin/Choreographin/Feldenkrais-Practitioner (Berlin) entwickelt seit 2010 choreographische Forschungs- und Performance-Arbeiten zum Thema Gehen. Bisherige Projekte und Formate umfassen Workshops, Performances, Installationen, Konferenzbeiträge und Spaziergänge, siehe auch: www.movement-muenker.de/ und www.kunst-im-gehen.de/

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 

BA Views on Dance 2014

©motionbank.org
>©motionbank.org

Jonathan Burrows im Gespräch mit Nik Haffner

7. Mai 2014 I 18 - 19 Uhr I Studio 11


In dieser Ausgabe von „Views on Dance“ spricht Nik Haffner mit dem Choreographen Jonathan Burrows, der im Sommersemester im Bachelorstudiengang unterrichtet. Themen dieser Unterhaltung sind die künstlerische Arbeit von Jonathan Burrows, sein Interesse am Thema Mentorenschaft sowie seine Arbeit als Kurator für das Festival Dance Umbrella in London. Nik Haffner wird auch Ausschnitte des ‚Seven Duets‘ Projekts von Jonathan Burrows und Matteo Fargion zeigen, das als Teil der Motion Bank Online Score Publikation entstanden ist.

 

Eintritt frei

 

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA Lecture I Sommersemester 2014

© HZT
>© HZT

In diesem Sommersemester thematisiert die SODA Lecture-Reihe erneut die Frage nach dem Subjekt in Beziehung zu choreographischer und zeitgenössischer künstlerischer Praxis allgemein. Die Frage nach dem Subjekt ist heute wieder ein zentraler Aspekt der philosophischen, künstlerischen und kritisch-politischen Diskurse; deshalb bildet sie den Ausgangspunkt, sich mit den drei zentralen Begriffen des SODA-Studiengangs – Solo, Tanz, Autorschaft – zu befassen.

14.05. I 18 Uhr I Studio 9
Boyan Manchev: Labour, Production and Creation in Contemporary Art. Creative Subjects vs. Subject of Creation


In seinem Einführungsvortrag wird Boyan Manchev die Frage nach der Subjektivität mit der Frage nach dem Werk in Beziehung setzen und versuchen, eine Alternative zu der radikalen Kritik am Begriff des Subjekts im letzten Jahrhundert vorzuschlagen: Was wir nach dem „Tod des Subjekts” brauchen, ist nichts anderes als eine emanzipierte Subjektivität als Wirkungskraft von Transformation und Gerechtigkeit.

 

Eintritt frei

 


21.05 I 18 Uhr I Studio 9
Ric Allsopp: Ric Allsopp: 'On the Page: modalities and subjectivities of writing as practice-based performance research’


„On the Page“ fokussiert darauf, wie die Buchseite nicht nur als Ort für verschiedene Formen von Performance genutzt wurde, sondern auch für die „Materialisierung des Denkens“ und neue Subjektivitäten im Verhältnis zu den Praktiken der Performance. Bezugnehmend auf neue (und nicht so neue) Ausgaben des Journals Performance Research untersucht der Vortrag Beziehungen zwischen Verfahren und Subjekten des Schreibens (kritischen, subjektiven, poetischen, beschreibenden und dokumentierenden) und Formen von Performance, die sowohl Buchseiten- als auch Bildschirm-basierte Modalitäten von ‚practice-based performance research‘ verbinden können.

Ric Allsopp ist derzeit Professor für Zeitgenössische Performance und Leiter der Abteilung Tanz & Choreographie an der Universität Falmouth, UK. Er ist Mitbegründer und Mitherausgeber des internationalen Journals Performance Research.

 

Eintritt frei


 

28.05. I 18 Uhr I Studio 9
Franz Anton Cramer: “Documenting Performance-Based Art: New Ontologies of The Artefact?”


Wenn es lange Zeit ein völlig unhinterfragtes Postulat war, Tanz als Kunstform über die Flüchtigkeit und Nicht-Reproduzierbarkeit zu begreifen, stehen sowohl historische wie zeitgenössische Versuche, dieser ontologischen Zuweisung zu widersagen, vor einer doppelten Herausforderung: die Wesensfrage umdrehen zu müssen und das Werkhafte des Tanzes gleichsam in andere Aggregatzustände zu transformieren.
Nur im Verständnis der kinetischen Eigenschaften des Archivs selbst ist es möglich, darüber Rechenschaft abzulegen, „was da ist“.
(in englischer Sprache)

Moderation: Boyan Manchev

Franz Anton Cramer ist Wissenschaftlicher Mitarbeiter am HZT Berlin. Von 2007 bis 2010 leitete er dort gemeinsam mit Gisela Müller und Boris Charmatz den Pilotstudiengang “Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie” (BA). Bis 2013 war er zudem Fellow am Collège international de philosophie in Paris.

 

Eintritt frei

 

 

Weitere SODA Lectures im Sommersemester:
24.06. I 18 Uhr I Nicholas Ridout
9.07. I 18 Uhr I Oliver Marchart

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

BA Festival IN ZUCHT

IN ZUCHT 2014
>IN ZUCHT 2014

IN ZUCHT Festival 2014 - die 4te Ausgabe des selbstorganisierten Festivals der Studierenden des Bachelorstudiengangs „Tanz, Kontext, Choreographie“ am HZT Berlin.

 

Das Festival wird kuratiert und veranstaltet von Studierenden aller drei Jahrgänge und involviert kollektive und individuelle Arbeiten in allen un/möglichen Formaten.

IN ZUCHT Festival experimentiert mit den Dimensionen des  f e s t i v a l s  und bespielt die Uferstudios in Wedding mit einem viertägigen Fest erweiterter Choreographie.

 

Vom 24.-27. April laden wir ein: zum IN ZUCHT Festival 2014 – damit aus Installationen, Essen, Aktionen, Works in Progress, Ausstellungen, Gesprächen, Bühnenstücken, Performances und Publikum ein Festival entsteht.

 

Eintritt frei – keine Reservierungen. Tickets 30 Minuten vor jedem Block an der Abendkasse. Für weitere Information und Details:

 

Programm

IN ZUCHT Festival Webseite

 

Maria Baroncea A certain togetherness - try-outs to be synchronized ©Marion Borriss
>Maria Baroncea A certain togetherness - try-outs to be synchronized ©Marion Borriss


Zur Zeit haben wir keine Veranstaltungen.

17.01.2014 I 18 Uhr I Feedback in künstlerischen Prozessen: DasArts & Design Thinking I Studio 11
©Thomas Plischke
>©Thomas Plischke

Präsentationen: Jörg Koslowsky: Design Thinking I Siegmar Zacharias: DasArts Methode
Gelebte Feedback-Kultur nimmt im künstlerischen Umfeld wie auch für die Gesellschaft allgemein einen immer wichtigeren Stellenwert ein. Die Wertschätzung von Feedback liegt bei Kunstschaffenden und -Studierenden gleichermaßen hoch. Wie lernen und erweitern wir die Möglichkeiten von Feedback in künstlerischen Prozessen? Wie sind Feedback-Methoden heute in der Kunstpraxis und im künstlerischen Studium verankert? Was könnten nächste Schritte in der Weiterentwicklung von Feedback sein? 

Vom 17.-19. Januar 2014 findet ein Labor zum Austausch von Feedback-Methoden, -Anwendungen und –Visionen statt, bestehend aus einer internen Arbeitsplattform und zwei öffentlichen Präsentationen (am 17.01. um 18 Uhr), die jeweils eine etablierte Feedback-Methode vorstellen: Siegmar Zacharias - DasArts Methode, Jörg Koslowsky - Design Thinking.


TeilnehmerInnen u.a.: Siegmar Zacharias, Jörg Koslowsky, Charlotte Vandevyver, Steve Purcell, Eva Meyer-Keller, Frank Bock, Dejan Srhoj, Nik Haffner, Frederik Le Roy und Inge Koks.

Das Recherche-Labor „Feedback in künstlerischen Prozessen” ist eine Zusammenarbeit zwischen Uferstudios GmbH und HZT Berlin. Die Veranstaltung findet statt im Rahmen des EU-Förder-Projektes: Life Long Burning – Modul Teachback. Life Long Burning (LLB) ist ein Projekt unterstützt durch das Kulturprogramm der Europäischen Union. www.lifelongburning.eu

 


Eintritt frei


Uferstudios, Uferstraße 23, 13557 BerlinU8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

SODA lecture series I 18 Uhr I Studio 9 I Uferstudios
©hagolani.com
>©hagolani.com

13.11.2013 I Joe Kelleher: 'Why doesn't he dig her out?': the ridiculous subject, the burning subject

In seinem Vortrag wird Joe Kelleher anhand einer kleinen Auswahl von Theater-, Choreographie- und Filmbeispielen über Fragen sprechen, die um das Bild der einen Person kreisen, die auftritt, um ‚allein’ zu performen. Wie ist beispielsweise der/die herausragende PerformerIn auch in soziale und historische Situationen eingebettet? Was könnte es bedeuten, Autor einer unwiderruflichen Aktion zu sein? Und welche Rolle können solche Aktionen in der Vorstellung von Zukunft spielen?

Moderation: Boyan Manchev

Professor Joe Kelleher leitet die Abteilung ‚Drama, Theatre and Performance’ an der Universität Roehampton (UK).



15.01.2014 I Boyan Manchev: Composition vs. Collaboration. Artistic Subjectivity and Collective Creation

In seinem Vortrag wird Boyan Manchev, Gastprofessor im Masterstudiengang Solo / Dance / Authorship, das Problem der Kooperation/Kollaboration aus zwei Perspektiven beleuchten, die durch die Notwendigkeit zweier wesentlicher Aspekte der kritischen Ontologie der Aktualität bestimmt sind. Diese sind die Frage nach Arbeit und die Frage nach der künstlerischen Subjektivität, die beide entscheidende Transformation durchlaufen. Es gibt keinen Zweifel, dass wir heute eine diskursive Fetischisierung der „Kollaboration“ erleben – man könnte sogar von einem „collaborative turn“ sprechen. Welches sind die Gründe hierfür?

 


Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13557 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

Views on Dance I Wintersemester 2013/14 I Uferstudios

Etienne-Jules Marey: High Jump, Juli 1886, Chronophotographie
>Etienne-Jules Marey: High Jump, Juli 1886, Chronophotographie

Auch dieses Semester teilen Künstler und Denker zu Gast im HZT ihre Perpektive auf Tanz. 

 

 

29.01.2014 I 18 Uhr I On choreography and its agency I Studio 11

Sandra Noeth im Gespräch mit Lina Saneh & Rabih Mroué

 

Bezugnehmend auf ihre individuellen künstlerischen und theoretischen Projekte geben Lina Saneh, Rabih Mroué und Sandra Noeth einen Einblick in ihre politischen und ästhetischen Ansätze. 

Sandra Noeth ist Tanzwissenschaftlerin, Kuratorin und derzeit Dramaturgin am tanzquartier Wien: im Januar gibt sie am HZT ein dreiwöchiges Blockseminar „Slow violence. On choreography and its agency“. Lina Saneh und Rabih Mroué sind Autoren, Regisseure, Schauspieler aus Beirut, leben derzeit in Berlin. Lina Saneh unterrichtete u.a. an der Université Saint-Joseph (USJ) in Beirut und an der Haute Ecole d'Art et de Design in Genf; 2009/10 war sie Fellow am International Research Centre „Interweaving Performance Cultures“ an der FU Berlin, wo Rabih Mroué 2012/13 ebenfalls ein Fellowship erhielt. Seine Installation „Double Shoot“ und die Lecture Performance „The pixelated revolution“ standen im Fokus auf der documenta13. In ihren gemeinsamen Performance-Arbeiten – u.a. Biokraphia, Photo-Romance, Who’s afraid of representation und zuletzt 33 rounds and a few seconds -, setzen sie sich u.a. mit Grenzen der Darstellbarkeit und der Konstruktion von Realität auseinander.

 

06.11.2013 I 18 Uhr I Open ended – some thoughts about the making of choreography I Studio 10

Gespräch zwischen Britta Wirthmüller und Carlos Oliveira

 

Anhand von Beispielen aus ihrer künstlerischen Praxis und Forschung sprechen Britta Wirthmüller und Carlos Manuel Oliveira über die Untrennbarkeit von Gewohnheit und Erleben, über das Nichtabbildbare und die Nichtreduzierbarkeit von Erfahrung und über Unvorherbestimmtheit und unprogrammierte Zeit in künstlerischen Prozessen.


Britta Wirthmüller, Tänzerin und Choreographin, ist künstlerische Mitarbeiterin am HZT Berlin; Carlos Manuel Oliveira, Absolvent des BA Tanz, Kontext, Choreographie macht derzeit seinen PhD in Digital Media an der UT Austin|Portugal International Collaboratory for Emerging Technologies, CoLab. und ist assoziierter Research Fellow am HZT Berlin.


Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13557 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

ACHT - Studierende des Master Choreographie zeigen ihre Semesterarbeiten 2013

Acht Studierende des MA Choreographie präsentieren ihre Semesterarbeiten. Wir laden Sie ganz herzlich zu vier Doppelabenden ein. Lassen Sie sich von den unterschiedlichen Handschriften und Kontexten der internationalen Tanzschaffenden begeistern.

 

ZUSÄTZLICHE AUFFÜHRUNGEN IM BAT AM:

 

31.10. & 01.11.2013

„Zelten" Jenni Ramsperger

in / the / back / effect / no / words / hearing" Karina Suárez-Bosche


14.11. & 15.11. & 16.11.2013

„Mein Fell" Steffi Sembdner

Analog Voids: Reloaded" Matteo Graziano

 

22.11. & 23.11.2013

„Cut and Pasted" Polyxeni Angelidou

„newwarofhumankind" Jascha Viehstädt

 

bat-Studiotheater, 10405 Berlin/Prenzlauer Berg, Belforter Straße 15, U2 Senefelder Platz, Tram M2 Metzer Straße 

 

Erasmus Intensive Programme I 20. Oktober - 02. November I Uferstudios


Vom 20. Oktober bis zum 2. November findet zum dritten Mal das Erasmus Intensiv Programm „Practicing Composition: Making Practice“ statt, zu dem Studierende und Lehrende von sieben europäischen Masterstudiengängen am HZT Berlin zusammenkommen, um zwei Wochen lang miteinander zu arbeiten. Es ist das letzte Intensivprogramm (IP) zu diesem Thema. Die beiden vorangegangenen IP 2011 und 2012 befassten sich mit ästhetischen, dramaturgischen, gesellschaftlichen und sozialen Aspekten von Komposition. In diesem Jahr trägt das Erasmus IP den Untertitel „Composition: Poetics and Procedure in Individual Performance“ (Komposition: Poetik und Vorgehensweise in individueller Performance); untersucht werden verschiedene Auffassungen von Struktur (Poetik) und Herstellung (Komposition), die insbesondere bei individueller künstlerischer Arbeit und Solo-Arbeit zum Tragen kommen. 


Am Erasmus IP 2013 nehmen teil: MA Choreographie der TeaK / Helsinki, MA Choreographie am ArtEZ / Arnhem und an der University Falmouth / UK, MA Dance Theatre: The Body in Performance am TrinityLaban / London, MA Dramaturgie an der Academy of Dramatic Arts / Zagreb, MA Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin und als neuen Partner in 2013 begrüßen wir den MA in Performing Arts Practice and Visual Culture, Madrid an der Universidad de Castilla-La Mancha - UCLM.

Dieses Projekt wurde mit Unterstützung der Europäischen Kommission finanziert. Die Verantwortung für den Inhalt dieser Veröffentlichung trägt allein der Verfasser; die Kommission haftet nicht für die weitere Verwendung der darin enthaltenen Angaben.

Zu den öffentlichen Vorträgen und Präsentationen des IP laden wir herzlich ein:

21.10.2013 I 20:30 Uhr I Performance
Sheena McGrandles: „TRUE BALLS“

TRUE BALLS ist ein künstlerisches Forschungsprojekt, das in der Verbindung von performativer und visueller Arbeit versucht, den Körper zu verzerren, von seiner Wiedererkennbarkeit zu lösen und in die Absurdität zu treiben. Die Körperlichkeit von TRUE BALLS oszilliert zwischen Assoziativem und Abstraktem und arbeitet auf das Unbekannte, Unbeschreibliche und Unheimliche hin. 

Sheena McGrandles studierte Tanz am Laban Center und absolvierte 2011 den MA-SODA am HZT Berlin. 2012/13 war sie Residenz-Choreographin bei k3 Zentrum für Choreographie I Tanzplan Hamburg. Dort entwickelte sie True Balls, die vierte Arbeit in einer Serie über das Sonderbare und Unheimliche. True Balls wurde ursprünglich mit k3 parallel mit einer Ausstellung produziert; hier wird eine Adaptation präsentiert.

Konzept: Sheena McGrandles I Von und mit: Sheena McGrandles and Anna Nowicka I Dramaturgie: Ivona Šijaković I Kostüme: Michiel Keuper I Licht: Henning Eggers I Mentoren: Sharon Smith, Maria Scaroni und João da Silva 
Produziert im Rahmen des Residenzprogramms von K3 – Zentrum für Choreographie | Tanzplan Hamburg, mit freundlicher Unterstützung durch die Hamburgische Kulturstiftung


21.10.2013 I 11-13:00 Uhr Vortrag und Diskussion (in englischer Sprache)
Ric Allsopp: „Notes on Poetics and Choreography“

This initial keynote asks what might be at stake for individual solo work, signature and authorship, and provides a background to what might constitute a poetics of radical coherence for individual practice. It aligns a poetics of writing with a poetics of movement and draws on work in both mid-twentieth century projective and contemporary poetics (Olson, Bruns, Fisher, Nichols) and a poetics of contemporary dance (Louppe) that suggests that both poetry and dance are 'languages' that operate in excess of the functions of language, and open the possibilities of radical approaches to coherence and affection.

Ric Allsopp ist derzeit Professor für Zeitgenössische Performance und Leiter der Abteilung Tanz & Choreographie an der Universität Falmouth, UK. Er ist Mitbegründer und Mitherausgeber des internationalen Journals Performance Research. 

22.10.2013 I 11-13:00 Uhr Vortrag und Diskussion (in englischer Sprache)
Sandra Umathum: „The Art of making a Performance – Xavier Le Roy’s Product of Other Circumstances“

In his performance Product of Other Circumstances Xavier Le Roy not only presents the result of a working process. Instead, the working process itself becomes the subject of presentation and reflection. Le Roy gives insight into the particular circumstances he was confronted with and, in doing so, he also addresses general conditions of contemporary artistic production. In my lecture I will, on the one hand, focus on the way this performance deals with the challenges of performance making. On the other hand, I would like to bring into discussion nowadays artistic labour with respect to questions of research, professionalism/dilettantism, economics of time, etc.

Sandra Umathum ist seit April 2013 Professorin für Theaterwissenschaft und Dramaturgie an der Hochschule für Schauspielkunst 'Ernst Busch'. Sie arbeitete in verschiedenen Projekten mit Christoph Schlingensief zusammen und war Assistentin von Tino Sehgal für die Ausstellung „This situation“ im Hamburger Bahnhof Berlin. 

23.10.2013 I 11-13:00 Uhr Vortrag und Diskussion 
Miika Luoto:


24.10.2013 I 11-13:00 Uhr Vortrag und Diskussion (in englischer Sprache)
Elena Giannotti: „Rider in Arena - A history of contingency”

Rider in Arena is the title of a series of solos and also a personal history of practicing ‘making dance’. My experience of practice can be narrated through anecdotes and storytelling, recalling a personal story, where a natural attitude to isolation and a recondite approach to dance is also contaminated by the crowd. Rider in Arena is also a jump into future. The work is not finished yet: the capacity of imagination and dreaming is a primary tool for me to diverge creation from conceptual thinking. (Elena Giannotti)

Elena Giannotti is an independent dancer. Besides working with several companies, she has been Rosemary Butcher’s main Interpreter for more than 10 years. She started to make her own work in 2008. Elena is a Chinese Medicine, Tuina and Qi Gong Practitioner and a Social Dreaming Facilitator.

28.10.2013 I 18:00 Uhr Vortrag und Diskussion (in englischer Sprache)
Vaginal Davis: „Beware the Holy Retarded Whore -The Temporary, Contemporary Contemporaneous Free Style of Vaginal Davis“

Like a Bull in a China Shop Ms. Davis will righteously rant about her three decades long career as an underclass, underground artist breaking all the rules of propriety and politeness as she unsettles middle class notions of civility and structure in discourse. Prepare yourself for some tense and awkward moments as she unleashes her Black Madame Mao wrathe.

Vaginal Davis ist Performance-, Bildende- und Videokünstlerin, Musikerin, Regisseurin und Zine-Herausgeberin. Sie ist Ursprung der Homo-Core-Punk-Bewegung und eine gender-queer Kunst-Musik-Ikone. Sie ist Hauptprotagonistin der Unruhe stiftenden Performance Ästhetik bekannt unter dem Namen Terrorist Drag. www.vaginaldavis.com


Eintritt frei 

Uferstudios, Uferstraße 23 oder Badstraße 41, 13357 Berlin, 
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

SODA WORKS 2013 I 03.-18. Dezember I Uferstudios

Zum Ende ihrer zweijährigen künstlerischen und theoretischen Forschungen über Solo und kollaborative Tanzformen innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraxis und Performance Kunst präsentieren die AbsolventInnen des Masterstudiengangs Solo/Dance/Authorship ihre künstlerischen Abschlussarbeiten.

 

Die Dokumentation der künstlerischen Forschungsprozesse der Studierenden ist an allen Vorstellungsabenden von 18-21 Uhr in der Ausstellung „SODA work books“ im Studio 16 zu besichtigen sowie in einer  Publikation veröffentlicht.

 

Zur Publikation SODA WORKS 2013

 

Programm:

 

03.& 05.12.2013 I Studio 14

19 Uhr Niels Bovri 

21 Uhr Allison Peacock


08. & 09.12.2013 I Studio 14

19 Uhr Lisa Densem 

21 Uhr Maria Baroncea


12. & 13.12.2013 I Studio 14

19 Uhr Céline Cartillier

21 Uhr Sergiu Matis


15.12.2013 I Studio 14

jeweils 15, 16, 17 und 19, 20, 21 Uhr Katrin Memmer


17. 18.12.2013 

16 - 20 Uhr Ausstellung Kiran Kumar I Studio 8 und 15

21 Uhr Flavio Ribeiro I Studio 14

 

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich.Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

Wegen der begrenzten Plätze für die Vorstellungen von Katrin Memmer am 15.12. bitten wir um verbindliche Anmeldung bis 14.12. unter tickets@hzt-berlin.de

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen 

 

 

Niels Bovri: the theatrophone
03. und 05.12.2013 I 19 Uhr I Studio 14

Niels Bovri The theatrophone ©Marion Borriss
>Niels Bovri The theatrophone ©Marion Borriss

Verwirrspiele zwischen der Vorbereitung und Durchführung einer Tanzperformance inszenierte Niels Bovri schon während seines Studiums, indem er mögliche Beziehungen zwischen dem Körper und verschiedenen Arbeitsgeräten testete. In "the theatrophone” führt er verschiedene Soundquellen zu einem sonografischen Theaterraum zusammen. Aufgabe des Performers ist es, die Soundanlage vor Publikum anzuschließen und zu präsentieren.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

 

Allison Peacock: Zebra
03. und 05.12.2013 I 21 Uhr I Studio 14

Allison Peacock ZEBRA ©Marion Borriss
>Allison Peacock ZEBRA ©Marion Borriss

Inspiriert von der geschickten Tarnung des Zebras, reflektiert Allison Peacock über das Verhältnis von Sichtbarkeit und Performance. "Zebra” handelt von der Spannung zwischen der Präsenz des Körpers auf der Bühne und den subjektiven, rein imaginären Vorstellungen der Tanzenden und Zuschauenden. Peacock leistet Performanceforschung an der Peripherie von Choreografie, unter dem Einsatz von Video, Fotografie, Tanz und anderen Überraschungen.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 


Lisa Densem: Silently the Birds Fly Through Us
08. und 09.12.2013 I 19 Uhr I Studio 14

Lisa Densem Silently the Birds Fly Through Us ©Marion Borriss
>Lisa Densem Silently the Birds Fly Through Us ©Marion Borriss

Wie man etwas tut. Wie man lebt. Die Spannung des eigenen Körpers. Die Richtung und die Beschaffenheit des eigenen Blicks. Wie wir sehen und wie wir unser Sehen selbst erleben, ist von winzigen Details abhängig. Manches Wissen nimmt nicht die Form von Feststellungen oder Erklärungen an. Vielmehr stellt es sich als Abfolge von Bewegungen oder Handlungen ein, vollführt auf genau diese Weise, in genau diesem Moment und an genau diesem Ort.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.


Maria Baroncea: A certain togetherness - try-outs to be synchronized
08. und 09.12.2013 I 21 Uhr I Studio 14

Maria Baroncea A certain togetherness - try-outs to be synchronized ©Marion Borriss
>Maria Baroncea A certain togetherness - try-outs to be synchronized ©Marion Borriss

 

Mit der Teilnahme an einer Veranstaltung zeigst du dich bereits bereit, deine Privatsphäre gegen eine gemeinsame Realität zu tauschen. In dieser Veranstaltung lade ich ein zu synchronisiertem Handeln; synchronisiertem Sehen, Hören, Bewegen, Schlafen – zu synchronisiertem Sein. Der Ablauf zielt darauf, die Gegenwart in jedem Moment neu zu erschaffen. Es geht um jede gemeinsam verbrachte Minute, um eine Stunde geteilten Wahrnehmungsprozesses.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

 

Céline Cartillier: Pathfinder’s Rhapsody
12. und 13.12.2013 I 19 Uhr I Studio 14

Céline Cartillier: Pathfinder’s Rhapsody ©Marion Borriss
>Céline Cartillier: Pathfinder’s Rhapsody ©Marion Borriss

Langsam, unaufhaltsam entferne ich mich von dir. Ich gehe langsam, äußerst langsam. Geradeaus. Du gehst hinter mir. Darauf achte ich genau. Ich kehre dir den Rücken zu. Du siehst mich an. Folgst mir mit deinen Augen. Ich drehe mich nicht um. Ich gehe, gehe. Und drehe mich nicht um. Kehrte ich mich um – würdest du verschwinden?

 

Pathfinder’s Rhapsody ist Teil einer breiteren Recherche, über das, so Céline Cartillier, „Ideale Theater“. Ein ideales Theater ist ein Theater das auf der Idee beruht, ein Theater das dem Gedanken und der Vorstellung Vorrang gibt. Begriffe wie Virtualität, Spekulation, Potenzialität und Performativität sind hierbei zwingende Begleiter innnerhalb der Beziehung von Ideal und Repräsentation. Céline Cartillier fühlt sich dem Wort „Theater“, das aus dem Griechischen kommt, verpflichtet: théaô bedeutet sehen. Theater ist der Ort an dem man sieht was gesagt wird. Pathfinder’s Rhapsody schafft Bedingungen für die Kraft und Möglichkeit von Epiphanien.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

 

Sergiu Matis: Keep it Real
12. und 13.12.2013 I 21 Uhr I Studio 14

Sergiu Matis: Keep it Real ©Marion Borriss
>Sergiu Matis: Keep it Real ©Marion Borriss

"Nur um‘s gleich mal zweifelhaft zu machen: Wir sind hier in der nächsten Stunde alle Schlampen. Ich sag’ das nicht, um euch zu beleidigen, und nicht, weil’s lustig ist, denn das ist es nicht... Wir senken nur das Niveau, auf Straßenniveau, denn da passiert der ganze Mist. Die richtige Scheiße. Also bleibt dran, ihr Schlampen!” – "Keep it Real” wird von Cyborgs, Zombies, animierten und enteigneten Körpern getanzt – "queer bodies”, die die pervertierten Dynamiken der kapitalistischen Maschine bloßlegen und hinterfragen, was als politische Handlung gelten kann.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

 

Katrin Memmer: Almost a no body
15.12.2013 I jeweils 15, 16, 17 und 19, 20, 21 Uhr I Studio 14
Katrin Memmer almost a no body ©Marion Borriss
>Katrin Memmer almost a no body ©Marion Borriss

Ausgehend von ihrem Interesse am Sehen möchte Katrin Memmer in ihrem Abschlussprojekt Überlegungen zum Selbst-Sein näher kommen. Nicht mehr Räume aus Holz spielen eine Rolle, wie in früheren Arbeiten, sondern Räume aus Stoff, Peter Sloterdijk‘s Buch "Weltfremdheit”, Wasser und einige Zeilen aus einem Gedicht von Meret Oppenheim: "Für dich – wider dich / Wirf alle Steine hinter dich / Und lass die Wände los”. Nicht mehr das eigene Verhältnis zu dem, was man sieht, steht zur Disposition – also ein Verhältnis in Opposition –, sondern das Verhältnis zum Umschlossen-Sein.

 

Einlass für jeweils 15 Personen. In englischer Sprache. Verbindliche Anmeldung bis zum 14.12. unter tickets@hzt-berlin.de

 

 

Kiran Kumar: Project Entitled „Architectures of Dance“ | 17. und 18.12.2013 I Ausstellung 16-20 Uhr I Studio 8 und Kesselhaus

Kiran Kumar Project Entitled „Architectures of Dance“ ©Marion Borriss
>Kiran Kumar Project Entitled „Architectures of Dance“ ©Marion Borriss

Seit einem Besuch des Sonnentempels im indischen Konark vor drei Jahren zweifelt Kiran Kumar zunehmend daran, dass Tanz vor Publikum Abbild eines durch die Tanzpraxis erworbenen Wissens ist. In seiner Arbeit gibt es nun keinen Tanz mehr, sondern "Architekturen des Tanzes": Bilder im Raum, welche die Zuschauer als Bewohner des Raums und damit als Tanzende einbeziehen. Kiran Kumars Performance zeichnet diese künstlerische Entwicklung nach.

 

Der Eintritt ist frei.

 

 

Flavio Ribeiro: Stuff
17. und 18.12.2013 I 21 Uhr I Studio 14

Flavio Ribeiro STUFF ©Marion Borriss
>Flavio Ribeiro STUFF ©Marion Borriss

Manchmal werden Objekte zu verdinglichten Erinnerungen. Wenn du zuviele Dinge ansammelst, besetzen sie deinen mentalen Raum wie Vampire. Ich komme aus einer Familie der Sammler, Hamsterer. Wir neigen dazu Dinge für immer aufzubewahren, selbst nachdem sie zerfallen.

 

· Kann ich das wegwerfen?

· Auf keinen Fall, es gehörte meinem Vater.

· Aber es verfault.

· Es erinnert mich an die Zeit als er Autorennfahrer war. 

 

Für mich ist alles lebendig. Ich finde es immer komisch, wenn sie sagen ein Planet sei tot. Es gibt kein totes Sein: Wenn ein Atom herumfliegt ist es lebendig. Selbst wenn wir sterben sind wir lebendig, irgendwie.

 

Der Eintritt ist frei. Eine Kartenreservierung ist nicht möglich. Karten sind 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse in den Uferstudios erhältlich.

 

Souk Presents I 17. Oktober I 18 Uhr I Uferstudios

fest: Annegret Schalke
>fest: Annegret Schalke

Performances von Studierenden des BA „Tanz, Kontext, Choreographie“ 2010-2013

Es wird zur Tradition am HZT Berlin, dass jedes akademische Jahr im BA-Studiengang mit dem „Souk“-Workshop beginnt. „Souk“ ist ein Format, das einem bunten Marktplatz gleicht, auf dem sich alle möglichen künstlerischen Experimente, Gedanken, Ideen und BA-Studierende aller drei Jahrgänge treffen. Dieses Jahr tragen die Studierenden des letzten Jahrgangs, die vor kurzem ihren Abschluss gemacht haben, zu dieser Woche bei, indem sie an einem Abend einige ihrer Arbeiten zeigen: Stücke aus der nahen Vergangenheit, aus der nahen Zukunft, Skizzen.

Programm

Donnerstag, 17. Oktober
Block 1 I 18 Uhr

Julian Weber: for you

Von und mit: Julian Weber, Lisanne Goodhue und Freunde 

Ich weiß noch nicht genau, was wir tun werden. Aber ich will eine klare Form haben oder zwei und ein paar mehr kleine Dinge.

Annegret Schalke: fest

„fest“ ist eine Feier des agierenden und denkenden Körpers. Die Tänzerin begibt sich in Zustände von exzessiver Verschwendung und kalkulierter Beobachtung, von exzessiver Beobachtung und kalkulierter Verschwendung, die Form haltend und die Form auflösend, unterstützt durch oder angehend gegen einen Beat oder den Nicht-Beat der Stille, beherrschend und sich mühend, jubelnd und steuernd, verdichtend und zergehend. 

Block 2 I 19:30 Uhr

Juan Gabriel Harcha: Exercise Berlin/Copenhagen

Tanz und Choreographie: Povilas Bastys, Juan Gabriel Harcha, Sebastian Kahr Rasmussen
Bühne: David Gehrt

Ausgangspunkt ist unser Verständnis von Choreographie als Bewegung zwischen Körpern, Bühnenbild als Verfügbarkeit von Material und das Wissen der TänzerInnen als das physische Potential des Körpers. Nach einer dreiwöchigen Arbeitsphase teilen wir die Ergebnisse unserer Begegnung.

Eine Kollaboration von Studierenden der Danish National School of Performing Arts und des HZT Berlin. 

Lee Meir: ohne Titel

Ich werde etwas machen, das gleichzeitig Bewegen und Sprechen beinhaltet (das praktiziere ich nun schon seit einiger Zeit), in einer Form, die ständige Verschiebung von Aufmerksamkeit kreiert und Multitasking erfordert. 


Alle Veranstaltungen: Eintritt frei, keine Kartenreservierung möglich. Karten sind 30 Minuten vor dem jeweiligen Veranstaltungsblock an der Abendkasse erhältlich. 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen 

 

 

Doppelvortrag: Unstete Körper I 04.12.2013 I 19 Uhr I Studio 11

Vortragsabend im Rahmen von Kunst in China - Das Bild hinter dem Bild
>Vortragsabend im Rahmen von Kunst in China - Das Bild hinter dem Bild

Vortragsabend im Rahmen von Kunst in China - Das Bild hinter dem Bild"


Der Körper als soziale Äußerung

mit Zhao Chuan, Publizist/ Kritiker/Theaterdirektor, Shanghai


Der Neue Ödipus. Theater, Begehren und Krise des Politischen

mit Boyan Manchev, Philosoph, Sofia/Berlin


Welche Einflüsse prägen Körper und Empfinden? Wie kann das Theater einen Ort der Präsenz schaffen, der die Grenzen der Bühne wie der gesellschaftlichen Normen überschreitet? Während Zhao Chuan, Leiter der Theatergruppe Grass Stage, seine mutigen Grenzgänge eines Theaters als „mobilem öffentlichen Raum“ im chinesischen Kontext vorstellt, deckt der Philosoph Boyan Manchev ausgehend vom griechischen Theater den fundamentalen Bezug zwischen Theater und Begehren auf.

 

 

Eintritt frei

Uferstudios, Uferstraße 23, 13557 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen 

 

ACHT - Studierende des Master Choreographie zeigen ihre Semesterarbeiten 2013

Acht Studierende des MA Choreographie präsentieren ihre Semesterarbeiten. Wir laden Sie ganz herzlich zu vier Doppelabenden ein. Lassen Sie sich von den unterschiedlichen Handschriften und Kontexten der internationalen Tanzschaffenden begeistern.

 

 

ZUSÄTZLICHE AUFFÜHRUNGEN IM BAT AM:

 

31.10. & 01.11.2013

„Zelten" Jenni Ramsperger

in / the / back / effect / no / words / hearing" Karina Suárez-Bosche


14.11. & 15.11. & 16.11.2013

„Mein Fell" Steffi Sembdner

Analog Voids: Reloaded" Matteo Graziano

 

22.11. & 23.11.2013

„Cut and Pasted" Polyxeni Angelidou

„newwarofhumankind" Jascha Viehstädt

 

bat-Studiotheater, 10405 Berlin/Prenzlauer Berg, Belforter Straße 15, U2 Senefelder Platz, Tram M2 Metzer Straße 

 

 

Programm (Uferstudios)

 

23. & 24.10.2013

19 Uhr „Behind the Screen" Raphael Hillebrand I 20:15 Uhr „Cut and Pasted" Polyxeni Angelidou

 
26. & 27.10.2013

19 Uhr „Zelten" Jenni Ramsperger I 20:15 Uhr MIT" Rosalind Goldberg

 

29. & 30.10.2013

19 Uhr „in / the / back / effect / no / words / hearing" Karina Suárez-Bosche I 20:15 Uhr „Mein Fell" Steffi Sembdner

 

01. & 02.11.2013

01.11 19 Uhr/02.11 20:15 Uhr „One Explosion, s'il vous plaît" Matteo Graziano I 01.11 20:15 Uhr/02.11 19 Uhr „newwarofhumankind" Jascha Viehstädt

 

Eintritt frei, keine Kartenreservierung möglich. Karten sind 30 Minuten vor dem jeweiligen Vorstellungsbeginn an der Abendkasse erhältlich.

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 


Raphael Hillebrand: Behind the Screen I  23. und 24.10.2013 I 19 Uhr

Behind the Screen: Raphael Hillebrand
>Behind the Screen: Raphael Hillebrand

Tanz: Ellinor Ljungkvist

Sound Composition: Carsten Schedler

 

Unsere Körper bestehen zum größten Teil aus Wasser. Dieses Wasser reagiert auf die Geräusche um uns herum. Resonierendes Wasser kann die Quelle von Bewegung sein. Ein übles Gefühl im Magen oder ein Kitzeln zwischen meinen Zehen: BASS. Wellen und Energien breiten sich in meinem Körper aus. Es ist eine Odysse durch unsere inneren Ozeane – komm mit.

Der Choreograph Raphael Hillebrand entdeckte seine Liebe zum Tanz durch die HipHop Kultur. Nachdem er sich als B­Boy in der internationalen Szene der Battles und Jams einen Namen gemacht hat, liegt heute sein Fokus auf der Bühnenarbeit und dem Entwickeln choreographischer Konzepte. Das Spannungsfeld von zeitgenössischem Tanz und urbanem Tanz ist der Nährboden seiner Arbeit. Gemeinsam mit der Tänzerin Ellinor Ljungkvist ist er in seinem aktuellen Stück auf der Suche nach einer Verbindung von Musik und Bewegung jenseits des selbstverständlichen.

 

Polyxeni Angelidou: Cut and Pasted I 23. und 24.10.2013 I 20:15 Uhr

Cut and Pasted: Poliyxeni Angelidou
>Cut and Pasted: Poliyxeni Angelidou

Choreographie + Performance : Polyxeni Angelidou

Bühne + Licht : Janja Valjarevic

Sound : Emilia Badalá 

Kostüm : Nefeli Myrtidi

supported from IKY -  State Scholarship Foundation - iky.gr

 

Cut and Pasted refers to a process of extraction and displacement
Once extracted the unit stays alone
Once pasted there is no integration with the whole
A process of redefinition under new conditions
An interplay between the qualities of ground and limits

Cut and Pasted ist eine interdisziplinäre Solo-Performance, welche die Begriffe, die um den Ausdruck „ungewohnt“ kreisen, thematisiert. Durch die Verknüpfung von unterschiedlichen Medien wird, parallel zur Bewegungsrecherche, eine unvertraute Landschaft auf einer audiovisuellen Ebene geschaffen. Es geht darum, eine Umgebung für einen Körper zu kreieren, der sein Gebiet durch seine Bewegung neu definiert.

Unterstützt durch IKY - State Scholarship Foundation - iky.gr

 

Jenni Ramsperger: Zelten I 26. und 27.10.2013 I 19 Uhr

Zelten: Jenni Ramsperger
>Zelten: Jenni Ramsperger

Tanz: Simone Detig, Parwanhe Frei, Susanne Mayer und Annegret Schalke

Choreographie/Bühne: Jenni Ramsperger

Musikdramaturgie: ­Marc P. Gabriel

Produktions Assistenz:­ Paula Führer

 

Zelten bedeutet unterwegs sein und draußen wohnen, seine Heringe in den Boden stechen, sein Lager im Freien aufschlagen und den Standort jederzeit wechseln zu können. Es bedeutet, sich, das Zelt und die eigene Position in die einen umgebende und sich verändernde Natur einzugliedern. Es bedeutet, das Zuhause unter freiem Himmel zu finden, komme was wolle.

Die Arbeit Zelten ist eine Reise in die Erinnerungen unserer deutschen Kindheit. Wo stehen wir zwischen den Stimmen unserer Eltern, den Spuren unserer Großeltern und unserer Realität, als die in den 80ern geborene Generation Y? Generation Why.

Welche Relevanz haben die Begriffe Heimat, Zugehörigkeit und Verortung für uns? Was ist es, das bleibt, wenn wir weggehen? Was kommt? Und was kommt mit uns, wenn wir weggehen?

Sie sagten, sie wollten Löwen bändigen gehen, als sie aus Germanien loszogen – Nahe am Herzen, in der Tasche ihres ledernen Brustbeutels, trugen die vier Gefährtinnen Bilder und Erinnerungen ihrer Heimat.

 

Rosalind Goldberg: MIT I 26. und 27.10.2013 I 20:15 Uhr

MIT: Rosalind Goldberg @ Anders Lindén
>MIT: Rosalind Goldberg @ Anders Lindén

Konzept und Choreographie: Rosalind Goldberg

Performance: Anne-­Mareike Hess

Sound Composition: Camilla Vatne Barratt­-Due

Kostüme: Alexander Krantz

Dramaturgie: Sandra Lolax

Field Recordings: Cato Langnes

 

MIT ist eine Solo-Tanz-Vorstellung basierend auf Fiktion. Durch Imagination, Künstlichkeit und Fantasie ist eine Struktur kreiert worden, die dem Stück als Grundlage dient. Durch Arbeit, Zeit und Handeln innerhalb der Struktur wird die Performerin geprägt und geformt und als der Charakter MIT gestaltet.

In dieser Arbeit liegt mein Interesse darin, Fiktion als Medium zu nutzen, um zu untersuchen, was als wirklich und was als unwirklich wahrgenommen wird. Mich interessiert, das Erfundene als Tatsache zu benutzen, um das was wir organisch und konstruiert nennen, in Frage zu stellen. Fiktion schlägt vor, dass eine andere Welt möglich ist. Wenn ich eine fiktionale Struktur erschaffe, in welcher sich die Performerin bewegt und handelt, welche Auswirkungen hat dies auf den Körper, wie prägt und formt es den Körper?

Für eine knappe Stunde werdet ihr MIT durch diese Struktur folgen, in der MIT berührt, formt, klettert, tanzt, taumelt, stürzt, prügelt und kämpft.

Die Arbeit an dem Projekt hat während einer Residenz bei Station­ Service for Contemporary Dance, Belgrad, Serbien, begonnen. In Ko­produktion mit Weld, Stockholm.

 

Karina Suarez Bosche: “in / the / back / effect / no / words / hearing” I 29. und 30.10.2013 I 19 Uhr 

in / the / back / effect / no / words / hearing: Karina Suárez Bosche
>in / the / back / effect / no / words / hearing: Karina Suárez Bosche

Choreographin: Karina Suárez Bosche

Tänzerinnen: Annapaola Leso, Diethild Meier

Bühnenbildnerin: Cheng Ting Chen

Kostüm Designerin: Francisca Villela

Beleuchterin: Catalina Fernández

Komponist: Alberto Cerro

Assistentin: Thea Færden Bringsværd 

 

„Wann werden wir anfangen dürfen, uns Menschen mit der reinen, neu gefundenen, neu erlösten Natur zu vernatürlichen!” Nietzsche „Die Fröhliche Wissenschaft“

Zwei Wesen befinden sich in einer Versuchswelt von verstummter, deplatzierter Natur, von künstlicher Ästhetik und Ordnung, die nur noch ihre eigene Perversion darstellt. Gescheitert in der Illusion, eine menschliche Welt zu bewohnen, scheitert auch ihr Versuch, miteinander zu kommunizieren. Welche Art von Körper entwickelt sich, wenn die Möglichkeiten der Kommunikation, wie wir sie kennen, beginnen ihren Grund des Seins zu verlieren? Hat das Leben ein ursprüngliches Wesen und wenn ja, können diese zwei Wesen dorthin zurückkehren?


Steffi Sembdner: Mein Fell I 29. und 30.10.2013 I 20:15 Uhr

Mein Fell: Steffi Sembdner
>Mein Fell: Steffi Sembdner

Tanz und Kreation: Stina Nilsson

Musik/Komposition: William “Bilwa” Costa

Lichtdesign: Catalina Fernández

Text: Laressa Dickey

Bühne/Kostüm: Mireia Vila

 

„Mein Fell" 
Der See atmet aus und der Atem landet auf dem Grund, ohne ihn zu kennen. Dort begegnet er der Angst, die ihn umklammert und er wird von vielen Mündern geküsst. An den Augenblicken bleibt er hängen und verliert sich zwischen den Lippen der schwarzen Münder. Erst ein Klang, der seinem Echo folgt, kann die Leere des Atems erlösen. Ihr Ton findet den Klang und der See kann sich endlich wieder zurückziehen. Eine Geschichte unter der Haut zwischen Klang und Bewegung. 
Laressa Dickey

Die Haut...eine Grenzgängerin zwischen den Welten, Vermittlerin, Übergang und Spiegel... Die Haut...unser Beziehungsorgan, unsere Grenze zur Außenwelt. Eine Grenze kann Schutz und Halt, aber auch Einengung und Begrenzung sein. Sie ist der Ort an dem Kommunikation und Austausch stattfinden. Ist es vielleicht erst möglich Grenzen zu setzen, wenn wir in einen wirklichen Austausch, in Beziehung miteinander gehen? In „Mein Fell“ dient die Bühne als erweiterter Raum leiblichen Erlebens, eine metaphorische Welt leiblicher Sprache, die jenseits fassbarer Gedanken liegt.

 

Matteo Graziano: One Explosion, s'il vous plaît I 1.11 19 Uhr I 2.11 20:15 Uhr
One Explosion, s'il vous plaît: Matteo Graziano
>One Explosion, s'il vous plaît: Matteo Graziano

Choreographie: Matteo Graziano

Tanz: Mattia Castelli, Matteo Graziano, Liselotte Singer

Sound: Valerio Tricoli, Johannes Weiss

Kostüm: Stephanie Traut

Video: Alistair Watts

 

In dieser Matrix suchen wir nach Gold. Körper und Handlungen kollidieren und bringen Ereignisse hervor. Das alchemistische Experiment bedient sich bei Autoren von Christa Wolf bis Heiner Müller, bei Komponisten von Scarlatti bis Ligeti und konfrontiert zeitgenössische Genres mit traditionellen Formen des Theaters. Wir entfalten eine wogende Landschaft von Spuren, die permanent entschlüsselt werden muss. Ist die Wahrheit mit unseren Annahmen vereinbar? Ist es möglich wahr und falsch zu unterscheiden? – One Explosion s’il vous plaît lädt den Zuschauer ein dem Glänzen zu folgen, den Code zu knacken und zu dem Moment vorzustoßen, in dem das Unkohärente in Wahrheit umschlägt.

 

Jascha Viehstädt: newwarofhumankind I 1.11 20:15 Uhr I 2.11 19 Uhr

newwarofhumankind: Jascha Viehstädt
>newwarofhumankind: Jascha Viehstädt

Tanz: Ellinor Ljungkvist, Gonçalo Cruzinha, Saša Pavić

Raum: Hou Hsiu­Ying

Sound: Felipe Sanchez

Dramaturgie: Tina Ebert

Assistenz & Photographie: Schirin Moaiyeri

 

Der große Held unserer Geschichte ist unser Intellekt. Visionen und Fiktion lassen uns träumen und nehmen uns mit auf eine Märchenreise fernab weltlicher Unwägbarkeiten, die uns zunehmend umzingeln. Unser Held ist im Krieg gegen mächtigere Städte, schnellere Straßen, kleinere Zimmer – am Ende aber doch nur auf der Flucht vor der unbedingten Ehrlichkeit des Fleisches.

Der fiktiv­performative Entwurf einer zukünftigen Körperlichkeit beschäftigt sich mit klaustrophobischen Zuständen moderner Lebenskultur. In der Bedrängung durch unsere Städte, im Lärm unserer wahnsinnigen Bewegung, ziehen wir in einen neuen alten Krieg der Menschheit: Fleisch gegen Stein.

Geist ist noch flüchtiger als Kapital - haltet ihn fest! I 23.08 - 28.09 


Die Kunst- und Kulturschaffenden bilden das geistige Kapital Berlins. Die Mehrheit von ihnen arbeitet - außerhalb der Kulturinstitutionen - in der Freien Szene. Diese spielt somit eine Schlüsselrolle für die Zukunft der Kultur der Stadt. Um die Freie Szene in Berlin zu erhalten, bedarf es dringend mehr Mittel und angemessener Strukturen. Der Kultursenator zeigt bislang keinen politischen Willen, in sie zu investieren.

 

Die Uferstudios unterstützen nachdrücklich die Forderungen der Koalition der Freien Szene nach einer sofortigen Stärkung!

 

www.berlinvisit.org

ACKER FESTIVAL I 20. - 21.September I Berlin Mitte

meulmoro ©Asaf Aharonson
>meulmoro ©Asaf Aharonson

Am 20. & 21. September 2013 findet das Acker´Festival für performative Künste in Berlin Mitte statt, das sich dem Neubeginn, dem Unfertigen und dem Reiz brachliegender Flächen widmet. Das Festival möchte jungen, noch nicht etablierten TänzerInnen, PerformerInnen und bildenden KünstlerInnen eine Plattform für Experimentelles, für Austausch und Diskussion bieten. Kuratiert und organisiert wird das Festival von Désirée Meul, Lea Moro (beide BA) und Maja Zimmermann (FU Berlin / MA Tanzwissenschaft). Vom HZT Berlin zeigen Claudia TomasiStine Frandsen, Julia Rodriguez, Kareth Schaffer, Julek Kreutzer, Kyla Kegler und Philipp Enders ihre Arbeiten, letzterer hat im Rahmen des Acker´Festivals am 21.09. Premiere mit seinem Solo „Balken".

 

www.ackerstadtpalast.de

http://ackerfestivalberlin.wordpress.com

From Amsterdam to Berlin and back & BER-AMS-BXL I 04. & 05. September I 19:30 Uhr I Het Veem Theater Amsterdam

 

„From Amsterdam to Berlin and back“ ist ein Austausch zwischen dem BA Studiengang des HZT Berlin und der SNDO Amsterdam. Seit Jahren kommen die Studierenden der SNDO Amsterdam nach Berlin, um ihre Abschlussarbeiten zu zeigen – zunächst in den Sophiensaelen, dann in den Uferstudios. In diesem Jahr wird der Besuch nun vom HZT endlich erneut erwidert, denn seitdem die Absolventen des Pilotprojekts 2009 ihre Arbeiten auf der Bühne der Theaterschool in Amsterdam präsentiert haben, schließen jetzt erstmalig wieder BA Studierende ihr Studium ab.


„From Amsterdam to Berlin and back“ wird vom Het Veem Theater veranstaltet und ist zugleich die Einleitung zu der Konferenz BER-AMS-BXL, die sich mit den Bedingungen und Verantwortlichkeiten für blühende künstlerische Biotope in der Stadt beschäftigt, insbesondere in Bezug auf die kleine, investigative zeitgenössische Tanz- und Performance-Szene. Bei diesem Austausch geht es nicht nur um die Präsentation von Arbeiten der AbsolventInnen, sondern um die Teilnahme am gemeinsamen Entwirren des Netzes aus Beziehungen und Akteuren, das beide Ausbildungen miteinander verbindet. Die Konferenz findet vom 5. bis 7. September im Het Veem Theater und im De Brakke Grond statt. Homepage


Programm „From Amsterdam to Berlin and back“:

 
Mittwoch, 4. September 

20:30 Uhr

„How to become a journey“ von Miriam Jakob

„fest“ von Annegret Schalke

„Propeller“ von Tian Rotteveel 

„Der Tausendfüßler, der dir nicht sagt wie er läuft oder was, wenn ich dir sagen müsste wie...“ von Désirée Meul

Außerdem Videoarbeiten von Laura Unger und Enrico Ticconi


Donnerstag, 5. September

During the day

„DYNAMIC“ von Cinira Macedo & Miriam Jakob

„Closer to us than we are to ourselves“ von Kareth Schaffer

 

19:00 Uhr 

„Untitled (4 Artificios)“ von Ana Laura Lozza

„Kasten“ Installation von Anna Posch im Theaterfoyer

„Empatia“ von Enrico Ticconi & Genevra Panzetti

„Angela Loij“ von Juan Harcha

Außerdem Videoarbeiten von Laura Unger und Enrico Ticconi

 

PerformerInnen: Asaf Aharonson, Felix Classen, Juan Gabriel Harcha, Marie Hiller, Renen Itzhaki, Miriam Jakob, Maija Karhunen, Julia Kreutzer, Anna Lena Lehr, Ana Laura Lozza, Cinira Macedo, Tabea Xenia Magyar, Désirée Meul, Lea Moro, Ginevra Panzetti, Anna Posch, Tian Rotteveel, Annegret Schalke, Kareth Schaffer, Verena Sepp, Stefan Stock, Enrico Ticconi, Emma Tricard, Laura Unger, Nir Vidan und Julian Weber


Technische Leitung: Max Stelzl

Produktionsleitung: Anna Posch


„From Amsterdam to Berlin and back“ wird produziert vom HZT Berlin; mit freundlicher Unterstützung durch die SNDO Amsterdam und das Het Veem Theater.

DAS HZT BERLIN BEI AUSUFERN I 31.08 I 13-22 UHR I UFERSTUDIOS

Vom 29. August bis 1. September laden KünstlerInnen aus Berlin und Partner in den Uferstudios - ada Studio, Tanzbüro Berlin/mapping dance berlin, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios GmbH und Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin - , herzlich ein zum Sommer-Event Ausufern, bespielen die 14 Studios, das weitläufige Hofareal, Geschäfte und Einrichtungen in der angrenzenden Badstraße und feiern den 35. Geburtstag der Tanzfabrik Berlin. Premieren, Previews und Performances verdichten sich zu einem vielfältigen Programm mit mehr als 40 Beiträgen. Höhepunkt ist der 31.8. mit einem Parcours aus Shows und Events ab 13 Uhr und der gemeinsam mit Tanz im August veranstalteten Party zum Abschluss des Tages mit Musik von DJ T-INA Darling.

 

 

PROGRAMM 

Tanzstücke und Performances in Studio 9

Installationen und Videos in Studio 10 und Seminarraum 2

Performances und Interventionen im Hof der Uferstudios

 

Studio 9

Block 1: 13 Uhr

Waltz me to the end of art“ von Maija Karhunen (BA) & Matthieu Blond

passe part two“ von Julia Rodriguez / BA

performing robot“ von Flavio Ribeiro / SODA


 

Waltz Me to the End of Art

Choreographie, Performance: Matthieu Blond & Maija Karhunen

Kostüme: Wilfried Lantoine

 

Unsere Arbeit ist eine Zusammenarbeit, die aus dem Wunsch entstand, einen Walzer zusammen zu tanzen. In seinen Anfängen wurde der Walzer als provokativer Tanz gesehen, da die beiden tanzenden Körper einander zugewandt sind. Heutzutage wird der Walzer oft getanzt, um etwas in der Vergangenheit zu verherrlichen. Wir tanzen den Walzer durch die Geschichte unserer Körper - durch Zeiten, Orte, Erinnerungen hindurch. Wer sind wir, wenn wir tanzen? Durch eine Vielzahl von verschiedenen Zuständen und Körperlichkeiten, mit denen man in der endlosen Wiederholung des Walzerschritts konfrontiert wird, treiben wir den Tanz bis zur Erschöpfung und suchen nach dem Ende, um erneut anzufangen.

 

Passe part two

Choreographie: Julia Rodriguez

Performance: Cecile Bally, Marius Böhm, Julia Rodriguez

 

Das Zimmer ist im Stand-by, die Musik spielt immer noch, die Ecken sind nicht scharf, und es hängen Plastiktüten von der Decke. Die Tür ist offen. Drei Personen betreten in den Raum.

 

Passe part two fragt, wie man einen Raum betreten kann, der bereits vor langer Zeit besucht wurde, zurückgelassen mit einer unheimlichen Atmosphäre. Drei Körper treffen in diesem Raum aufeinander, um das zu entdecken, zu verändern und zu rekonstruieren, was bereits da ist. Jeder hat eigene Wünsche und Sehnsüchte, eigene Beziehungen mit der Umgebung, und sogar wenn wir uns treffen, treffen wir uns mit dem unheimlichen Gefühl, zwar im selben Raum aber in verschiedenen Zeiten zu sein, als ob jemand sagte „draußen war ich mit dir zusammen, drinnen erinnnere ich mich an dich.“

 

performing robot

Concept & text: Flavio Ribeiro

 

Ein Roboter tanzt irgendwo, aber Du weißt nicht, dass es ein Roboter ist. Er verhält sich wie ein menschliches Wesen, er bewegt sich wie ein menschliches Wesen, er hat Haut genau wie menschliche Wesen, und jetzt performt er wie kein Mensch es je könnte.

 

 

 

Block 2: 15 Uhr

P (or feeling like not feeling)“ von Helena Botto / SODA

"i would like to sit next to a woman and a number of other desires" von Ania Nowak / BA

 

 

P

(or feeling like not feeling)

Konzept, Performance und Raum: Helena Botto

Support: Instituto Português da Juventude e Desporto

 

Eine metaphorische Analyse formaler und ästhetischer Elemente von Pornografie. (Work in progress)

 

i would like to sit next to a woman and a number of other desires

Choreographie und Performance: Ania Nowak


Dieses Stück ist eine Wiederholung einer anderen Arbeit, unter dem gleichen Titel. Sie bringt die Frage nach dem Narzissmus in einer Performancesituation auf. Durch die Konstruktion einer Reihe zufälliger Szenen wird ein fragiles Theater des Selbst enthüllt. In einer exhibitionistischen Geste der Offenlegung einer verkörperten Selbstreflexion frage ich mich: was ist eigentlich meine Funktion auf dieser Bühne, wenn ich den Blicken der Zuschauer ausgesetzt bin? Und was ist da, falls da überhaupt etwas ist, anderes als die reine Offensichtlichkeit meiner und ihrer in Beziehung stehenden Existenz in diesem Augenblick?


In Adriana Cavarero Worten: "Es gibt keinen Narzissmus in demjenigen, der sich nicht selbst ansieht, sondern sich zu sehen gibt". Mit dieser Arbeit versuche ich Modi der Dringlichkeit für das Erscheinen in einer Performancesituation zu überdenken.

 

 

Block 3: 17 Uhr

" * " von Steffi Sembdner/ MAC

„Unkn_own Body“ von Karina Suarez Bosche / MAC

„How to become a journey“ von Miriam Jakob / BA

 

 

" * "

Choreographie und Tanz: Steffi Sembdner

Musik: „Bachcage“/Francesco Tristano; Partita #1 in B Flat, BWV 825- 7. Gigue

 

* (zum be - deuten und um - denken)

Ich ; Du : Und du Sie. Wir, Uns ist oft , vieles; und auch. Manchmal . Bei mir ist ? Oder so. Nur so ganz ; na ja auch; zack. Durch und besser: oder aber . Wir werden sehen; bestimmt.

 

Unkn_own Body

Choreographie und Performance: Karina Suárez Bosche

Unterstützung Kostüm: Mireia Vila

 

Unkn_own Body ist ein Solo, das die Akzeptanz der Existenz in Frage stellt. Die Idee bezieht sich auf ein neugeborenes Baby, das noch nicht ein Jemand ist und plötzlich muss es in dieser Welt sein. Das Baby weiß nicht, wer es ist, wo es ist oder wie es reagieren soll. Es ist ein asexueller Körper. Das Stück versucht die Essenz dieser Bedeutung zu erfassen, verbunden mit der Existenz des Körpers als Ausdruck des Seins. Ein Körper, der alle Komponenten zu leben hat, aber gleichzeitig ein Körper, der nicht zu reagieren weiß. Die einzig möglichen Reaktionen sind unberechenbar und unlogisch. Die Verbindung mit der Welt durch das Weinen wird ein wichtiger Faktor, das auf diesen unbekannten Körper wirkt. Das Weinen ist ein Ausdruck der Orientierungslosigkeit, aber zur gleichen Zeit ist es der einzige Weg, um mit der Außenwelt zu kommunizieren.

 

How to become a journey

Choreographie: Miriam Jakob

Performance: Maija Karhunen, Miriam Jakob, Nir Vidan

 

Diese kaleidoskopische Picknick-Begegnung führt von nichts zu nichts. Die Performer Maija Karhunen, Miriam Jakob und Nir Vidan untersuchen Zustände des Zögerns und deren Potential hinsichtlich sozialer Situationen ebenso wie hinsichtlich möglicher Sehnsüchte, deren Ergebnis offen bleibt. (Work in progress)


Diejenigen, die zu den vier Ecken der Erde reisen möchten, auf allen Vieren oder mit dem Auto, müssen akzeptieren, gevierteilt zu werden." (Ricardo Domeneck)

 

 

Block 4: 19 Uhr

I see you see me” von Anna Lena Lehr & Cécile Bally / BA

 Who’s that girl!“ (work in progress) von Diethild Meier & Julek Kreutzer / BA

 

 

I see you see me

Choreographie, Performance: Anna Lena Lehr und Cécile Bally


Zwei Performer beschäftigen sich mit der Ausdehnung des Augenblicks kurz bevor sie sich treffen und erkunden die Möglichkeit, die Grenze zwischen dem eigenen Körper und dem Körper von jemand anderem zu definieren und zu überschreiten.

Geht es darum, einen anderen anzuschauen oder in mich hineinzuschauen?


Geht es darum, mit einem anderen zusammen zu sein oder darum, mit mir zu sein durch jemand anderen? Benutze ich dich? Kämpfen wir?

 

Kommen wir zurück zu einer frühen Entwicklungsphase, wo wir nicht wissen, ob der Körper, den ich sehe, den ich vor mir fühle, ein Bild meiner selbst ist, eine Fortsetzung meiner selbst, das Bild des Anderen oder der Andere selbst. Zwei Erdplatten treffen aufeinander und wissen nicht, ob sie eins werden, ein Berg, oder ob sie zwei bleiben und sich mit den Wellen auseinandersetzen.

 

Bin ich es, die dich beobachtet?

Spürst du es auch?

 

Who’s that girl!

Choreographie, Performance: Diethild Meier, Julek Kreutzer

 

Diethild und Julek untersuchen die Schnittstelle von Biografie und Fiktion. Jede tut das auf ihrer Insel, genau 1093 km voneinander entfernt. Diethild spricht über Julek, Julek spricht über Diethild...oder spricht Julek über Julek? Es entstehen zwei Soli, besser gesagt, zwei Duos in Abwesenheit der Anderen. Nach drei Monaten treffen sich Diethild und Julek in einem Raum, und es treffen sich ihre Soli, beziehungsweise die Duos in Abwesenheit der Anderen. Sie begrüßen sich, schauen sich an, und werden zu einem Stück. Julek spricht über Diethild, Diethild spricht über Julek, vielleicht lügen sie aber auch.

 

Ein Dialog zwischen dem Sozialen und dem Materiellen, dem Privaten und dem Universellen, dem Trivialen und dem Tiefgründigen, dem Narrativen und dem Abstrakten.

 

 

Block 5: 21 Uhr

24 frames per second of women standing against the wall“ (work in progress) von Agata Siniarska / BA

Mit“ von Rosalind Goldberg / MAC

 

 

24 FRAMES PER SECOND OF WOMEN STANDING AGAINST THE WALL

Choreographie: Agata Siniarska

 

agata siniarska ist ein fiktiver charakter, der sich bewusst tag für tag im choreografischen rahmen ereignet, sich beschäftigend mit der idee der weiblichen weiblichkeitsverkörperung. süchtig nach fiktion, führt sie ihre untersuchungen innerhalb subjektiver repräsentationen durch, geschrieben in stücken, hat ebenfalls ein starkes verlangen nach konzepten und klaren kontextualisierungen. angetrieben durch die energie fundierter theoretischer unschlüssigkeit, macht sie jede bewegung mit leidenschaft und intensiver faszination. oft nicht allein, sondern mit exquisiten abenteurern.

 

Work in progress. (Premiere am 4. Oktober, Stary Browar Nowy Taniec)

 

Mit

Choreographie: Rosalind Goldberg

Tanz: Anne-Mareike Hess

Komposition: Camilla Barratt-Due

Kostüm: Alexander Krantz

Dramaturgie: Sandra Lolax


Diese Solo Tanz-Performance basiert auf Fiktion. Durch die Verwendung einer auf Vorstellungskraft beruhenden Struktur wird der Charakter Mit geformt, dem die Zuschauer auf einer Reise durch Situationen folgen, in denen sich Tumulte, Kämpfe, Tänze und Nichts ereignen.

 „In dem Stück untersuche ich die Wahrnehmung von Realem und Irrealem. Indem eine Struktur, ein Charakter und Tänze erfunden werden, die auf Fantasie und Fiktion beruhen, möchte ich Künstlichkeit herausfordern, um meine Auffassung von Körper aus der Fassung zu bringen.“ (Rosalind Goldberg)

 

Bei AUSUFERN wird das Stück in seiner letzten Arbeitsphase sein. Die Premiere wird am 25. September am Weld in Stockholm stattfinden.

 

 

Studio 10, Installationen und Video

art remake up” von David Pollmann / SODA

Making Marks Instance 8: Drawing Room“ von Kiran Kumar / SODA

L’Origine“ von André Uerba / SODA

wolkenlos“ von Nina Vobruba / BA

# 1“ von Renen Itzhaki / BA

 

 

David Pollmann (MA SODA) »art remake up«  (Video, 2013)

 

Die Videoarbeit »art remake up« von David Pollmann ist eine Hommage an Bruce Naumans »Art Make-Up« von 1967. Statt des Auftragens der weißen Farbe auf Gesicht, Hals, Oberkörper, Arme und Hände, welches wir in Naumans Arbeit sehen, sehen wir bei Pollmann den Vorgang des Abtragens der Farbe. Text (Auszug): Judith Ouwens

 

Konzept und Performance: David Pollmann

Kamera und Bildtechnik: Jan Rothstein

Musik: Matthias Albert Sänger

 

Kiran Kumar (MA SODA): „Making Marks Instance 8: Drawing Room“

 

Die Installation ist ein Produkt meines anhaltenden Interesses an der Frage, was der tanzende Körper mit seinem eigenen Bild zu tun hat. Die Installation ist ein Beispiel dafür, eine Reihe von Bild-Erzeugungsprozessen mit dem Prozess des Choreo-graphierens zu verschmelzen. Die Installation präsentiert diese Herstellungsprozesse auch als essenziell non-solo/kollaborative Aktivitäten und betont, dass der Bild-Erstellung zumindest eine Dualität innewohnt. Die in der Installation gezeigten Bilder und Technologien werden in Zusammenarbeit mit verschiedenen Verfahren entwickelt, einschließlich Aktzeichnen, Animation, Video und Design.

 

André Uerba (SODA): „L’Origine“

Performer: Rita Mendes, Tiago Barbosa, Vera Mantero

Licht: André Uerba, Cátia Leitão (Alface), Urândia Aragão

Kamera, Vdeoschnitt und Sound Design: André Uerba


Auf der Suche nach einem Vorwand zu existieren führt uns L'Origine zurück zur Erschaffung des Universums und der Menschheit. Die Barbarei zwischen Wahrheit und Möglichkeiten führt oft dazu, dass wir die Welt mit Argwohn betrachten. Ständig gegen die Tatsache ankämpfend, dass wir Körper sind, die verschwinden und Platz machen für andere - diese Beharrlichkeit nährt die Vorstellung, dass ein bestimmter Plan existiert, was zu einem Zustand des Wartens auf etwas Großes führt. Wir stellen uns hinter Schleier und Wörter, Warten, Verschwinden. In Gustave Courbets Gemälde "Der Ursprung der Welt", beobachten wir eine kosmologische Dualität zwischen Fleisch und Geist. Die Befragung des Ursprungs der Dinge geschieht durch ein natürliches Element, das nachfolgend zu einem Erlebnis wird. Es ist dazu bestimmt, nach der Geburt zu existieren und in dieser relationalen Notwendigkeit beginnt die Spirale, die Menschen dazu führt, einen Daseinsgrund (raison d-être) zu suchen. (Ricardo Marques)

 

Nina Vobruba (BA): wolkenlos


wolkenlos" ist eine Videoarbeit die in Bezugnahme auf ein Gedicht von Etta Streicher und Sarah-Mareike Kirsch entstanden ist.

Die Arbeit konstruiert eine Realität die in ständiger Wandlung begriffen ist und zugleich konstant in ihrer Konsistenz erscheint. Ein horizontal liegender Mensch ist Ausgangspunkt und Kern des Videos. Die extrem langsame Kamerafahrt startet mit den Zehen und tastet sich den Körper hinauf. Währenddessen verändert sich die Wahrnehmung, der Blick fokussiert sich auf Details und löst ihre Bedeutung auf.

Wind berührt den Körper. Schatten wandern. Ein Mensch wird zur Landschaft.


Dieses minimalistische und ebenso epische Video wurde in einem Filmstudio mit einem komplexen Aufbau aufgenommen; Ziel war, Effekte vor allem in Echtzeit während des Drehs zu kreieren.

 

Renen Itzhaki (BA): # 1

Object development: Yair Kira

Assistance and advice: Claudia Feest, Johanna Peine

Danke an: Ania Marszal


Zitat aus "The Seagull" von Anton Chekhov. Eine anhaltende Performance, die 16 Uhr startet.

 

 

Seminarraum 2

Carlos Oliveira: „Point to one end“ - Installation

 

Eine verzögernde Spiegelwand installiert in einem Raum.

 

Time present and time past

Are both perhaps present in time future,

And time future contained in time past.

If all time is eternally present

All time is unredeemable.

What might have been is an abstraction

Remaining a perpetual possibility

Only in a world of speculation.

What might have been and what has been

Point to one end, which is always present.


(Auszug aus „Burnt Norton“, das erste von T. S. Eliots „Four Quartets“)

 

 

Performances im Hof der Uferstudios

 

Polyxeni Angelidou (MAC): „Look next to you or The individual and the collective“

Choreographie: Polyxeni Angelidou und alle TeilnehmerInnen

Performer: alle Leute, die anwesend sind – die Zuschauer

 

Massen in Bewegung sind ein faszinierendes Phänomen für den Beobachter. Es ist interessant, wie eine große Anzahl einfache Bewegungsprinzipien zu einem performativen Ereignis verwandeln kann. Allerdings ist die Erfahrung für die einzelnen Mitglieder der bewegten Masse eine ganz andere. Jedes sich bewegende Individuum befindet sich in einem ständigen Prozess eines vielschichtigen Feedbacks, das Körper und Geist augenblicklich für die Wahrnehmung, die Ausarbeitung und die Transformation von Informationen in eine Bewegung, die mit der der anderen in Beziehung steht, einnimmt.


Schwärme sind ein Phänomen, das vor allem in Gruppen von Tieren beobachtet wird, aber seine Struktur und Funktion ist auch offen für andere Interpretationen. Diese Veranstaltung zielt auf die Umwandlung der AUSUFERN- Zuschauer für eine kurze Zeit zu Performern eines Kollektivs, das sich innerhalb der Grenzen des Hofes der Uferstudios bewegt. Durch einfache Anweisungen, die durch Schwarmbewegungen inspirierte Bewegungen und Verhaltensmuster bezeichnen „Bewege Dich in die gleiche Richtung wie Deine Nachbarn", „Bleibe ihnen nahe", Vermeiden Sie Kollisionen" wird das Publikum stimuliert, eine Einheit zu bilden.

 

Matteo Graziano (MAC): „FREEWALL“

Choreographie: Matteo Marziano Graziano

Performer(s): Matteo Marziano Graziano + 1 photographer

 

Ich dachte an eine Wand. Ich dachte, dass wir wir werden müssen. Ich dachte eine Wand zu sein."

 

Dieser künstlerische Vorgang muss durch die stille Interaktion mit dem Publikum geschehen, um vom Konzept zur Erfahrung zu transformieren. Jede Person wird die Möglichkeit haben, Haut und Körper des Performers mit Zeicheninstrumenten (schwarze Marker und Stifte von unterschiedlicher Dicke) zu markieren. Der Performer wird auf einer kleinen weißen Plattform von ca. 50 cm x 50 cm stehen. Der Performer wird schwarze Unterwäsche tragen und eine schwarze Maske, die seine Sicht verdecken wird. Daher wird der Performer nicht wissen, wer die Menschen sind, die auf seinen Körper und die Haut zu schreiben. Der Performer steht die meiste Zeit still, aber es kann passieren, dass er sich langsam bewegen wird, um entsprechend seiner Empfindlichkeit und Empfindungen neue Körperformen zu gewinnen. 1 bis 2 Stunden werden durchschnittlich benötigt, um die gesamte Hautoberfläche abzudecken. Der künstlerische Wert von FREEWALL wird explizit im Text, der auf einem Stativ neben dem Performer für die gesamte Länge der Aufführung gezeigt wird, ausgedrückt.

FOTOGRAF: die Dokumentation jeder Episode wird von einem Fotografen gemacht, der unter aktiven Künstlern in der Gegend, wo FREEWALL stattfindet, ausgewählt wird. Während FREEWALL für die Öffentlichkeit angeboten wird, wird der Fotograf sehr diskret Bilder schießen, ohne die Interaktion mit dem Publikum zu stören.

 

Marc Philipp Gabriel (BA): „SMLXL“

Choreographers: Gabriel M. Philipps, Marc P. Gabriel

Performer: Leute und Haustiere

 

Fortlaufende Videoinstallation unter dem Glasdach links vom Kesselhaus am äußersten Ende des Hofs.

 

Allison Peacock (SODA): „How to Build a Ferry Boat and Learn Perspective Drawing Simultaneously" (working title)

Performer: Allison Peacock

Materials: Segeltuchplane

 

In dieser 12-stündigen Arbeit werde ich ein Areal, das die Uferstudios umgibt, erfassen und die Zeit damit verbringen das zu sammeln, was in diesem Raum verfügbar ist ohne im Austausch Geld dafür zu geben. Was dabei herauskommt, ist das, was ausgestellt wird und im Laufe des Tages zu einer Sammlung wachsen wird - eine Choreographie des Sammelns.

 

Kyla Avery Kegler & Kiran Kumar (MA SODA): „Wearing Masks"

Choreographie: Kyla Avery Kegler

Masken / Kostüme: Kyla Avery Kegler

Mediengestaltung: Kiran Kumar

Kamera: Kiran Kumar

 

In „Wearing Masks“ (Masken tragen), war der Aktionsradius der Performer zunächst auf ein Ladengeschäft mit gläsernen Wänden beschränkt, anschließend unternahmen sie einen Spaziergang durch die Straßen der Stadt. In dieser Installation wird das Dokumentationsmaterial dieser Performance zu einem Archiv. Ein mobiles Saunahaus dient als Behälter für das Archiv, das Bilder von der Enge und dem Spaziergang der maskierten Performer enthält.

 

Andrea Krohn (Guest student MAC): „Augury“

Choreography & Performance: Andrea Krohn

 

„Augury" wurde aus dem Bedürfnis der brasilianischen Künstlerin Andrea Krohn geboren, über die Angst vor Gewalt, der wir ständig ausgesetzt sind, zu sprechen. Auf der Straße, in Bahnhöfen, auf öffentlichen Plätzen. Wie Vögel gehen wir zerfahren durch die Stadt. Kommt die Gewalt nur von der Außenwelt, von den ständig blutigen Nachrichten? Wie sehr kann sie in unserer eigenen Seele präsent sein? Schaffen wir die Paranoia für uns selbst? Die körperliche Erfahrung in einer großen Metropole zu leben - São Paulo, Brasilien – kommt zum Ausdruck und auch in Berlin, wo das Stück entsteht: Frau und Vogel, tanzen Zeitungsskulpturen, greifen an und werden angegriffen.

 

Die Performance wurde bislang in alternativen Räumen (Transformance und Crack-Punkt Tanz Festival Berlin) vorgestellt, und auch als Bühnenproduktion (Festival de Nômade Dança - São Paulo / Brasilien).

 

Andrew Wass (MA SODA Alumnus): „Vectors of Fluency“

fortlaufende partizipatorische Performance, mehrere Runden von 60 Minuten

Choreographie: Andrew Wass

Performer: alle und jede/r

 

Vectors of Fluency“ ist eine Untersuchung der Grenzen zwischen Zuschauern und Performern. Genau wie die Darsteller dynamische zeitlich-räumliche Strukturen nach ästhetischen und physischen Möglichkeiten und Vorlieben auf einem ebenen Schauplatz manifestieren und auflösen, so manifestieren und lösen auch die Zuschauer die Lage und Stärke der vierten Wand nach ihren Bedürfnissen und Wünschen. „Vectors of Fluency“ hat keinen vorgegebenen Score, außer Ort und Dauer. Alle Performer teilen sich die Rolle des Autors indem sie ihren gegenwärtigen Zustand des Seins verkörpern. Dies bedeutet nicht, dass alle Performer gleich sind. Es bedeutet, dass sie jeweils völlig frei sind, ihre Haltung und Gedanken körperlich darzulegen und auf die Erfahrungen und Ausdrucksformen aller anderen Darsteller während „Vectors of Fluency“ zu reagieren und sie zu unterstützen.

 

Die Identität der Performer ist fließend, ermöglicht gegenseitige Beobachtung und erzeugt eine intensive Präsenz im Raum (1), ermöglicht den Performern und Zuschauern das Potenzial dessen, was als nächstes kommt, zu teilen (2). Die Veranstaltung findet für die Dauer von Ausufern statt. Im Laufe des Tages kann jeder als Zuschauer oder als Darsteller an „Vectors of Fluency“ teilnehmen.

(1) Gerald Siegmund

(2) aus dem Programmheft von „Insignificant Others“

YOU ARE HERE I Eine Kooperation mit TANZ IM AUGUST I 16.-31. August  I online
©Sven Hagolani
>©Sven Hagolani

„YOU ARE HERE - Mapping the Festival“ ist ein Projekt von fünf KünstlerInnen – zugleich Studierende aus den drei Studiengängen des HZT -, die als kontinuierliche Besucher von Tanz im August die Festivallandschaft von oben und allen Seiten inspizieren. Sie untersuchen die Komplexität kuratorischer Arbeit und was für Konzepte, Themen und Gedankengänge ein Ereignis wie Tanz im August sichtbar macht und analysieren, was dann im Festivalgeschehen tatsächlich entsteht. Ihre Beobachtungen und Befunde posten sie regelmäßig auf dem Festival-Blog; dabei werden verschiedene Schreibstrategien entwickelt und neue Werkzeuge gesucht, um Denkprozesse zu stimulieren - gegenseitig und ebenso die der anderen Besucher. Die Blog-Einträge sollen Besuchern Orientierung im Festival und Bezugspunkte und Ansätze zur Reflexion ihrer eigenen Positionen bieten. Reflektiert wird auch die Frage, wie KünstlerInnen über die Arbeit anderer KünstlerInnen schreiben können und welche Fragen dies wiederum in Beziehung zum Festivalrahmen aufwirft. 


YOU ARE HERE hat sein Zuhause auf dem Festival-Blog, sein Büro im HAU3 und wird seine Konklusionen und Befunde off-line in einer Lecture vorstellen. (Datum & Ort werden noch bekannt gegeben).

 

Blog


Beteiligt sind: Matteo Graziano (MAC), Renen Itzhaki (BA), Kiran Kumar (MA SODA), Tabea Xenia Magyar (BA), Kareth Schaffer (BA)

The very very long SLEEP-OVER in Uferstudios I 10.08 - 11.08

FILM – VOTING – AWARD – SLEEP-OVER  – GRILLING – PARTY - MUSIC – MASSAGE – GAMES – BETS – DANCE – GALA – BREAKFAST – SAUNA


At 12 a.m. on Saturday the 10th of August starts the film marathon, screening the eleven nominees for the Prix Jardin d’Europe. After a long day, a short night and an early morning we can vote for the best dance production. Sunday at 4 p.m. we will witness the voting results in the Award Winning Ceremony on a live broadcast from Vienna. 

 

With the featured performances of Jana Unmüßig, Willy Prager and Zeina Hanna, three HZT Alumni are represented in this years Prix Jardin d’Europe.


Viewing eleven video registrations of dance productions is only possible with enough breaks and ‘divertisement’ – with barbequeing in the court yard, chatting about the films in the sauna, doing high energy games to keep awake, dancing for the same reason, listening to several bands & musicians, placing a bet on who the winner will be, having a massage after the films and the sleep-over, telling scary bedtime stories, having a pillow fight (or maybe not!), eating breakfast & attending the ImpulsTanz Prize Award Ceremony. 


So bring your pyjamas, gala clothes, pillow & covers, something for the BBQ and have a good time with us. Please give us notice that you’re coming, so we can prepare the BBQ, breakfast and make sure there is enough for each of you.  

More about the Prix Jardin d’Europe, the nominees and the network Life Long Burning: http://www.lifelongburning.eu/projects/prix_jardin_deurope.html

 

Saturday 10 August 12 a.m to Sunday 11 August 4 p.m.   

 

 

HYMNEN I 17 Uhr I 24.08 I Heimathafen Neukölln

Eine performative Arbeit zur Frage der Nationsbildung 

 

« Faites vos jeux, Mesdames et Messieurs ». 

 

Studierende des HZT BA-Studiengangs Tanz, Kontext, Choreografie widmen sich in einer performativen Arbeit der Frage, wie wir in einem Raum aus vielen Nationen mit vielen Individuen koexistieren können. Grundlage dafür bildet ein akustisches Weltbild: die Komposition « Hymnen » (1966-67) von Karlheinz Stockhausen. « Hymnen » ist der Versuch, eine Vielzahl von Nationalhymnen zu einem Werk zu vereinen,  mit dem Ziel, eine neukomponierte Vision der Völker und Nationen erlebbar zu machen. Die Komposition besteht aus nationalen Lobgesängen, Kalter-Kriegs-Massengezwitscher und Science-Fiction-Geräuschen, gegliedert in vier «Regionen» , die so etwas wie politische Mobilität entwerfen. Aber « Hymnen » ist auch die Weiterführung eines per se westlichen Idioms: die Repräsentation der Universalität. Wie stellen wir heute die Welt, in der wir Leben (möchten) dar? Und wer sind WIR? 


Im Ballsaal der Universalität, dem goldenen Saal des Heimathafen Neuköllns, werden die Karten der Nationsbildung neu gemischt. Neue Gemeinschaften werden angekündigt. Das Zentrum der Intelligenz wird verschoben. Eigentum und Territorium verabschieden sich oder werden neu besiedelt. Dennoch vergeht die Zeit, wenn auch zu langsam oder zu schnell. « Hymnen » untersucht, ob wir unsere kommenden Prinzipien der Gruppenbildung für unsterblich erklären wollen. Werden wir je unsere Nachbarn wählen können? Und gibt es eine gemeinschaftsschaffende Musik ohne Nostalgie?


Von und mit: Philipp Enders, Marc Philipp Gabriel, Katharina Greimel, Martin Hansen, Ellinor Ljungkvist, Ania Nowak, Iva Radic, Danilo de Oliveira Viana, Nir Vidan, Kasia Wolinska


Konzeptuelle Betreuung: Alain Franco, Cecilie Ullerup Schmidt


In Kooperation zwischen der Neuköllner Oper und dem Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin. Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule für Schauspielkunst ‚Ernst Busch’ Berlin in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin

 

 

MOVE OP! ein Festival der Neuköllner Oper im Heimathafen Neukölln I Karl-Marx-Straße 141 I Eintritt 5 €

BALTHAZAR (2. a choreography) I 6. bis 8. Juni 2013 I Kampnagel Hamburg

Balthazar: David Weber-Krebs und Maximilian Haas
>Balthazar: David Weber-Krebs und Maximilian Haas

Wir leben mit Tieren und wir arbeiten mit ihnen. Und mangels einer gemeinsamen Sprache sind es die Körper, die diese geteilte Welt verhandeln. Und überhaupt: was wir sind, ist das, was wir mit ihnen und durch sie geworden sind. Gemeinsam mit Tabea Magyar und Renen Itzhaki (Studierende HZT Berlin) untersuchen wir die Bedingungen von Zusammenleben und Zusammenarbeit mit Tieren in choreographischer Arbeit.


Balthazar ist ein künstlerisch-theoretisches Projekt von David Weber-Krebs (Regie) und Maximilian Haas (Dramaturgie/Theorie), das unser kulturelles Verhältnis zu Tieren mit den Mitteln des Theaters erforscht. Balthazar konfrontiert ein Tier und eine Gruppe menschlicher Performer auf der Bühne. Ein lebendiger Esel – Balthazar – ist der Protagonist, um den das Bühnengeschehen sich dreht. Das Projekt besteht aus einer Serie von drei Performances in verschiedenen Städten und einem Buch, gestaltet von der Künstlerin Ines Lechleitner. Die Hamburger Version ist ein Tanzstück und geht den Ideen der amerikanischen Philosophin und Aktivistin Donna Haraway (The Companion Species Manifesto, When Species Meet) nach. Das Stück ist entstanden in Kooperation mit dem Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin.

 

Do/Fr/Sa 19 Uhr I Kampnagel Hamburg I Jarrestr. 20 I 22303 Hamburg I Festivalseite

 

IN ZUCHT I BA FESTIVAL I UDERSTUDIOS I 18. - 21. APRIL 2013
IN ZUCHT I BA FESTIVAL 2013
>IN ZUCHT I BA FESTIVAL 2013

IN ZUCHT geht in die dritte Runde! Das Festival ist eine selbst organisierte Plattform für neue Arbeiten der Studenten des Bachelorprogrammes Tanz, Kontext, Choreographie am HZT Berlin.

Die diesjährige Ausgabe – das Festival findet erstmals mit der drei Jahrgänge umfassenden Zahl von 45 Studenten statt- zeigt Tanz in einer Vielfalt von Formen: ausgefeilte Performances, Work in progress, Installationen, Filme, Künstlergespräche und Interventionen. IN ZUCHT kreuzt Ernst und Spiel, Theorie und Praxis, Individualismus und Kommunismus. Herzlich willkommen zu IN ZUCHT!

 

PROGRAMM I Eintritt frei I Keine Reservierung notwendig I Karten an der Abendkasse I

 

UferstudiosUferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

MAX – Eine Veranstaltungsreihe der Studierenden des Masterstudiengangs Choreographie I SoSe 2013
MAX 2013
>MAX 2013

 

Die Veranstaltungsreihe MAX beschäftigt sich mit Perspektiven, Aspekten und Kontexten von Choreographie. Die verschiedenen Veranstaltungen werden von den Studierenden des Masterstudiengangs Choreographie (MAC) des HZT konzipiert.

 

PROGRAMM I Eintritt zu allen Veranstaltungen frei.

 

Views on Dance I Sommersemester 2013 I Uferstudios

© Désirée Meul
>© Désirée Meul

Künstler und Denker zu Gast im HZT teilen ihre Perpektive auf Tanz. Eintritt frei.

 

5.6.2013 I 18 Uhr I Studio 11

„Zur Aufteilung von Zeit”

Cecilie Ullerup Schmidt im Gespräch mit Florian Feigl  

 

Zeitökonomie ist nicht nur eine Disziplin innerhalb neoliberaler Marktverhältnisse, sondern kann auch in der Aufteilung von Zeit im Produzieren von performativer Kunst beobachtet werden: wie lange proben wir und wie lange performen wir? Was ist ein zufriedenstellendes Format und wer definiert die Parameter von „zu lang" oder „nicht abendfüllend"? Der Performancekünstler Florian Feigl entwickelte die fortlaufende Performance „300" als Künstler und Vater von drei Kindern. Er fand ein angemessenes Arbeitsformat, indem er fünf Minuten/ 300 Sekunden Sequenzen aus skulpturalem, sozialem und filmischem Material entwickelte – und 300 von ihnen zu einer Sammlung von ungefähr 24 Stunden zusammenführte. Ausgehend von der materialistisch- feministischen Prämisse von „300" werden wir die Aufteilung von Zeit in der Arbeit eines Künstlers diskutieren.

 

19.6.2013 I 18 Uhr I Studio 11

„Wie lässt sich das Universelle repräsentieren?”

Cecilie Ullerup Schmidt im Gespräch mit Alain Franco

 

Karlheinz Stockhausen komponierte „Hymnen" in den späten 60er Jahren. Diese Arbeit besteht aus einer dialektischen Konstruktion von Nationalhymnen, gegliedert in vier Bereiche, die so etwas wie „politische Mobilität" beschreiben. Aber „Hymnen" ist auch die Weiterführung eines per se westlichen Idioms: der Repräsentation der Universalität. Zusammen mit einer Gruppe von Studierenden des HZT und dem Musiker Alain Franco werden wir in „Hymnen" hineinhören und das Werk als Zugang nehmen, für die Erkundung wichtiger Aspekte bezüglich Nationen und Co-Existenz sowie technologischer Formate des Austauschs und der Integration.

Das Gespräch steht in Zusammenhang mit dem Projekt „Hymnen“ - einer Zusammenarbeit von Neuköllner Oper und HZT Berlin im Rahmen des Festivals „Move Opera“, das im August im Heimathafen Neukölln stattfinden wird.

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

SODA lecture series: What is Subject? What is Creation I 18–20 Uhr I Uferstudios I Studio 9

© Marion Borriss
>© Marion Borriss

Zum zweiten Mal, wiederum in einem Sommersemester, fokussiert die SODA Lecture-Reihe auf die Frage nach dem Subjekt in Beziehung zu choreographischer und zeitgenössischer künstlerischer Praxis allgemein. Die Frage nach dem Subjekt ist heute wieder ein zentraler Aspekt der philosophischen, künstlerischen und kritisch-politischen Diskurse; deshalb bildet sie den Ausgangspunkt, sich mit den drei zentralen Begriffen des SODA-Studiengangs – Solo, Tanz, Autorschaft – zu befassen.

10. April I Boyan Manchev I What is Subject? What is Creation?
In seinem Einführungsvortrag wird Boyan Manchev die Frage nach der Subjektivität mit der Frage nach dem Werk in Beziehung setzen und versuchen, eine Alternative zu der radikalen Kritik am Begriff des Subjekts im letzten Jahrhundert vorzuschlagen: Was wir nach dem „Tod des Subjekts” brauchen, ist nichts anderes als eine emanzipierte Subjektivität als Kraft von Transformation und Gerechtigkeit.

17. April I Helmut Ploebst I Critical Mass
Helmut Ploebst wird die autopoietische Voraussetzung des ‚Kritischen’ in Prozessen der Natur und der Gesellschaft im Verhältnis zur ‚Kritik’ in Kunst und ihrer Reflexion untersuchen. Er wird die Symptome der Krise der Kritik im Kontext der derzeitigen flüssigen politischen und ökonomischen Regimes in den Blick nehmen – und die Möglichkeiten, in dieser Realität zu navigieren.
Moderation: Boyan Manchev 

22. Mai I Noémie Solomon I Stillleben. Merce Cunningham und die Re-Artikulation von Tanzgeschichte 

Noémie Solomon ist Mellon Postdoctoral Fellow in der Fakultät für Kunst an der McGill University und erhielt kürzlich ihren PhD in Performance Studies an der New York University. Ihre Texte und Übersetzungen wurden in den Publikationen und Zeitschriften Perform, Repeat, Record; Planes of Composition; TDR; Dance Research Journal; Maska veröffentlicht. Sie kollaborierte in dramaturgischen, kuratorischen und Forschungs-Initiativen mit dem iDANS Contemporary Dance and Performance Festival (Istanbul, 2009); für die Retrospektive Move: Choreographing You (Hayward Gallery, London, 2010); mit dem Photomusée de la danse (Avignon, 2011); Danspace Project (New York, 2012-13). 
Moderation: Boyan Manchev 

 

29. Mai I Constanze Schellow I Der Böse Blick des ‚Authoriums' vs. eine Ästhetik der Ver-Antwortung? Zur Performance von Zuschauerschaft in zeitgenössischer Choreographie
Im Diskus über Tanz und Performance spielt der Zuschauer gegenwärtig eine Hauptrolle. Der Vortrag nimmt verbale Inszenierungen des Zuschauers in der Theorie zum Ausgangspunkt, um die politische Ambivalenz der Aussage zu untersuchen, dass zeitgenössische Performances in ihren Betrachtern spezifische Bewegungen der ‚Selbst-Aktivierung’ choreographieren. Mit was für einem ‚Selbst’ haben wir es hier zu tun und wie wird es konditioniert – in künstlerischen Arbeiten und ebenso in ihrer Theoretisierung? 

Moderation: Boyan Manchev


12. Juni I Frédéric Neyrat I 
Theorie der Zwielicht-Imagination

Erzählkunst und andere unglaubliche Geschichten: die Fiktionen des Kapitals scheinen durch eine Verwerfung des dunklen Wesens der Imagination charakterisiert zu sein. Zurückgreifend auf den deutschen Idealismus bezeichne ich mit Zwielicht Imagination, was die Formung der Welten, mythologischen Kreationen und cinematographischen Arbeiten bestimmt. Falls die Fiktionen des Kapitals wissen, wie man einige der Wirkungen der Imagination ausbeutet, so sind sie nicht in der Lage ihre Kraft auszulösen. Wir müssen ästhetisch und politisch Verantwortung übernehmen für diese Kraft im Namen einer psychischen Ökonomie von vorgestellter Beteiligung, einen Platz lassend für Passivität und Dunkelheit. 

Moderation: Boyan Manchev

Frédéric Neyrat ist Philosoph, ehemaliger Direktor des College International de Philosophie in Paris und Mitglied des redaktionellen Beirats des einflussreichen interdisziplinären französischen Journals Multitudes. Seine Publikationen umfassen u.a. L'indemne: Heidegger et la destruction du monde (2008), Biopolitique des catastrophes (2008), Instructions pour une prise d’âmes. Artaud et l’envoûtement occidental (2009); Le terrorisme, un concept piégé (2011).

03. Juli I Isabell Lorey I Performative Arbeit und die öffentliche Bühne der Virtuosität

Produktion wird zur Zeit nicht nur sozial durch Kommunikation und Serviceleistungen, sondern auch ästhetisch. Arbeit und Ästhetik verstricken sich ineinander. Wenn die Erfahrung jeder einzelne Person Teil des Produktionsprozesses werden kann, passiert Selbstbestimmung als Performance in der Öffentlichkeit. Arbeit wird eine virtuose Darstellung. Aber, wenn Arbeit öffentliche Virtuosität wird, was wird dann aus dem politischen Handeln, das einmal zentraler Aspekt von Öffentlichkeit und Virtuosität war – vor allem im Werk von Hannah Arendt?

 

Moderation: Boyan Manchev

 

Isabell Lorey, PD Dr. phil., Politologin, lehrt gegenwärtig als Gastprofessorin für Politische Theorie am Zentrum Gender Studies an der Universität Basel. Zuvor hatte sie Gastprofessuren an der Humboldt-Universität zu Berlin (2010 und 2011) und an der Universität Wien (2009 und 2010). 2001–2007 Assistenzprofessur für Gender & Postcolonial Studies an der Universität der Künste in Berlin. Publikationen zu: Prekarisierung von Arbeit und Leben im Neoliberalismus; sozialen Bewegungen, insbes. Euromayday-Bewegung und die Besetzungsbewegungen seit 2011; kritischer Demokratietheorie, biopolitischer Gouvernementalität und politischer Immunisierung. Ihre Habilitation zu den Ordnungskämpfen der römischen Republik, dem Plebejischen, Konzepten von Gemeinschaft und Immunisierung wurde unter dem Titel Figuren des Immunen. Elemente einer politischen Theorie veröffentlicht.

 

 

Alle Lectures beginnen 18 Uhr und enden, die Disskusion eingschlossen, ungefähr 20 Uhr. Sie sind für die Öffentlichkeit geöffnet und frei im Rahmen der vorhandenen Plätze.

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

Bühne und Tanz am Bauhaus I Vortrag von Burghard Duhm I 8. Juli I 18 Uhr I Uferstudios I Studio 11


Burghard Duhm, wissenschaftlicher Mitarbeiter der Stiftung Bauhaus Dessau, wird in diesem Vortrag der Frage nachgehen, weshalb es am historischen Bauhaus eine Bühne gab und wie sich Bühnenarbeit unter den spezifischen Bedingungen einer Hochschule für Gestaltung entwickeln konnte. Wer waren die Protagonisten, welche Bühnenideen wurden diskutiert und realisiert?


Der Vortrag findet im Rahmen der Kooperation des HZT Berlin mit der Stiftung Bauhaus Dessau für das vom Tanzfonds Erbe geförderte Projekt „Bauhaus tanzen“, statt.

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
, U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

SNDO Graduates I Absolventinnen der SNDO Amsterdam I 05. und 06. Juli I 19:30 Uhr I Uferstudios I Studio 14

 

Die SNDO ist wieder da! Wie bereits in den vergangenen Jahren werden Absolventinnen und Absolventen der School for New Dance Development Amsterdam - Esther Arribas, Carles Casallachs, Clara Amaral, Marina Colomina, Olga Tsvetkova, Marta Ziolek, Nina Djekic, Lisa Vereertbrugghen und Vincent Riebeek – an zwei Abenden in zwei unterschiedlichen Programmen ihre Abschlussarbeiten in den Uferstudios dem Berliner Publikum vorstellen. Im Gegenzug werden dann die diesjährigen Absolventinnen und Absolventen des BA Tanz, Kontext, Choreographie im September in Amsterdam im Het Veem ihre Arbeiten präsentieren. Programm

 

 

Eintritt: 8 Euro / ermäßigt 5 Euro

Reservierungen: Ticketreservierungen bis 1 Tag vor der Vorstellung.  Bitte geben Sie den Tag der Vorstellung an: tickets@hzt-berlin.de Tickets auch an der Abendkasse.

 

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin, U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

02., 10. & 11. Juli I SODA Research Showings I Uferstudios

Die neun Studierenden im dritten Semester des Masterstudiengangs Solo/ Dance/ Authorship (SODA) zeigen die Ergebnisse ihres Forschungssemesters. Während der drei Abende werden sie ihre unterschiedlichen Herangehensweisen an künstlerische Forschung und Performance ausarbeiten und veranschaulichen. Zu sehen sind Performances, Diskussionen, Installationen und mehr.

 

02. Juli

18 Uhr I Lisa Densem I Studio 8

19.30 Uhr I Katrin Memmer I Studio 9 (nur wenige Plätze)

21 Uhr I Maria Baroncea I Studio 8

 

10. Juli

18 Uhr I Niels Bovri I Studio 8

19.30 Uhr I Allison Peacock I Studio 9

21 Uhr I Kiran Kumar I Studio 8 I

 

11. Juli

18 Uhr I Flavio Ribeiro I Studio 8

19.30 Uhr I Céline Cartillier I Studio 11

21 Uhr I Sergiu Matis I Studio 8

 

09-12. Juli, 17-21 Uhr I Zusätzliche Installation von Kiran Kumar im Kesselhaus, Uferstudios

 

Eintritt frei. Begrenzte Plätze, keine Reservierungen möglich, „first-come, first-served“ ab 17:30 Uhr.

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

13. Juli I UDK Rundgang I Bewegungsworkshop I Studioshowings I Uferstudios

 

Studio 11, 16-17:30 Uhr

Im lichtdurchfluteten großen Studio 11 des HZT Berlin laden wir zu einem „Bewegungsworkshop für alle“ mit Neugier und Interesse an Bewegung und Choreographie. Angeleitet wird der Workshop von Prof. Thomas Plischke vom Bachelorstudiengang „Tanz, Kontext, Choreographie“. Tänzerische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Bitte bringen Sie bequeme Kleidung mit.

 

Studio 11, 18-19:30 Uhr

Im Anschluss gibt es Studioshowings von Studierenden des BA „Tanz, Kontext, Choreographie“ und des MA „Solo/ Dance/ Authorship“. Ein Schwerpunkt aller Studiengänge am HZT Berlin ist die Entwicklung eigener choreographisch-künstlerischer Arbeiten. In diesem Format zeigen Studierende kurze choreographische Stücke und Skizzen als „work in progress“.

 

Programm:

Ellinor Ljungkvistto carry on a dialogue ", mit: Ellinor Ljungkvist, Danilo Viana; Juan Gabriel Harcha gray, pink, blue“, mit Liselotte Singer, Juan Gabriel Harcha; Lorena Álvarez und Mareike Dobewall „Women with unhealthy complexion listening to the sound of sirup in the walls“; David Pollmann „xerox christ“ und „think twice“; Claudia Tomasi und Stine Frandsen „how to make diamonds shine“; André Uerba, Helena Botto und Yusuke Kimura „May 31“.

 

Eintritt frei

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
, U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

Vortrag von Torsten Blume

Mi 09.01.2013, 10 Uhr I Gemeindesaal I Eintritt frei

Vortrag in deutscher Sprache.

Torsten Blume: „Der Tänzermensch als Kunstfigur“

Der Vortrag findet im Rahmen eines Bauhaustänze-Workshops für Studierende des HZT Berlin statt. Thematisiert werden Kostüme, Geräte und andere Materialien der Körperverfremdung in Bühnenexperimenten am Bauhaus sowie in den Theateravantgarden der 1920er Jahre.

Torsten Blume ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am Bauhaus Dessau. 

Ein Vortrag im Rahmen des von Tanzfonds Erbe geförderten Projekts „Bauhaus tanzen“.

Gemeindesaal Immanuelkirchstraße I Immanuelkirchstraße 1a, 10405 Berlin (M2 Knaackstraße)

UDK Campus-Kollision 2013

Projektwoche vom 07.-11.01.2013 I Abschlussveranstaltung:

Fr 11.01.2013 I 14 Uhr I Studio 14 I Eintritt frei
Abschlussveranstaltung der Universität der Künste Campus-Kollisionen

 
Was passiert, wenn Mode und Architektur kollidieren, Design beim Tanz aufschlägt oder GWK mit Visueller Kommunikation zusammenstößt? In erster Linie entsteht etwas Neues und Drittes. Das ist die Idee der UdK-Kollisionen – keine Reparatur von Unfallschäden, sondern Provokation von Unordnung, Irritation und wechselseitiger Infektion. Und so funktioniert es: 2 ProfessorInnen/DozentInnen aus unterschiedlichen Disziplinen entwickeln ein gemeinsames Thema und Format für die Kollision der UdK-Studierenden in der ersten Woche des Jahres. Die Kollision überschreitet die Fachbereiche – so entsteht für eine Woche ein temporärer Campus, auf dem sich StudentInnen frei und ungewohnt begegnen.

Die Abschlussveranstaltung der Kollision 2013 findet am Freitag, 11.01.2013 von 14-23 Uhr im Studio 14, Uferstudios statt. www.campus-kollision.de

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

 

Tanztage Berlin

Anna Posch
>Anna Posch

Die TANZTAGE BERLIN sind für den choreographischen Nachwuchs eine wichtige Präsentationsplattform. Die TANZTAGE 2013 zeigen zum 22. Mal neue Positionen im zeitgenössischen Tanz. Von HZT-Studierenden und AbsolventInnen sind folgende Arbeiten im Rahmen des Festivals zu sehen:


Sa 05.01 / So 06.01. I 19 Uhr I
One E on Edge I Mit: Anna Jarrige, Roni Katz, Naama Ityel

So. 06.01., 18:30 Uhr / Mo. 07.01., 20 Uhr I
Zeina Hanna I Never live twice I Assistenz: Miriam Jakob

Mo 07.01. / Di 08.01. I 20:30 Uhr I
Julian Weber I Gepresste Hände erzeugen Druck I Mit: Claudia Tomasi, Cinira Macedo, Boris Hauf, Julian Weber 

Do 10.01 I 20:30 Uhr I
Marysia Zimpel I What do you really miss?

Sa 12.01. / So 13.01 I 20:30 Uhr I
Willy Prager I The Victory Day I Mit: Iva Sveshtarova, Jee-Ae Lim, Willy Prager

Sa 12.01. I 20 Uhr / So 13.01. I 18:30 Uhr I
Anna Posch I Kasten I Assistenz: Annegret Schalke

SOPHIENSAELE, Sophienstraße 18, 10178 Berlin, U-Bahn Weinmeisterstraße / S-Bahn Hackescher Markt

Karten: 030 – 283 52 66 www.sophiensaele.com

 

MA SODA Lecture

©hagolani.com
>©hagolani.com

Mi 23.01.2013 I 18-20 Uhr I Uferstudios I Eintritt frei

Hans-Thies Lehmann: On the political in postdramatic theatre

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

 

HZT Berlin Guest Lecture

© Christina Gangos
>© Christina Gangos

Di 29.01.2013 I 18-20 Uhr I Uferstudios I Eintritt frei

Michael Kliën: Choreography of Revelation / The Warmth of Work; Eine Retrospektive 2002-2012

 

Das letzte Jahrzehnt von Kliëns Arbeit war gekennzeichnet durch die Entwicklung einer choreographischen Praxis, die sich bewusst mit den unterliegenden Dynamiken des Lebens beschäftigt. Aus dem verkörperten Prozess des Lernens und der Sedimentierung sind Kliëns Choreographien als „seltsame kreaturartige Konstellationen“ hervorgegangen. Die weiteren, sozial rekursiven Implikationen dieses scheinbar eigenständigen choreographischen Schaffens haben schließlich dazu geführt, dass Kliëns Arbeit die Form einer verkörperten Praxis von 'Governance' annimmt, die durch Choreographie und Tanz neue Formen von sozialen Beziehungen erprobt.

 

Dies ist eine Retrospektive im wahren Sinne des Wortes. Ein erzählendes Noch-einmal-Lesen, ein Mäandern „durch“ die Arbeit. Die Lecture beschäftigt sich speziell mit Arbeiten für das Ballett Frankfurt, die Daghdha Dance Company, die Ausstellung MOVE in der Hayward Gallery sowie Social Choreographic Projects, die er als künstlerischer Leiter von Daghdha entwickelte.

www.michaelklien.com

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

Views on Dance

© Désirée Meul
>© Désirée Meul

Unter dem Titel „Views on Dance" stellen jeweils zwei KünstlerInnen und/oder TheoretikerInnen ihre aktuellen Fragestellungen und Sichtweisen in Bezug auf Tanz und Choreographie vor und kommen miteinander ins Gespräch.


Mi 16.01.2013 I 18 Uhr I Studio 11 I Eintritt frei
„Views on Dance“: Wanda Golonka und Philipp Gehmacher 

Mi 30.01.2013 I 18 Uhr I Studio 11 I Eintritt frei
„Views on Dance“: Nele Hertling und Eva-Maria Hoerster

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

 

HZT-Lectures jetzt Mittwochs 18:00 Uhr 

©Thomas Plischke
>©Thomas Plischke

In diesem Semester finden die bisherigen BA Tuesday-Lectures unter dem Titel Views on Dance" am Mittwoch statt und wechseln sich mit den MA SODA Lectures ab. Unter dem Thema "Views on Dance" stellen jeweils zwei KünstlerInnen und/oder TheoretikerInnen ihre aktuellen Fragestellungen und Sichtweisen in Bezug auf Tanz und Choreographie vor und kommen miteinander ins Gespräch. Eintritt frei

 

07.11.2012 I18 Uhr I Studio 11

Views on Dance I Michikazu Matsune und Stefanie Wenner

Michikazu Matsune, in Kobe, Japan geboren und seit mehr als zehn Jahren in Wien lebend, entwickelt Projekte in verschiedenen Formaten und Kontexten und interessiert sich für Performance in der Kunst, im Alltag und in gesellschaftlichen Zusammenhängen. Stefanie Wenner war bis August 2012 Dramaturgin und Kuratorin für Theater am HAU und ist jetzt im Team des Theaterfestivals Impulse.

 

14.11.2012 I 18 Uhr I Studio 11
Views on Dance I  Jeanine Durning: inging

Studioshowing
Der Körper als notwendige Brücke zwischen Denken und Sprache ist Ausgangspunkt von Jeanine Durnings Arbeit „inging“. „inging“ bezieht sich auf die im Englischen verwendete Endung ‘-ing’, der Verlaufsform der Gegenwart, die eine kontinuierliche Handlung, wie Singen, Springen etc. und eine fortlaufende Entwicklung anzeigt. In „inging“ erfindet Durning non-stop, sie füllt Leerstellen mit Geplapper, Fantasien, Erinnerungen und Tatsachen. Diese Soloperformance fordert sowohl die Performerin als auch die ZuhörerInnen heraus, über das Mysterium von Kommunikation, Kontext und Bedeutung nachzudenken.

 

21.11.2012 I 18 Uhr I Studio 9

HZT MA SODA Lecture Series I Esa Kirkkopelto: The Composed Body

Vortrag von Esa Kirkkopelto im Rahmen der SODA Lecture Series des MA-Studiengangs Solo/Dance/Authorship. Esa Kirkkopelto ist Theaterregisseur und Philosoph, stellvertretender Direktor der Theater Akademie in Helsinki. 

Vortrag in englischer Sprache

 

28.11.2012 I 18 Uhr I Studio 9
HZT MA SODA Lecture Series 

Helmut Ploebst: The Activist Turn - Performance and afformance in consequence of Voina, Femen, and Pussy Riot

Vortrag von Helmut Ploebst im Rahmen der SODA Lecture Series des MA-Studiengangs Solo/Dance/Authorship. Helmut Ploebst ist Tanztheoretiker, -kritiker. Er ist Gründer von und der kollektive Sprecher für corpusweb.

Vortrag in englischer Sprache

 

05.12.2012 I 18:00 Uhr I Studio11

Views on Dance Xavier Le Roy und Boyan Manchev im Gespräch

 

 
VORSCHAU: VIEWS ON DANCE LECTURES IM JANUAR

 

16.01.2013 I 18 Uhr I Studio 11

Views on Dance I Wanda Golonka und Phillipp Gehmacher


29.01.2013 I 18 Uhr I Uferstudios

Lecture I Michael KLIËN


30.01.2013 I 18 Uhr I Studio 11

Views on Dance I Nele Hertling und Eva-Maria Hoerster

Nele Hertling und Eva-Maria Hoerster im Gespräch über die Entstehung der Berliner Tanzszene.

 

 

Bauhaus tanzen

23.11.2012 I 18-20 Uhr I Studio 3

Vortrag zur Bauhaus-Bühne und den Bauhaus-Tänzen von Torsten Blume

Eine Einführung in die Idee und Geschichte der Bauhaus-Bühnenwerkstatt von 1921 bis 1929. Dabei geht es um die Frage, warum es am Bauhaus, einer Hochschule für Gestaltung, überhaupt eine Bühnenklasse gegeben hat und was die von 1926 bis 1929 entstandenen "Bauhaus-Tänze" gewesen sind.

 
Torsten Blume ist wissenschaftlicher und künstlerischer Mitarbeiter der Stiftung Bauhaus Dessau.

 

 

Erasmus Intensiv Programm 2012 „Practising Composition: Making Practice“ in Helsinki

Vom 28. Oktober bis zum 10. November findet zum zweiten Mal das Erasmus Intensiv Programm: „Practising Composition: Making Practice“ statt; Gastgeber ist TeaK / Theater Akademie Helsinki.

 

Das diesjährige IP trägt den Untertitel „Composition: Aesthetics and Social Experience“. 36 Studierende und Lehrende der europäischen Masterstudiengänge Choreographie sowie Life Art and Peformance Studies und Regie an der TeaK / Helsinki, Choreographie am ArtEZ / Arnhem und am University College Falmouth / UK, Dance Theatre am TrinityLaban / London, Dramaturgie an der Academy of Dramatic Arts / Zagreb und Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin untersuchen in Workshops, Diskussionen und Präsentationen diesen spezifischen Aspekt von kompositorischer, dramaturgischer und choreographischer Arbeit und nehmen die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft in den Blick.

 

 

Lecture und Konzert mit Alain Franco

Alain Franco © Anja Beutler
>Alain Franco © Anja Beutler

16.12.2012 I 15 bis 20 Uhr I Uferstudio 11

Montage der Geschichte. Johann Sebastian Bach: Das Wohltemperierte Klavier Teil I + II

Eintritt: frei, Reservierung erforderlich: ticket@hzt-berlin.de

 

ACHTUNG: Das Konzert wird in drei Teilen geteilt sein, ein Kommen und Gehen ist nur möglich in den drei Blöcken:

Block 1: 15:00 - approx. 16:40

Block 2: 17:00 - approx. 18:30

Block 3: 18:50 - approx. 20:00

 

NEW SODA WORK

 

Masterstudiengang Solo / Dance / Authorship

Final Presentations 10. – 18. Dezember 2012

 

Acht Studierende des Masterstudiengangs Solo / Dance / Authorship am HZT Berlin schließen in diesem Semester ihr Studium ab. Vom 10. bis 18. Dezember 2012 präsentieren sie ihre Abschlussarbeiten auf der Bühne der Uferstudios (Studio 14). (Fast) alle Stücke werden an zwei Abenden zu sehen sein.

 

EINTRITT FREI I RESERVIERUNG ERFORDERLICH UNTER:

ticket@hzt-berlin.de I Infos: www.hzt-berlin.de

(Bitte Tag und Uhrzeit angeben)

 

Uferstudios, Studio 14

Uferstraße 23 und Badstraße 41A

13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

 

 

PROGRAMM:

 

Montag, 10. Dezember

19:00 Uhr JEE-AE LIM I Raw Material

20:30 Uhr MARCIO CARVALHO I Impossible Chronologies

 

Dienstag, 11. Dezember

19:00 Uhr JOANA VON MAYER TRINADE I ZOS (She Will Not Live)

20:30 Uhr WILLY PRAGER I The Victory Day

 

Mittwoch, 12. Dezember

19:00 Uhr ANDREW WASS I The Signal and The Noise

20:30 Uhr SONJA PREGRAD I The carnival tent rusts in the evening breeze

 

Donnerstag, 13. Dezember

19:00 Uhr IGOR KORUGA I Come quickly, my happiness is at stake!

20:30 Uhr HANA LEE ERDMANN I These children singing in stone

 

Samstag, 15. Dezember

19:00 Uhr JOANA VON MAYER TRINDADE I ZOS (She Will Not Live)

20:30 Uhr JEE-AE LIM I Untitled

 

Sonntag, 16. Dezember

19:00 Uhr ANDREW WASS I The Signal and The Noise

20:30 Uhr SONJA PREGRAD I The carnival tent rusts in the evening breeze

 

Montag, 17. Dezember

19:00 Uhr JEE-AE LIM I  Raw Material

20:30 Uhr MARCIO CARVALHO I Impossible Chronologies

 

Dienstag, 18. Dezember

19:00 Uhr IGOR KORUGA I Come quickly, my happiness is at stake!

20:30 Uhr HANA LEE ERDMANN I These children singing in stone

 

 

Montag, 10. & Montag, 17. Dezember jeweils 19:00 Uhr

Jee-Ae Lim Raw Material”

In „Raw Material“ geht es um die individualisierten Vorstellungen von traditionellem 전통의 koreanischem Tanz 춤 im Hinblick auf die persönliche Identität 정체성. Es ist eine Serie von Arbeiten, die ich in den letzten anderthalb Jahren entwickelt habe. Ich versuche darin, die Form des traditionellen koreanischen 한국 Tanzes 춤 als Rohstoff zu verwerten, um neue Arten der Nutzung des Körpers 몸 als Inspirationsquelle zu erforschen. Das Stück untersucht, wie der Körper mit einem sich ständig wandelnden Prozess der Neuordnung, Rekonstruktion 재구성 und Dekonstruktion 해체 umgeht. Indem ich diesen Prozess auf diese Weise verändere, kann ich unzählige Möglichkeiten 가능성, den Körper 몸 zu nutzen, aufzeigen und entfalten.

 

Montag, 10. & Montag, 17. Dezember jeweils 20:30 Uhr

Márcio Carvalho Impossible Chronologies”

Konzept und Performance Márcio Carvalho

in Zusammenarbeit mit Prof. Dr. Christoph Ploner

Márcio Carvalho: Ich möchte Ihnen Prof. Dr. Christoph Ploner vorstellen. Er ist Neurologe, Neurowissenschaftler und Professor für Neurologie an der Charité in Berlin. In seiner Forschungsarbeit befasst er sich mit Neurowissenschaft und Intensivmedizin: Er ist mein Mitarbeiter.

Christoph Ploner: Ich möchte Ihnen Márcio Carvalho vorstellen. Er ist Künstler und unabhängiger Kurator in Berlin. Er arbeitet im Bereich der bildenden und der darstellenden Künste. Er ist mein Mitarbeiter.

 

Dienstag, 11. & Samstag, 15. Dezember jeweils 19:00 Uhr

Joana von Mayer Trindade ZOS (She Will Not Live)“

„ZOS“ verweist als Begriff auf den Archetyp des unzerstörbaren Lebens, auf beständiges Leben, nicht auf die individuelle Existenz (Bios), sondern auf das Leben, das niemals endet. Es ist eine Möglichkeit, den primären Archetyp des Dionysos zu verstehen. „She Will Not Live“ steht für die Konfrontation mit der Sterblichkeit und der Unbeständigkeit. „ZOS“ beschäftigt sich mit dem, was nach dieser Erfahrung kommt, hoffentlich mit dem Überleben, mit dem Werden, dem Erfassen des Überlebens an sich. Ein Solo, in dem die Darstellerin sich als lebende Ausstellung erweist, ein lebendes Bild, in dem ein Körper zur Schau gestellt wird, bei dem es um die Vergänglichkeit flüchtiger Momente geht, die Vergänglichkeit der Leidenschaft, die Vergänglichkeit des Werdens.

 

Dienstag, 11. Dezember 20:30 Uhr

Willy Prager: The Victory Day”

Das Anliegen der Performance „The Victory Day“ ist es, zu untersuchen, wie man in einer Performancesitutation das Publikum dazu bringen kann, sich leidenschaftlich mit der Idee einer Revolution auseinanderzusetzen. Ich verwende Elemente revolutionärer Ereignisse des letzten Jahrhunderts, um schließlich die theatralische Simulation einer Revolution zu erzeugen. Ich untersuche, wie Propaganda im Theater funktioniert, und wie das Theater mit dem Enthusiasmus und der Enttäuschung während und nach einer revolutionären Handlung umgeht.

 

Mittwoch, 12. & Sonntag, 16. Dezember jeweils 19:00 Uhr

Andrew Wass „The Signal and The Noise“

"you come, we'll [do] what we do"

...jeder Tänzer/Autor hat eine einzigartige Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft...dennoch erfährt jeder Tänzer/Autor Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gleichzeitig...treffen zwei beliebige Kräfte aufeinander, entsteht automatisch eine dritte, die wiederum auf neue Kräfte trifft und künftige erzeugt...unablässig werden Strukturen geschaffen und gehen in weiterführende Strukturen über...

 

Mittwoch, 12. & Sonntag, 16. Dezember jeweils 20:30 Uhr

Sonja Pregrad: The carnival tent rusts in the evening breeze“

Als ich zehn Jahre alt war, brach das Wertesystem, das nationale, soziale und politische System, der historische und kulturelle Kontext, in dem ich aufzuwachsen schien, zusammen. Was ich anscheinend ganz abrupt lernen musste, war, dass Wahrheiten und Werte immer in Beziehung zu ihrem Kontext existieren. Daher stammt glaube ich mein Interesse an der Entwicklung von Arbeiten, die Beziehungen untersuchen, verdeutlichen und herstellen – Beziehungen zwischen Gesellschaft und Individuum, Zuschauer und Darsteller, Menschen und ihren Körpern. Meine Arbeit entstammt einer Tanzpraxis, reicht aber hinein in die Bereiche Theater, Installation und Schreiben. Zurzeit arbeite ich mit dem Gedanken des Tanzes als einem Objekt, des Theaters als einem Objekt: ich interessiere mich für die Überschneidung von Tanz und bildender Kunst – die Integration des „White Cube“ in die „Black Box“.

 

Donnerstag 13. & Dienstag, 18. Dezember jeweils 19:00 Uhr

Igor Koruga Come quickly, my happiness is at stake!”

Was gibt es Freundlicheres als das Gefühl zwischen Gastgeber und Gast?

Ich lade Sie herzlich ein, am 13. Dezember um 19 Uhr ins Studio 14 der Uferstudios, Uferstraße 23 und Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz) zu kommen und meinen 27. Geburtstag zu feiern. *Begrenzte Platzanzahl. Reservierung erforderlich. *Getränke bitte selbst mitbringen! Eine Wiederholung der Feier findet am 18. Dezember zur gleichen Zeit am gleichen Ort statt.

Seien Sie mein Gast!

Igor Koruga

der Gastgeber an sich

 

Donnerstag 13. & Dienstag, 18. Dezember jeweils 20:30 Uhr

Hana  Lee Erdman These children singing in stone.”

Wenn die Arbeit eine Bewegung zwischen Fokus und Kontext ist, dann erzeugt eben diese Spannung eine fragmentierte Subjektivität, Oberflächen, die mit der Zeit sichtbar werden, ein sich mischendes Bild, eine Geste.

 

Samstag, 15. Dezember 20:30 Uhr

Jee-Ae Lim Untitled”

Dies ist ein künstlerisches Forschungsprojekt, das Körper, Ton und ein mittelalterliches Gemälde zu einem einzigen Medium verwebt. Für mich ist es der Versuch, mein eigenes choreografisches Vokabular zu entwickeln, indem ich den traditionellen Tanz und die mittelalterliche Malerei durch ihre Problematisierung neu formuliere. Der Prozess der Untersuchung des Körpers mit Hilfe der Geschichtswissenschaft wirft die Frage auf, wie ich einen Körper als eine sich bewegende, sich entwickelnde Form der Dokumentation neu entwerfen kann. Eine, die traditionelle Tanzformen beibehält, und wie ich die Malerei des Mittelalters als wandelbare Dokumentation neu bestimmen kann. Diese Arbeit zeigt auch die Funktion eines Körpers als Form der Bewegungsrecherche auf, in Kooperation mit zeitgenössischer Musik und atmosphärischen Klängen, die sowohl elektronisch als auch durch Instrumente erzeugt werden.

 

 

TanzNacht I Metabolic Metropolis I 25. August I 19.00 I Uferstudio 11

 

Berlin ist nicht nur voller Einwohner und Besucher, sondern auch voller Erinnerungen, Geschichten und damit verbundenen Gefühlen. Der Stadt haftet etwas Menschliches an. Sie gleicht einem atmenden Organismus. Auf der emotionalen Landkarte sind einige Orte präsenter als andere, die vergleichsweise ein Schattendasein führen. Studierende des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin (HZT) nehmen den Slogan ‘be Berlin’ der Hauptstadtkampagne wörtlich, begeben sich auf eine Geisterjagd und leihen der Stadt ihre Körper. Sie befragen die Mythen und Geschichten, füllen leere Flecken auf der Karte mit Leben und bringen die Orte zum Sprechen. Und mit der Aneignung der Stadt enthüllen sie auch ihr individuelles Verhältnis zu Berlin, dem sie mit eigenen Geschichten verbunden sind.


Mit: Katharina Greimel, Miriam Jakob, Ana Jelusic, Roni Katz, Ellinor Ljungkvist, Lea Moro, Ania Nowak, Anna Posch, Flavio Ribeiro, Julia Rodriguez, Verena Sepp, Agata Siniarska, Claudia Tomasi, Julian Weber


Tanznacht und HZT zeigen als Kooperationspartner im Rahmen der Tanznacht Berlin die Arbeit “Metabolic Metropolis“ mit Studierenden des HZT und unter der konzeptuellen Betreuung durch Prof. Dr. Kattrin Deufert, Prof. Thomas Plischke (deufert&plischke) und Marlon Barrios Solano.

 

„Metabolic Metropolis“  findet am 25. August 2012 um 19.00 im Uferstudio 11 statt.

 

Vom 22. bis 26.8.2012 findet die Tanznacht Berlin statt. Die Tanznacht ist eine Veranstaltung der Tanzfabrik Berlin in Kooperation mit den verschiedenen Nutzern der Uferstudios und dem Internationalen Tanzfest ‚Tanz im August’. Die Tanznacht bildet die kreative Vielfalt der Stadt in Premieren, Aufführungen, Site-Specific-Performances, Installationen, Special Events, Workshops und Vorstellungen. Mehr als 20 Arbeiten von in Berlin lebenden Künstlerinnen und Künstlern werden gezeigt. Unter der künstlerischen Leitung von Inge Koks hinterfragt die Tanznacht 2012 den Einfluss, den die Stadt Berlin auf die hier lebenden und arbeitenden Choreografinnen und Choreografen hat, und wie umgekehrt die künstlerische Arbeit die Stadt gestaltet und zeichnet.

 

http://tanznachtberlin.de/tanznachtberlin2012/

BA TUESDAY LECTURES I SS 2012 I 18 Uhr I Studio 11
©Marion Borriss
>©Marion Borriss

10.04. Frédéric Gies

Practice, somatics and choreography

 

17.04. Marlon Barrios Solano

Movement in the cloud: embodied, networked and… out of control              

 

08.05. Zanki / Wirthmüller

Vierfüßer.  Studioshowing und Kurzlecture.

Den aufrechten Gang assoziieren wir mit dem menschlichen Körper. Wenn die Körperachse um 90° gedreht wird und sich der Kopf zusammen mit dem Rumpf und dem Gesäß in eine Horizontale begibt, entsteht ein anderer Körper: Der des Tieres, des krabbelnden Kindes, des Bettlers...

Anders als in ihrer letzten Tanzperformance, in der der aufrechte Körper der Ausgangspunkt war, begeben sich Zanki und Wirthmüller diesmal auf Hände und Knie und erforschen die Möglichkeiten der Vierfüßigkeit. Dabei streifen sie nicht nur die allgegenwärtigen Bilder und Bewegungen, die die Position hervorruft, sondern reflektieren auch wie diese sich zu ihrer eigenen Menschlichkeit verhalten, diese verstricken und verändern. So nehmen uns die Performerinnen mit auf einen Spaziergang in vertraute, in unsittliche, in fremde und diffizile Gefilde.  

 

22.05. les gens d'Uterpan

The Citizen as Audience
Lecture von Franck Apertet (Co-Choreograf mit Annie Vigier für les gens d'Uterpan) und Sophie Demeyer (Interpretin)
Meist weiß das Publikum nicht, was in den Arbeiten von les gens d'Uterpan geschehen wird. Manchmal wird es in fremden Kontexten provoziert, manchmal bewußt ignoriert - für die Choreographen ist das Publikum kein Konsument, sondern Bürger, mit dem sie die Gesellschaft herausfordern.

 

29.05. Dr. Christiane Berger

Tango vom Río del la Plata. Geschichten, Mythen und Legenden

Unsere Wahrnehmung des Tango ist geprägt durch Geschichten, die sich um seinen Ursprung in den Vorstädten der Metropolen des Río de la Plata ranken, und durch Bilder von Frauen in Netzstrümpfen, hochhackigen Schuhen, roten Kleidern und Männern mit Hosenträgern und Hüten. Der Vortrag wird Geschichten, Mythen und Legenden fortspinnen und sie in einen Dialog setzen mit Erfahrungen aus der zeitgenössischen Tanzpraxis.

 

05.06. Martin Nachbar

Animal Dances and other becomings
Things I am trying to figure out by choreographing and dancing.

 

19.06. Fabian Barba

(Titel folgt)

 

26.06. Karen Kipphof

Objects, Machines and Puppets
 The lecture will give a rough overview over the multitude of Humanoids, Automatons and Science Fiction Phantasies that have made appearances in the Visual and Performing Arts, and present several examples of Contemporary Media Theatre with Puppets, Objects and Machines, such as Verdensteateret from Oslo as well as bring along puppets from the Floating Characters - production by Karen Kipphoff.

 

Eintritt frei

 

Biographien der Künstler/innen und Wissenschaftler/innen auf unserer Teamseite

 

Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin-Gesundbrunnen
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

MA SODA Lecture Series in the summer term 2012 I 19–21 Uhr I Studio 9 I Uferstudios

©Marion Borriss
>©Marion Borriss

18. April

Prof. Dr. Boyan Manchev

Subjectivity and Creation. Part One: Potentiality and Change.

 

25. April

Prof. Dr. Boyan Manchev

Subjectivity and Creation. Part Two: Disorganisation and Complexity.

 

2. May

Prof. Dr. Franz Anton Cramer

The Original Trap: Traditions in Contemporaneity

Art-making has largely become eponymous to creating "new work". Criticism of this frenzy for originality brought from an anti-capitalist perspective. However, the reversal seems way more difficult. How to be creative without being done into newness ? What elements remain functional despite the refuted past? Can "past" invention inform "contemporary" creativity? And if so, how?

 


18. Mai
Janez Janša
NAME READYMADE (lecture performance)
 
23. Mai
Petra Sabisch
Material Speculations in Preempted Times: On Subjectivity, Extended Choreographies and Other Things
 
30. Mai
Siegmar Zacharias, Sophia New
Invasive Hospitality- thinking together (Performance Lecture)

6. Juni
Kattrin Deufert & Thomas Plischke
"Uncanny proximity: the myth of the Hermaphrodite"
 
4. Juli
Ric Allsopp
Future Perfect: art, enactment and the present moment

11. Juli
Bojana Kunst
The Project Horizon: On the Temporality of Art Making

Over the last decade, 'project' has been one of the most frequently used words among artists, producers and other protagonists in culture. Cultural and other creative workers are involved in a number of projects which often run simultaneously, in their presentation, implementation and completion. Today, a project is the horizon of the creative process. In the lecture I will talk about how this ambiguous word used for various forms of cultural products and artworks includes a special temporal dimension which has not yet been seriously reflected or questioned. Rather than being a characteristic of contemporary labour, the projective temporality is closely related to the subjective experience of time which erases the differences between individual work gestures and creative contexts, deprives creativity of its political potentiality and prevents the invention of different, temporary oriented modes of collaboration. There is something very perplexing at work in the projective temporality of the project: regardless of the myriad possibilities it opens up, it nevertheless projects its own completion as the ultimate horizon of work. Projective temporality submits the creative process to administrative context, completion and consumption whilst social and cultural value of art solely depends on the speculation on its value (constant production, distribution and sale of art-to-be).The question is not only how to fight the project but how to reconnect creative process and new temporal politics.  

 

Eintritt frei

 

Biographien der Künstler/innen und Wissenschaftler/innen auf unserer Teamseite

 

Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin-Gesundbrunnen
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

 

14.07.2012 I 16 - 19 Uhr I UdK Rundgang 2012 in den Uferstudios I Bewegungsworkshop für Alle I Studioshowings I Performance Installation

Sa 14. Juli, Uferstudios

Studio 11, 16 -17:30 Uhr

Im lichtdurchfluteten großen Studio 11 des HZT Berlin laden wir zu einem „Bewegungsworkshop für Alle“ mit Neugier und Interesse an Bewegung und Improvisation. Geleitet wird der Workshop von Prof. Nik Haffner vom Bachelorstudiengang „Tanz, Kontext, Choreographie“ und Lea Moro, BA Studentin. Tänzerische Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Bitte bringen Sie bequeme Kleidung mit.

 

Studio 11, 18-19 Uhr
Studioshowings der Studierenden des BA Tanz, Kontext, Choreographie.
Ein Schwerpunkt des Bachelorstudiums am HZT Berlin ist die Entwicklung eigener choreographisch-künstlerischer Arbeiten. In diesem Format zeigen Studierende aus dem zweiten und vierten Semester kurze choreographische Stücke und Skizzen als „work in progress“.

 

Programm: Ellinor Ljungkvist "untitled", Choreographie: Ellinor Ljungkvist, Dancer: Julek Kreutzer, Nina Vobruba „klopft...“   , Lea Moro und Desiree Meul „About you“, Roni Katz, Naama Ityel & Anna Jarrige „Voice in process“

 

17-19  Uhr, Studio 9

B ʰera

Durchgehende Performance Installation von BA Studentinnen Cinira Macedo & Claudia Tomasi.

 

 

Eintritt frei

 

Anfahrt

HZT Berlin, Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

MA SODA Research Semester Showings I 17. - 19. Juli I Uferstudios

Dienstag 17. Juli
19:00 Studio 8 Andrew Wass
20:10 Studio 9 Marcio Carvalho

Mittwoch 18. Juli

19:00 Studio 8 Jeeae Lim

20:10 Seminar Room 2 Joana von Mayer Trinidad

21:20 Studio 9 Willy Prager


Donnerstag 19. Juli

19:00 Studio 8 Sonja Pregrad

20:10 Studio 9 Igor Koruga

21:20 Studio 8 Hana Erdman


Freier Eintritt


HZT Berlin, Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

 

JUST BEAT IT I Absolventen der SNDO Amsterdam I Programm 1: 10. & 11. Juli I Programm 2: 13. & 14. Juli I 19:30 UHR

Programm 1 : The invisible dance BY ALICE PONS

The Invisible Dance BY ALICE PONS
>The Invisible Dance BY ALICE PONS

Maker: Alice Pons, Performers: Alice Pons, Mervyn Groot & Olivia Reschofsky, Advisor: Katarina Bakatsaki

 

In the womb of the wind_ to our thrilling bodies_ to this strange animals_a glimpse of nothing_caressing harmony_flirting with insanity_in the lust for life_ in the dust of kingdom_particules of our selves_ surviving the instant_ resisting the moment_ as the moon disappears_ as the sun rises_In the rhythm of our pores_in the center of our breath_ The instrument is playing_to our thrilling mind

 

Alice Pons is a French performer and young maker. In 2006 she graduated as a dancer from the conservatory of Paris. She studied as well in parallel, clown, musicals and houla hoop. She worked in Paris as a performer for one year before to leave France and to start SNDO in Amsterdam. She is now currently finishing her study there. She is fascinated in her work by basic notions closely related to life and society. This last year she started to research movement and performance practices in relation to time and rhythm. Her two last projects The invisible dance and Trudge were both investigating on this question.

 
Programm 1 : What else to say BY THERIBAULT MAILLARD

Performance: Adriano Wilfert Jensen & Matthieu Blond, Choreography: Thibault Maillard In collaboration with Adriano & Matthieu. Advise: Katarina Bakatsaki, Thanks to Curdin Tonnes for helping making the chairs and to everybody that helped us

 

People speak to objects not the people themselves. It took me a while to make an understanding for this. I somehow found a clue in a talk about love. Do you love someone as a complete singular being or do you love something in someone? The difference between who and what. An aspect of a person. The what in the person. The object in a person. The person in an object. An aspect of a person found in another person. A slightly different aspect so.
Etc.
And then a ghost could perhaps be something invisible manipulating something in a person. If we give it some attention, it might appear for a second...
Looking and looking at it until it is not a ghost anymore and then see another one behind, but again just for a second, etc.

 

 

 

Programm 1 : Appropriate BY Karina Sarkissova 

Choreography and performance: Karina Sarkissova, Sound: SM Snider, Dramaturgy: Thijs Witty, Advice: Katinka Marac, Thanks to everyone that has been around during the making of this piece. Thanks to my crew of advisors and collaborators, I love you. Siriol Joyner, Ruairí Donovan, Ivan Ekemark, Queeristan, Ani Difranco, Amsterdam Rebelclowns and many more teachers. SNDO, Gabriel, Gonnie, Ria, thank you for the ride.

Appropriate is a highly self-promotional piece. It is still figuring out what it is promoting. 

RISK

Risk is an essential need of the soul. The absence of risk produces a type of boredom which paralyses in a different way from fear, but almost as much. Moreover, there are certain situations which involving as they do a diffused anguish without any clearly defined risks, spread the two kinds of disease at once. 
Risk is a form of danger which provokes a deliberate reaction; that is to say, it doesn't go beyond the soul's resources to the point of crushing the soul beneath a load of fear. In some cases, there is a gambling aspect to it; in others, where some definite obligation forces a man to face it, it represents the finest possible stimulant. 

The protection of mankind from fear and terror doesn't imply the abolition of risk; it implies, on the contrary, the permanent presence of a certain amount of risk in all aspects of social life; for the absence of risk weakens courage to the point of leaving the soul, if the need should arise, without the slightest inner protection against fear. All that is wanted is for risk to offer itself under such conditions that is it not transformed into a sensation of fatality. 

From The Need For Roots - Simone Weil

 

 

13. & 14. Juli I 19:30 Uhr

PROGRAMM 2 : It's just a second BY SETAREH FATEHI IRANI

It's just a second BY SETAREH FATEHI IRANI
>It's just a second BY SETAREH FATEHI IRANI

By: Setareh Fatehi Irani, With: Olivia Reschofsky& Frederick Rodrigues, Advisors  Ricky Seabra and Katarina Bakatsaki

 

(NO text)

 

PROGRAMM 2 Colored invasion vol. 2 BY EVA SUSOVA

Colored invasion vol. 2 BY EVA SUSOVA
>Colored invasion vol. 2 BY EVA SUSOVA

Concept: Eva Susova, Performance: Lady Dady, Advise: Diego Gil, Image: Deimion van der Sloot & studiozijspan, Light design: Pablo Fontdevila

 

Picture a woman in her mid 20's
Picture a rhythm in the dark face 
Picture a glow of your roots 
Picture your roots being other 
Picture a reborn of other 
Picture a rhythmical set of movements

 

 

PROGRAMM 2: yo puta BY OLIVIA RESCHOFSKY
Yo Puta BY OLIVIA RESCHOFSKY
>Yo Puta BY OLIVIA RESCHOFSKY

By: Olivia Reschofsky, With: Setareh Fatehi Irani, Advisors: Aitana Cordero Vico, Jan Barta, Frederick Rodrigues

 

(NO text)

 

 

Info about Ticket & Reservation

Tickets: 8,00 € / reduced 5,00  €

Reservation: tickets@hzt-berlin.de

 

PLEASE INDICATE PROGRAMME 1 OR 2 AND THE DAY OF THE PERFORMANCE. PLEASE RESERVE UNTIL ONE DAY IN ADVANCE.

 

Direction: HZT Berlin, Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

The visit of the SNDO graduates in Berlin is part of an exchange programme between the SNDO Amsterdam and the Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin (HZT).

 

MASTERWORKS 3.99€, Limited Edition!
Masterstudiengang Choreographie – Abschlussarbeiten 2012 I 9.– 24.6. 2012

Sa, 9.6., Uferstudios 

19 Uhr Jasna L. Vinovrški: Live to tape, still moving Talkshow (UA)
Eine Live-Talkshow auf einer Theaterbühne. Zwei Performer experimentieren mit dem variablen Format der Talkshow, den Möglichkeiten und Grenzen von Repräsentation, Aufmerksamkeit, Präsenz und Rezeption. Zwischen Öffentlichem und Privatem. Zwischen der medialen TV-Lebendigkeit und der unmittelbaren Lebendigkeit des Theaters.
Innerhalb der gängigen Interviewsituation wird das Publikum Zeuge eines zunehmenden Risses, in dem sich die Zeit dehnt, die Dauer zum Vergrößerungsglass wird, die Aufmerksamkeit hierhin und dahin lenkend - zum gegenwärtigen Augenblick, der gemeinsam mit dem Zuschauer entsteht und geteilt wird.
„Live to tape“ stellt Strukturen der Repräsentation, Interaktion und Wahrnehmung aus, die unsere Rezeption beeinflussen – im Theater, im Fernsehen wie auch im Alltag. Ist das was wir sehen ein unmittelbarer, spontaner Prozess oder eine vorgeschriebene Show?

 

Idee/Choreographie/Bühne: Jasna Layes Vinovrski, Dramaturgische Assistenz: Wilma Renfordt, Performer: Isabel Lewis, Martin Clausen, Musik/Sound: Brandon Johnson, Bühne: Jasna L. Vinovrski, Mentor: Florian Feig,  Kooperationspartner: Zagreb Dance Week Festival and  Cie Public in Private 


21 Uhr Zeina Hanna: Never live twice (UA)

Schlicht aber nicht einfach.

Never live twice untersucht die Idee von Choreographie als einen Versuch, Chaos in unterschiedlichen dynamischen Bewegungen zu fassen: Schwerkraft und Schweben, das ironische Gefühl von Fülle in der Langeweile und die Verdichtung des Kurzzeitgedächtnisses.

Dieses Stück könnte in DVD Normalgeschwinddigkeit hoch 4 und idealerweise in einer Aufzugfahrt gesehen werden.


Konzept: Zeina Hanna, Mit: Anne-Mareike Hess, Emmanuelle Santos, Zeina Hanna, Klanggestaltung: Kyan Bayani, Kostüm: Wafa Aoun, Licht: Claire Terrien, Mentor: Ulrike Melzwig, Produktion: HZT Berlin, Co-Produktion: CDC (Centre de développement chorégraphique Toulouse/Midi-Pyrénées) im Rahmen von DEPARTS.


So, 10.6., Uferstudios
 

19 Uhr Zeina Hanna: Never live twice

21 Uhr Jasna L. Vinovrški:  Live to tape, still moving Talkshow


Do, 14.6., Uferstudios
 

19 Uhr Alexandre Achour: Object the 3rd (UA)

Felicity, Isabelle, Conrad, Albert, Julian und Florian treten auf.

Keiner weiß, was von ihnen zu erwarten ist.

Conrad guckt zu Isabelle, während Julian, auf Florians Signal wartend, seine Luft anhält.

Die Erwartung läßt die Luft stickig werden.

Alle Objekte des Spektakels sind bereit. 

 

Konzept und Leitung: Alexandre Achour, Mitarbeit: Louise Mochia, Eleanor Sikorski, Ian Garside, Julian Crotti , Performers: Louise Mochia, Eleanor Sikorski, Ian Garside, Julian Crotti, Alexandre Achour, Texte: Julian Crotti, Dramaturgische Beratung: Renata Gaspar, Licht Design: Florian Bach, Mentor: Antonia Baehr Koproduzenten: Compagnie Acte OFAJ, CND Lyon

 

21 Uhr Johanne Timm: Where we are (UA)

 Ist eine choreografische Improvisation, die mit dem Sichtbaren und dem Verborgenen spielt und von den Beteiligten eine ständige Positionierung des Selbst zu dem Anderen fordert.

Das Nicht-Ich. Der Raum, die Anderen, Du.

Wir reflektieren uns. Du wirst Du durch mich und Ich werde Ich durch dich, der Du nicht Ich bist.

 

 Konzept: Johanne Timm, Choreographie: Johanne Timm mit Claudia Garbe, Manon Greiner, Sergi Ortego Blanco, Performance: Claudia Garbe, Manon Greiner, Sergi Ortego Blanco, Sound: Marcello Lussano, Raum, Licht, Kostüm: Macarena Ruiz-Tagle

 

Fr, 15.6., Uferstudios 

19 Uhr Johanne Timm: Where we are
21 Uhr Alexandre Achour: Object the 3rd

 

Di, 19.6., Uferstudios 

19 Uhr Anna Nowicka: stand up (UA)
Vor mir im check-in des Flughafens stieß ein alter Mann eine alte Frau unvermittelt auf den Boden, zerriss sein Flugticket in kleine Stücke, streute es über sie und verließ das Gate ohne ein Wort zu sagen. Die Frau blieb auf dem Boden liegen und begann sehr gelassen zu lachen. Die Leute waren schockiert. ... (facebook Pinnwandeintrag)

 

Choreographie: Anna Nowicka, Kreation und Performance: Anna Nowicka, Magdalena Ptasznik, Claire Vivianne Sobottke, Katarzyna Szugajew, Visuals: Katarzyna Szugajew, Licht Design: Sandra Blatterer, Ton: Koen Nutters, Mentor: Simone Aughterlony, Produktion: HZT Berlin, Mit Unterstützung von Art Stations Foundation, Poznań und University of Zagreb - The Student Centre - Culture of Change. Besonderer Dank an Adriana Josipović.


21 Uhr Magda Korsinsky: Das stille Band (UA)

Das stille Band ist eine choreographische A-capella-Oper, ein Ensemble verborgener Gesetze, eine sichtbare Durchdringung unsichtbarer Bedingungen. Inklusion und Exklusion ergeben unvorhersehbare Gefüge sich ständig verändernder, flüchtiger Konstellationen und Relationen.
 

Idee/Konzept/Choreographie: Magda Korsinsky, Komposition/musikalische Leitung: Ruth Wiesenfeld, Komposition/Choreographie/Performance: Antonia Munding, Beate von Hahn, Johanne Braun, Oliver Uden, Philipp Caspari, Philipp Meyer, Licht: Lutz Deppe, Bühne: Paula Doepfner, Kostüme: Miriam Marto, Mentor: Jan Burkhardt

 

Mi, 20.6., Uferstudios 

19 Uhr Magda Korsinsky: Das stille Band
21 Uhr Anna Nowicka: stand up

 

Sa 23.6.  & So 24.6. 
19 Uhr, bat-Studiotheater 

Milla Koistinen: Lacuna (UA)

Wir wählen aus, woran wir uns erinnern wollen, wenn alles andere vergessen wurde. Unsere Erinnerungen sind ungenau, möglicherweise sogar falsch. Dennoch verlassen wir uns auf sie. In der Utopie der Abwesenheit von Erinnerung und Vergangenheit – würde da noch etwas von uns übrig bleiben? Im Entwicklungsprozess der Performance haben wir verschiedene Aspekte von Gedächtnis und Erinnerung in den Fokus genommen. Lacuna ist eine Reise in Fragmenten in einem Raum, in dem kollektive und individuelle Erinnerungen sich überlappen. Die blinden Flecken des Gedächtnisses schaffen eine zeitweise Leere, in der das einzig Konkrete im Körper zu finden ist.

Konzept und Regie: Milla Koistinen, Kreation, Musik und Performance: Markus Pesonen, Elmer Bäck, Milla Koistinen, Kostüm- und Bühnenbild: Miriam Marto, Video: Lennart Laberenz, Mentor: Simo Kellokumpu

 

Sa 23.6.  & So 24.6. 21 Uhr, Uferstudios 

Marie-Claude Poulin: [In code] (UA)

[In code]: Activating {initial state}; void setup() {sensorial input; presence, exposed;  vulnerable, porous; random(10) == ambiguous; float xstart = (behaviors); || algorithmic = map; (stroke), haunted patterns; noise; habits, {create, translate( )}; time passes = background(150); back += forth; translate data {constraints, step - (ynoise * freedom == choice); float xnoise = ystart (enigmatic) == agency}; {taking shape; drawPoint (organic entities = make decisions, capacity) }; a series = random(6);  transactional; push() procedures = (step/8); noiseFactor{moving} visceral stroke(0,1); sensation(think); body fill(255, 200); consciousness == translate(x * y * noiseFactor * 4, float paths); develop(edgeSize); popMatrix(); explore {skin <= hair; brain} accurate}}


Eingebettet in einer Landschaft generativer Organismen, dem sezierenden Blick des Publikums ausgesetzt, zwei Performer beschäftigt mit einer Serie von Aufgaben und subjektiven Operationen.


Konzept und künstlerische Leitung: Marie-Claude Poulin (kondition pluriel); Performance und choreographische Recherche: Marie-Claude Poulin, Emma W. Howes; Media Environment und Bühnenbild: Martin Kusch; Sound: Alexandre St-Onge; Advisors: Johanna Hegenscheidt, Martin Kusch, Elisabeth Molle, Katharina Rustler; Kooperationspartner: kondition pluriel, M.A.P.S., Conseil des Arts et des Lettres du Québec, Conseil des Arts de Montréal, Canada Council for the Arts und Deutscher Bühnenverein

 

 

Orte:
* Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin . Uferstudios . Studio 14 . Uferstr. 23 . Berlin-Wedding
* bat-Studiotheater . Belforter Straße 15 . Berlin-Prenzlauer Berg
 
 
Tickets Uferstudios: 3,99 €, Limited Edition-Karte Uferstudios: Zahle für 3 Aufführungen, alle weiteren sind frei!

Tickets bat-Studiotheater: 10,00 / ermäßigt 5,00 € (Limited Edition-Karte gilt hier nicht!)

Reservierung & Info: ticket@hzt-berlin.de (bitte Aufführung, Datum und Uhrzeit angeben)

Why not July? Performances in April I A Self-organized Festival of the HZT-BA-students I 26. - 29.4.2012 I Uferstudios
 

Das ausführliche Programm finden Sie hier als download

Lecture Performance I Peter Pleyer I Choreographing books I 10.02.2012 I 18 Uhr I Uferstudios I Studio 1

Choreographing Books
>Choreographing Books

In „Choreographing Books“ präsentiert Peter Pleyer seine Sammlung an Tanzbüchern, stellt sie nebeneinander, miteinander, gegeneinander auf die Bühne. Er erstellt Linien, schließt Kreise, lässt  Felder  und Wissenslandschaften entstehen. Seine persönliche Tanzlandkarte.

 

Nach einigen Jahren als Schauspieler im deutschen Sprechtheater studierte Peter Pleyer Tanz am “euopean dance development center“ der Kunsthochschule Arnhem/NL. Er arbeitet als Tänzer und choreographischer Assistent mit Yoschiko Chuma, New York und Mark Tompkins, Paris. In den Niederlanden choreographierte er seine eigenen Tänze (Teilnahme am Choreographenwettbewerb Groningen) Seit 2000 wohnt Peter Pleyer in Berlin, sein liegt Focus auf neuen Methoden des Tanztrainings und der Komposition, in denen Improvisation eine grosse Rolle spielt. Er entwickelte seine Lecture performance „Choreographing Books“ über seine Sicht der Entwicklung von Tanzwissenschaften in Europa und den USA. Seinen Workshop "history in practice" unterrichtete er  u.a. für die alternative Tanzakademie in Poznan, bei P.O.R.C.H.- Stolzenhagen,  am polnischen Theaterinstitut, Warschau, am MA Choregraphie in Arnhem, in New Dance Projekt, Jerusalem und im Tanzquartier Wien.

Seit 2007 ist Peter Pleyer Künstlerische Leiter der Tanztage Berlin.

 

Eintritt frei

Uferstudios, Studios 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

BA TUESDAY LECTURES I UFERSTUDOS

©David Bergé
>©David Bergé

International renommierte Künstler, Kuratoren und Theoretiker kommen im Wintersemster als Gastdozenten ans HZT Berlin und halten im Rahmen ihrer Lehrveranstaltungen öffentliche Lectures.

17.01.2011 I 18 Uhr I Studio 11
Sandra Noeth „Angewandte Dramaturgie“

Eintritt frei

Uferstudios, Studios 11, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

SONG BOOKS als Spielanleitung  I Choreographische Arbeiten I 19. - 22.1.2012 I Akademie der Künste, Hanseatenweg
Motiv aus: John Cage, Solo for Voice 22 (Song Books, 1970) © C.F. Peters Musikverlage Leipzig, Frankfurt, London, New York
>Motiv aus: John Cage, Solo for Voice 22 (Song Books, 1970) © C.F. Peters Musikverlage Leipzig, Frankfurt, London, New York

John Cages ››Song Books‹‹ sind Ausgangspunkt einer choreographischen Recherche im ››Raum für John Cage‹‹. Wie fast alle seine Kompositionen sind sie offen notiert und enthalten verbale und graphische Anweisungen als Grundlage für individuelle, freie Realisierungen. Aus den 89 Songs wurden fünfzehn für den Versuch ausgewählt, künstlerische Lesarten zu finden und sie als interdisziplinäre ›Spielanleitungen‹ zu erproben. / Ein Projekt angeregt von Reinhild Hoffmann in Zusammenarbeit mit Silke Bake, Kattrin Deufert, Thomas Plischke, Manos Tsangaris | Mit musikdramaturgischer Unterstützung von Alain Franco, Daniel Ott, Yoav Pasovsky, Tom Rojo Poller, Daniel Vezza | Mit choreographischen Arbeiten von Antonia Baehr, Riki von Falken, Frédéric Gies, Anna Huber, An Kaler, Kat Válastur –– Und Studierenden des HZT Berlin: Alexandre Achour, Katharina Greimel, Miriam Jakob, Ana Laura Lozza, Ellinor Ljungkvist, Lee Meir, Anna Nowak, Annegret Schalke, Johanne Timm / Im Anschluss an jede Aufführung findet ein Gespräch mit den TeilnehmerInnen statt. \ Das Projekt ist eine Zusammenarbeit von Akademie der Künste, Berlin, und Hochschulübergreifendem Zentrum Tanz Berlin. \ Mit Unterstützung von klangzeitort. Institut für Neue Musik der UdK Berlin und HfM Hanns Eisler Berlin.



Do 19.1. + Fr 20.1.2012, 19:30 Uhr

Sa 21.1. + So 22.1.2012, 19:00 Uhr

 

Tickets  6 €/ermäßigt 3 € | Es gilt die Tanzcard.



Das Projekt findet statt im Rahmen von: A year from Monday / 365 Tage Cage. Konzerte \ Ausstellungen / Performances | Januar bis September 2012


Akademie der Künste / Hanseatenweg 10 \ Halle 3 ––10557 Berlin-Tiergarten \ T 030 20057-2000 | info@adk.de \ www.adk.de/cage / S Bellevue, U Hansaplatz, Bus 106

SODA.WORKS I Yair Vardi I You never look at me from the place I see you (Lacan) I 21.01.2012 I Uferstudios I Studio  14

„You never look at me from the place I see you“ ist eine Performance, die Theaterlicht mittels Lichtkompositionen und Texten als Objekt, Erinnerung und Text inszeniert. Das Projekt untersucht, wie inszeniertes Licht den Rahmen und die Dramaturgie des Bühnenraums verändert und so eine reine Licht Performance, frei von anderen theatralen Elementen erschafft. „You never look at me from the place I see you“ erforscht, wie der Beobachter in einem Raum, der ihn ins Licht rückt, zugleich Beobachter und Darsteller wird.

 

EINTRITT FREI - RESERVIERUNG ERBETEN

 

ticket@hzt-berlin.de

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

MA SODA LECTURE SERIES I UFERSTUDIOS


19.10.11 I 19 Uhr
Petra Sabisch "What is composition"

09.11.11 I 19 Uhr
Boyan Manchev „Compositional modes in the avant-garde and contemporary art“

16.11.11  I 19 Uhr
Boyan Manchev „What is Chaos? What is Order? What is Composition?“

14.11.2011 I 18 Uhr
Julian Klein (Titel wird noch bekanntgegeben)

23.11.11 I 19 Uhr
Siegmar Zacharias „Frame dragging. Contextualisation in contemporary performance practice.“

 

Eintritt frei I In englischer Sprache

 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

rückwärts vorwärts gehen I MA Choreographie Arbeiten aus dem 3. Semester
 I 12.-20. November 2011 I Uferstudios

12. & 13.11.11, 20 Uhr

Zeina Hanna NEVER LIVE TWICE (Video-Installation)
20 minutes to one hour I Seminarraum 2

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

dancing in the video: emmanuelle santos
on camera: zena hanna
assisting camera and piano: céline larrère
installation performance execution: zena hanna

Jasna Layes Vinovrski MOVING TALK SHOW
(45 Min) I Studio 11

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

With: Nina Kurtela, Clément Layes, Isabel Lewis, Sonja Pregrad
Special Guests: Justin F. Kennedy (12.11.), Felix Marchand (13.11.)
Idea and choreography: Jasna Layes Vinovrski
Music: Ariel Efraim Ashbel
Dramaturgic assistance: Clément Layes
Stage: Jasna Layes Vinovrski

Alexandre Achour OBJEKT 2
(35-40 Min) I Studio 3

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

Concept & direction: Alexandre Achour
Light designer: Florian Bach
Performers: Angela Munoz, Julian Crotti & Alexandre Achour


17. & 18.11.11, Studio 1, 19 Uhr

Magda Korsinsky LENA IST GERADE NICHT DA
(40 Min)

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

Choreographie: Magda Korsinsky
Performance: Mor Demer & Sandra Wieser
Kostüm- u. Bühnenbild: Gabi Bartels
Licht: Lutz Deppe
Musik: Klaus Janek
Das Bühnenbild des Projekts wurde gefördert durch Mittel des Deutschen Bühnenvereins.


Johanne Timm JEIN
(40 Min)

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

Konzept: Johanne Timm
Performance & Choreographie: Roswitha Emrich & Johanne Timm


18.-20.11.11, Studio 14, 20 Uhr

Milla Koistinen NO ONE ESCAPES THE SPECTACLE OF HAPPINESS


Choreografie & Inszenierung: Milla Koistinen
Kreation & Performance: Krijn Hermans, Sergio Mendes, Soile Voima, Vita Mühleisen
Film & Fotografie: Lennart Laberenz
Musik: David Lipp
Lichtdesign: Julien Brun
Kostüme: Miriam Marto
Produktionsleitung, dramaturgische Beratung & Öffentlichkeitsarbeit: Gabi Beier


Eine Koproduktion von Bayer Kultur und Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch”. Unterstützt vom Finnland-Institut Deutschland.

Tickets (12 €, erm. 8 €): www.reservix.de, Tel. 030-21800507, tickets@tanzbaustelle.de


19. & 20.11.11., Studio 1, 20 Uhr

Anna Nowicka INCOMPLETE TALES OF SEVERAL JOURNEYS
(45 Min)

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

Choreography: Anna Nowicka
Created and performed by: Jule Flierl, Hermann Heisig, Thomas Proksch, Claire Vivianne Sobottke
Sound: Klaus Janek
Lightdesign: Sandra Blatterer
Painting: Lars Bjerre
Costume: Maria Gamjäger

Justin F. Kennedy FLITTER, FLUTTER, GLITTER, GUTTER (OR ANY COMBINATION OF THE FOUR
(30 Min)

Eintritt frei. Reservierung erwünscht: mac@hzt-berlin.de

Choreography: Justin F. Kennedy
Performance: Anna Nowicka and Justin F. Kennedy
Music: Johannes Wengel
Costume, Set and Lighting Design: Saša Kovačević

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)



SODA.WORKS I MA Solo /Dance /Authorship. New Performance Work I 6. - 9. Dezember 2011 I Uferstudios

 

Dienstag I 6.12.

19:30 Uhr Ana Trincão . Crystal

 Begrenzte Plätze. Reservierung erbeten:  ticket@hzt-berlin.de

 

Crystal ist eine auf Konzepten der Übersetzung, Transkription und Dokumentation basierende Wahrnehmungsübung. Das zentrale Untersuchungsobjekt ist der Herzschlag, der mittels verschiedener Verfahren übersetzt, transkribiert und dokumentiert wird. Wie kann das Zeitinterval zwischen Wahrnehmung und Handlung sichtbar werden und damit der präzise Zeitpunkt, an dem die Subjektivität des Herzschlages gegenständlich wird?

 

21:30 Uhr (ausgebucht)

&

22:30 Uhr

Zoja Smutny . this I LOVE YOU thing

Begrenzte Plätze. Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

Aus persönlichen Emails, Briefen, Texten, Gedichten, Liebesliedern, Dialogen aus Filmen und Interviews erschafft Zoja Smutny einen Liebesdiskurs über romantische Liebe und Abschiede, die Erotik zwischen Autor und Leser, Performer und Publikum. Es ist der Versuch einer Wieder- und Neuformulierung einer Sprache der Liebe.

 

Mittwoch I 7.12.

17:00 Uhr

&

19:30 Uhr (ausgebucht)

Elisabete Finger . O.

Begrenzte Plätze. Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

"Seit mehr als einem Jahr arbeite ich an der Serie „Studies for Monstro“; wechselnden Kompositionen für dieselbe Gruppe von Elementen: ein Ei, zwei Stoffteile, ein Loch, ein goldener Heliumballon, ein Lied, Coca-Cola, etwas Rotes, etwas Haariges, etwas Fliegendes, etwas Kreisendes, etwas Sterbendes und ein Körper in Aktion. O. ist das 6. und letzte Experiment dieser Serie. O. ist ein Zirkel, ein Loch. O. ist (Kopflos) ein Abgrund, ein faszinierender, fast unerträglicher Schwindel. O. ist eine Bild-Bewegung, ein (un-)fertiges Bild - aufgeschlitzt, verzerrt, durchbohrt, verschlungen von Monstro.

21:30 Uhr Daniel Kok . The Gay Romeo

Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

An der Beziehung zum Publikum arbeiten und es wortwörtlich meinen? Von der Bühne in den Zuschauerraum blicken und mindestens die Hälfte der Zuschauer wiedererkennen? Über das online Portal gayromeo.com hatte Daniel Kok 40 Dates in 60 Tagen. Während der Begegnungen, bat er jeden um ein Geschenk als Reaktion auf ihre Beziehung. Diese Geschenke und Daniel Koks Notizen im Anschluss an die in Intensität, Nähe und Distanz sehr verschiedenen Begegnungen sind Ausgangsmaterial für „The Gay Romeo“. Als Dank für ihre Großzügigkeit lädt Daniel Kok die Gay Romeos zur Performance und beschenkt sie und das Publikum mit einem Tanz.

 

„Du wirst meine Schlampe sein.“
Mir in die Augen blickend, lächelte er leicht und sagte mit schwerem deutschen Akzent,
„Verstehst du? Du wirst meine Schlampe sein“

 

Donnerstag I 8.12.

19:30 Uhr Keith Lim . re:self->com

Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

re:self->com ist eine Show der Selbst-Rekonstruktion und der organisierten Abweichung. Keith Lim ist mit sich und seinen medialen Doppelgängern, Spiegelbildern und Widergängern in einem manipulativen Wirbel verstrickt. re:self->com  reflektiert die Reformulierung des Ichs, das fragile Selbst, seine Virtualität und Bedeutungslosigkeit im medialen Strom der Selbstkonstruktionen.

 

21:30 Uhr Dragana Bulut . Pass it on

Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

Pass it on ist eine Performance Auktion. Sie verhandelt Fragen zur Autorenschaft, zur Beziehung zwischen dem Materiellen und Nichtmateriellen und dem Wert des künstlerischen Objekts.
Die Auktionsregeln und das Anmeldeformular werden vor Beginn verteilt. Mit der Anmeldung erhalten Sie eine Bietnummer und werden potenzielle Besitzer der Auktionsobjekte. Beachten Sie, dass Sie mit ihrer Anmeldung nicht automatisch eines der Objekte kaufen müssen. Sie könnten allerdings günstige Kunstobjekte erwerben und außerdem Spaß haben. Alles ist käuflich, also bringen Sie Bargeld mit!

 

Freitag I 9.12.

19:30 Uhr Sheena McGrandles . Eee

Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

„Im letzten Jahr habe ich die Triologie „E“ entwickelt: „E“, „Ee“ und „Eee“. Es ist ein Prozess des Wandels vom choreographischen (E), zu einer performativen Praxis (Ee) zu einem Körper, der zwischen „tun“ und „sein“ oszilliert (Eee). Durch das „sein“, ist der Körper in Raum und Zeit zurückgekehrt, stellt sich dem Publikum gegenüber, sieht und wird gesehen. Ein neues Element in Eee ist die Arbeit mit Licht als Akteur und Material, um den Rahmen von Vision und Erfahrung zu verändern; und um den Körper und den Raum den er bewohnt weiter zu stören. Indem ich dieses „tun“ weiter in und über den Körper schiebe, finde ich andere Arten der Präsenz, andere Arten den Körper in Performance „zu tun“.“

 

21:30 Uhr Ana Monteiro Showcase

Reservierung erbeten: ticket@hzt-berlin.de

 

Showcase verhandelt Produktionsformen von Soloperformances. Soloperformance nicht verstanden als einsame Arbeitsform, sondern als eine Sammlung von Beziehungen. Showcase ist ein pinkes maschinistisches Wagnis, das Singularitäten produziert.

 

EINTRITT FREI

 

Uferstudios, Uferstraße 23 I Badstraße 41A, 13357 Berlin (U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz)

 

Die Aufführung von Yair Vardi You never look at me from the place I see you (Lacan) wird am 21. Januar 2012 um 20 Uhr in den Uferstudios gezeigt.

 

„You never look at me from the place I see you“ ist eine Performance, die Theaterlicht mittels Lichtkompositionen und Texten als Objekt, Erinnerung und Text inszeniert. Das Projekt untersucht, wie inszeniertes Licht den Rahmen und die Dramaturgie des Bühnenraums verändert und so eine reine Licht Performance, frei von anderen theatralen Elementen erschafft. „You never look at me from the place I see you“ erforscht, wie der Beobachter in einem Raum, der ihn ins Licht rückt, zugleich Beobachter und Darsteller wird.

 

MA SODA Lecture Series I Rethinking Spectatorship I Prof. Dr. Ric Allsopp I 20. Juli I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

UdK Rundgang 2011 I HZT Berlin und seine Gäste in den Uferstudios I 16. Juli I 14 - 23 Uhr


14 Uhr I Four choreographers from ArtEZ Dance Unlimited MA (NL) showing work

As part of an ongoing MA exchange between the HZT MA SODA program and the ArtEZ Dance Unlimited MA Choreography program from Arnhem (NL) the four international MA students Julian Barnett (USA), Emilie Gallier (FR), Tomaz Simatovic (SI) and Valasia Simeon (GR) present and shed light on their current choreographic research.

16 Uhr I Offener Bewegungsworkshop mit Nik Haffner und Ka Rustler
HZT Bewegungs- und Tanzworkshop für alle.
Im Rahmen des UdK Rundgangs 2011 lädt das HZT alle Interessierten ein, Bewegungs- und Improvisations-Übungen am eigenen Körper zu erfahren. Der Workshop wird von den HZT Dozenten Ka Rustler und Nik Haffner geleitet. Vorherige Erfahrungen der Teilnehmenden sind nicht erforderlich. Bitte bequeme Kleidung mitbringen.

18 Uhr I Studioshowings der HZT Studierenden. Informationen folgen

20 Uhr I Studio 14
„The Graduates“ SNDO (School for New Dance Development) aus Amsterdam
Choreographien von: Fernando Belfiore, William Collins, Florentina Holzinger mit Vincent Riebeek, Marzena Krzeminska und Simon Tanguy

„The Graduates“ I SNDO (School for New Dance Development) Amsterdam I 15. + 16. Juli
 I 20 Uhr I Uferstudios I Studio 14

Der Besuch der GRADUATES, also der Absolventen des Bachelorstudiengangs Choreographie der SNDO (School for New Dance Development) Amsterdam ist Teil eines kontinuierlichen Austauschs zwischen der SNDO und dem HZT Berlin. Bei den zurückliegenden zwei Besuchen wurden die Abschlussarbeiten in den Sophiensaelen vorgestellt, nun erstmalig auf der Studiobühne in den Uferstudios.

FLORENTINA HOLZINGER UND VINCENT RIEBEEK
>FLORENTINA HOLZINGER UND VINCENT RIEBEEK

 

 

PROGRAMM AM 15. UND 16. JULI

 

“TOTAL RECALL” CHOREOGRAPIE UND PERFORMANCE: WILLIAM COLLINS UND ANAT EISENBERG
 
“JAPAN” CHOREOGRAPHIE UND TANZ: SIMON TANGUY
 
“THE MISERABLE THING” VON FERNANDO BELFIORE
Performance: Antonio Maia und Fernando Belfiore


“KEIN APPLAUS FUER SCHEISSE” CHOREOGRAPHIE UND PERFORMANCE: FLORENTINA HOLZINGER UND VINCENT RIEBEEK

 

Tickets: 7,- / 5 ,- ermäßigt. Reservierung: ticket@hzt-berlin.de und an der Abendkasse eine Stunde vor der  Vorstellung. Vorverkauf: www.reservix.de
 
Hinweis: Einige Arbeiten enthalten Sex- und Nacktszenen

 

 

 

Four choreographers from ArtEZ Dance Unlimited MA (NL) showing work at HZT Berlin I Uferstudios I Studio 8

14. Juli, 20 Uhr

16. Juli, 14 Uhr

 

As part of an ongoing MA exchange between the HZT MA SODA program and the ArtEZ Dance Unlimited MA Choreography program from Arnhem (NL) the four international MA students Julian Barnett (USA), Emilie Gallier (FR), Tomaz Simatovic (SI) and Valasia Simeon (GR) present and shed light on their current choreographic research. They will share their current investigations, obsessions, and manifestations in a presentation of work at Uferstudios. Taking shape as a platform for experimentation, the ArtEZ MA students feature their rigorous and polyphonic works in a collaborative, complete, premature, perfect, confusing, complex, simple, full of error, full of wonder, and always-up-for-discussion dance event.

Free Admission

 

 

MA SODA Lecture Series I Artistic Research I Victoria Perez I 13. Juli I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

IN ZUCHT: Tanz + Performance Festival I 7. - 9. Juli I Uferstudios

 

Die Studierenden des BA Studiengangs "Zeitgenössischer Tanz, Kontext Choreographie" laden Sie /Euch herzlich zu ihrem ersten Festival in den Uferstudios ein.

Wählen Sie Ihr Programm!

7. JULI
Studio 11

20:00 - 20:20 Beweg dich! Laura Unger
20:30 - 20:55 Three (work in progress) Juan Harcha
21:20 - 21:50 She is red inside with those black things... Claudia Tomasi und Cinira Macedo
Studio 14
20:00 - 20:25 SOULSQUEEZING Tian Rotteveel
20:30 - 21:10 UPDOWNANDAROUND Lee Meir
21:30 - 21:55 Declam actio Enrico Ticconi
22:05 - 22:25 Don‘t Hold Your Breath Kareth Schaffer

8. JULI
Studio 14

20:00 - 20:25 SOULSQUEEZING Tian Rotteveel
20:30 - 21:10 UPDOWNANDAROUND Lee Meir
21:30 - 21:55 Declam actio Enrico Ticconi
22:05 - 22:25 Don‘t Hold Your Breath Kareth Schaffer

Studio 11
21:20 - 21:50 She is red inside with those black things... Claudia Tomasi und Cinira Macedo

9. JULI
Studio11

17:00 - 19:00 Public Folkdance Event mit Cinira Macedo & Laura Unger. Offen für Alle, Teilnahme jederzeit möglich!
19:30 - 21:00 Sketches of Work von BA Studenten

Hof
17:00 - 21:00 Nomaden Julian Weber – durchgehende Installation
Video Installation Juan Gabriel Harcha

Studio 14
21:00 Fiesta!

Eintritt frei I Für weitere Infos: in_zucht@gmx.de

Uferstudios, Uferstrasse 23, 13357 Berlin
U8: Pankstrasse, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

 

BA Tuesday Lecture I Valda Setterfield I 5. Juli I 18 Uhr I Uferstudios I Studio 11

Als Tänzerin und Darstellerin arbeitete Valda Setterfield mit Merce Cunningham, Yvonne Rainer, Robert Wilson und Woody Allen. Als aktuelle Gastdozentin am HZT Berlin stellt sie in dieser Lecture ihre Arbeit vor. (in engl. Sprache)

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

Eintritt frei

MA SODA PRÄSENTATIONEN I 3. SEMESTER INDEPENDENT RESEARCH I 7. -9. Juli I UFERSTUDIOS

Der MA SODA öffnet seine Präsentationen  dem Publikum. Wegen begrenzter Platzkapazitäen bitte wir 20 Minuten vor Beginn zu erscheinen. Der Präsentation folgt am nächsten Tag das framing statement. Präsentationen in Studio 8 und Studio 9.

 

5. Juli I Präsentation

19 Uhr:  Sheena McGrandles (30 Min)

20 Uhr: Yair Vardi (45 Min)

21 Uhr: Ana Trincao (30 Min)


6. JULI

Framing Statement

10:45 Uhr Sheena McGrandles (40 Min), Seminar Raum 1

11:30 Uhr: Ana Trincao (Studio 10)

 

Präsentation
19 Uhr: Ana Monteiro

20 Uhr: Elisabete Finger

21 Uhr: Ana Monteiro

 

 

7. JULI

Framing Statement

10 Uhr: Yair Vardi

10:45 Uhr: Ana Monteiro (45 Min)

11:30 Uhr: Eleisabete Finger

 

Präsentation
19 Uhr: Keith Lim

20 Uhr: Dragana Bulut

21 Uhr: Zoja Smutny

 

8. JULI

Framing Statement

10 Uhr: Keith Lim

10:45 Uhr: Dragana Bulut

11:30 Uhr: Zoja Smutny

12:15 Uhr Daniel Kok

 

5. -7. Juli

 Daniel Kok focus group discussion every night from 6-7pm

 

Weitere Informationen: zojasmutny74@gmail.com


Uferstudios, Studio 8, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Gesundbrunnen

MAX fährt schwarz I 4. Juli 2011 I 20 Uhr I Uferstudios

Eine Diskussionsrunde über die Bedeutung von Hautfarbe und kultureller Identität im Tanz.

Ein Abend von Justin Kennedy und Magda Korsinsky.

 

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin

(U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen)

Eintritt frei

"The Dynamics of Perception" Bonnie Bainbridge Cohen & Alva Noë im Gespräch I 2. Juli I 19 Uhr I Uferstudios I Studio 14

Alva Noë und Bonnie Bainbridge Cohen
>Alva Noë und Bonnie Bainbridge Cohen

 

Moderation: Ka Rustler

 

In englischer Sprache I Eintritt frei

Bonnie Bainbridge Cohen, amerikanische Tänzerin, Lehrerin, Therapeutin und Begründerin der SCHOOL FOR BODY-MIND CENTERING® gehört zu den Pionierinnen der somatischen Praxen und zu den einflussreichsten und wichtigsten Bewegungsforscherinnen unserer Zeit.

Alva Noë, amerikanischer Philosoph und Kognitionswissenschaftler, Philosopher-in-residence bei der Forsythe Company und Professor an der Universität von Kalifornien in Berkeley, Autor der Bücher „Action in Perception“ und „Du bist nicht dein Gehirn“, forscht über die Beschaffenheit des Geistes und die menschliche Erfahrung.

Das Gespräch findet statt im Rahmen einer Veranstaltung der Forschungsgruppe Ästhetische Praxis und Verkörperung des HZT Berlin in Kooperation mit der Tanzfabrik Berlin.

 

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin
Anfahrt: U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen 

MA SODA Lecture Series I Untitled I Bojana Cvejic I 13. Juni I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA Lecture Series I Open work and Contexts of the Open I Prof. Dr. Ric Allsopp (HZT) I 9. Juni I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

BA Tuesday Lecture I Christine Peters I 7. Juni I 18 Uhr I Uferstudios I Studio 11

Christine Peters arbeitet als freie  Kuratorin für zeitgenössische Kunst und Performance,  u.a. für das Festival Theater der Welt, als Dramaturgin u.a. für den Choreographen Richard Siegal.  Als aktuelle Gastdozentin am HZT stellt sie in dieser Lecture ihre Arbeit vor.
Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

 

 
Eintritt frei

MAX schweigend  I 6. Juni 2011 I  20 Uhr I Uferstudios

MAX vertieft sich zusammen mit geladenen Gästen in ein Gespräch über das Phänomen des Widerspruchs und dessen Dynamik. Widersprüche tauchen in verschiedenen Kontexten auf: im Tanz, in der Kunst, der Wissenschaft etc. wie auch in unserem Alltag. Wer sich an einem Paradox reibt, kommt in Schwingung, ja bewegt sich unweigerlich zwischen zwei möglichen Wirklichkeiten; hin und her! "Max schweigend" lädt ein, das Paradoxe im Tanz im Wort und Bild zu untersuchen und so dem Motor unseres Schaffens auf die Spur zu kommen.

 

Ein Abend von Alexandre Achour und Johanne Timm.

 

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13357 Berlin, (U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen)


Eintritt frei

MA SODA Lecture Series I artistwin deufert&plischke I Directory: europe endless. Ein Videohörspielstück I 1. Juni I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

... how to risk beauty with beauty ... how to risk work with work ...

 

Stimmen: Kaethe Fine (USA) und Martin Hargreaves (GB)
70 min. (in englischer Sprache)

Directory – europe endless ist eine der ersten Zusammenarbeiten des Künstlerzwillings deufert + plischke, in der die Beiden sich in unterschiedlichen Formen mit der Problematik und Sichtbarkeit von Gender und von Geschlechterdifferenz beschäftigen. Directory liefert in mehreren Episoden fiktive autobiographische Portraits über die Zeit vor Deuferts und Plischkes Begegnung in Brüssel im Jahr 2001. Unter dem Einsatz unterschiedlicher Medien (DVD, Super 8, off-Stimme, live-Aktion) entsteht eine Landschaft aus Geschichten, Bildern und Stimmen, die Linearitäten und Authentizität in den Konstruktionen der eigenen Biographie in Frage stellen.

 

Mit Zitaten von: Antonin Artaud, Baader Meinhof Gruppe, B.D.C., John Cage, Diskursive Poliklinik,
Gilles Deleuze, Federico Fellini, Forced Entertainment, Kraftwerk, Julia Kristeva, Vladimir Malevič.


 

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA Lecture Series I Nik Haffner I Shared Authorship: Collaboration in Contemporary Arts I 25. Mai I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

BA Tuesday Lecture: Jeremy Wade. Lecture Performance | 24. Mai | 18  Uhr | Uferstudios I Studio 9

Im Rahmen seines Kompositions-Seminars im BA CCC führt der amerikanische Tänzer und Choreograph Jeremy Wade in seine künstlerische Arbeit ein.

Jeremy Wade absolvierte die SNDO in Amsterdam und arbeitet seit 2006 als Choreograf in Berlin. Neben seinen eigenen Tanzperformances, die international touren, kuratiert er Events (u.a. Kontextfestival, Politics of Ecstasy, Hebbel am Ufer, gem. mit Meg Stuart).

 

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA Lecture Series I Dr. Franz Anton Cramer I Solitary Solo & The Isolation of Dance I 18. Mai I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen




BA Tuesday Lecture I Mi, 18. Mai I Matinee 9:30-11 Uhr I Hans- Thies Lehmann "Postdramatic Theatre" I Studio 11

The well known german theatre scientist Hans-Thies Lehmann will introduce his concepts of a postdramatic theatre, a theatre after the drama, a theatre that contains and proposes radical changes, a theatre that is actual and acts, a theatre that places a new subject of the stage on stage ...

Hans-Thies Lehmann was cofounder of the Applied Theatre Studies University of Gießen, he founded the Theatre Science and Dramaturgy Studies University of Frankfurt. He broadly publishes in the field of theatre theory and his book "Postdramatisches Theater" got translated into many languages. Since being an emeritus professor he continues lecturing internationally and doing dramaturgical work.

 

Eintritt  frei I In englischer Sprache

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin
Anfahrt U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MAX goes home I 9. Mai I ab 19 Uhr I Privatwohnung

An diesem Abend hält sich MAX in einer privaten Wohnung auf. Jeder Raum beherbergt seine eigene kurze Performance, die speziell für diesen Ort und diese Performer ausgewählt wurde. Das Publikum hat die Möglichkeit, die Räume nach seinen Vorlieben zu durchlaufen und den gemeinsamen Raum zu genießen.

Ein Abend von Anna Nowicka und Milla Koistinen.

 

Ort: Schönhauser Allee 44, 10435 Berlin (U2: Eberswalder Straße)

Anmeldung erforderlich unter milla.koistinen@gmail.com

 

Eintritt frei


MA SODA Lecture Series I Negotiating Solo/ Dance/ Authorship I Ramsay Burt I 27. April I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

MA SODA Lecture Series I Negotiating Solo/ Dance/ Authorship I Prof. Dr. Ric Allsopp I 20. April I 19 - 21 Uhr I Uferstudios

Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

3. Lange Nacht der Opern und Theater I Uferstudio I 19 - 24 Uhr

PROGRAMM IN DEN UFERSTUDIOS

19 Uhr
Studio 11
„She is red inside (with those black things)“ von und mit Cinira Macedo & Claudia Tomasi (HZT Berlin / BA Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie), 30 min

Parallel: Führung durch die Uferstudios, (ca. 30 min)

20 Uhr
Studio 7
„Solo on a Solo“ Probe mit Eva Baumann (ada-Studio), ca. 30 min
Studio 3 „To Die For“ von Martha Hincapié (HZT Berlin / MA Choreographie), Creation, Tanz: Jose Andrade, Anton Berman, Francisco Cuervo, Alessandra Defazio, Viviana Defazio (30 min)

21 Uhr
Studio 3
"CrescendoDiminuendo (Tombeau)" von Johanne Timm (HZT Berlin / MA Choreographie), Tänzer: Anna Till, Claudia Tomasi (15 min)
Studio 10 „As we meet more often" von und mit Christine Borch und Julian Weber (HZT Berlin / BA Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie), (30 min)

22 Uhr
Studio 7
„Solo on a Solo“ Probe mit Eva Baumann (ada-Studio), (30 min)

23 Uhr
Studio 14
„Wild Thing“ Probe von Zufit Simon und Alexander Grebschenko (Tanzfabrik Berlin)

Durchgehend 19 - 24 Uhr
Videoinstallation “Beirut Indoor” und Video „Schlüsselbein“ von Zeina Hanna (HZT Berlin / MA Choreographie)
Film „Transformance“ von Nina Kurtela (Absolventin HZT Berlin)

Infos und Tickets: http://berlin-buehnen.de/langenacht/de_DE/tickets

Die „3. Lange Nacht der Opern und Theater“ ist eine Gemeinschaftsveranstaltung der beteiligten Bühnen mit der Kulturprojekte Berlin GmbH.

3. Lange Nacht der Opern und Theater I bat-Studiotheater I 22:50 - 23:30 Uhr

HZT BERLIN PROGRAMM

„o. T.“
von und mit Alexandre Achour (MA Choreographie)

„Lenas“ von Magda Korsinsky (MA Choreographie) Performance: Lisa Stockinger und Eva Sutter

„Nonfiction ( a part of the piece)“ von Milla Koistinen (MA Choreographie)
"Nonfiction" ist ein Tanzstück für drei finnische Tänzerinnen und die Kinder von Beit Ula (Palästina). Kreation und Performance: Milla Koistinen, Esete Sutinen, Vera Tegelman. Auf dem Video die Kinder vom Beit Ula Cultural Centre und Jussi Anttonen, Jenni Koistinen, Sofia Koski, Teppo Mäkynen, Janne Reinikainen

Im Zelt vor dem BAT-STUDIOTHEATER
„Lethe“
von Magda Korsinsky (MA Choreographie) Performance: Paolo Masini und Sonya Martin

Infos und Tickets: http://berlin-buehnen.de/langenacht/de_DE/program/54

Die „3. Lange Nacht der Opern und Theater“ ist eine Gemeinschaftsveranstaltung der beteiligten Bühnen mit der Kulturprojekte Berlin GmbH.

Tuesday Lectures: Alain Franco. Lecture Concert12. April | 18  Uhr | Uferstudios I Studio 9

Im Rahmen seines Musikanalyse-Seminars im BA CCC gibt der Belgische Pianist und Dirigent Alain Franco eine Concert-Lecture.

Alain Franco arbeitet seit den 80er Jahren regelmäßig mit Ensembles Neuer Musik (u.a. Ensemble Modern, Frankfurt a. M. / Ictus Ensemble Brüssel) und tourt international mit zeitgenössischen Choreographen (u.a. Anne Theresa de Keersmaeker, Etienne Guilloteau, deufert&plischke).

 

Ort: Uferstudios, Uferstraße 23, 13587 Berlin

U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn Gesundbrunnen

Max at the opening | Studierende bei der Eröffnung des Studios "Public in Private" | 4. April 2011 I 20 Uhr (Einlass ab 19:30 Uhr)

Die Veranstaltungsreihe MAX wird von den Studierenden des Masterstudiengangs Choreographie (MAC) des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin (HZT) konzipiert und organisiert. Sie beschäftigt sich aus verschiedenen Perspektiven und in unterschiedlichen Formaten mit Aspekten und Kontexten von Choreographie.

 

MAX besucht an diesem Abend die Eröffnung des Studios der Companie "Public in Private" in der Berliner Kunstfabrik am Flutgraben, einer Plattform für visuelle Kunst. Er mischt sich unter die Künstler und fragt, wie solch ein Studio zum Ort der Begegnung und Zusammenarbeit verschiedener Künstler aus unterschiedlichen Disziplinen werden kann und welche Möglichkeiten es den Künstlern eröffnet.  Der Abend ist eine Kollaboration der Studierenden des Masterstudiengang Choreographie (MAC) des HZT Berlin mit der Compagnie "Public in Private".

Ein Abend von Zeina Hanna und Jasna Layes Vinovrski.


Ort: Kunstfabrik am Flutgraben, Am Flutgraben 3, 12435 Berlin (U1: Schlesisches Tor)

JULIAN WEBER & CHRISTINE BORCH | AS WE MEET MORE OFTEN | 26.2.2011 | 20 UHR | 100° BERLIN

As we meet more often
>As we meet more often

„As we meet more often“ entstand in einem freigeräumten Zimmer in der Wohnung von Julian Weber (BA Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie). Die beiden Tänzer trafen sich dort regelmäßig zum Improvisieren. „As we meet more often“ ist ein schnelles, impulsives Stück. Geladen und getragen von der Beziehung der beiden Performer. Im Raum wird eine intime Energie der Vertrautheit aufgebaut, in die sich Julian und Christine hineinwerfen und das Publikum mit hineinziehen. Von ganz weit, ganz offen, wild, animalisch unter der Decke bis zu einem sensiblen, in sich greifendem Ganzen am Boden. Wo fange ich an und wo hörst du auf? Fragen, die hier über den Körper erforscht und mit Haut, Knochen und Zähnen ausgelotet werden.

Ort: Galerie im Innenhof der sophiensaele, Sophienstraße 18, 10178 Berlin-Mitte Tickets: www.sophiensale.com

DOPPELPROGRAMM: CHRISTINE BORCH & MARINA TENORIO, YAIR VARDI | 22. & 23. FEBRUAR | 20 UHR | THEATERDISCOUNTER

I am Yair Vardi
>I am Yair Vardi

*** DOPPELPROGRAMM ***
I am Yair Vardi

By and performed by Yair Vardi
co-director Keren Ida Nathan

Yair Vardi is the founder and the curator of the ‘A Genre'’ festival for contemporary interdisciplinary performance pieces at 'Tmu-na' theatre in Tel Aviv. In 2009 the festival held a special program in which based contemporary artists from different fields in Israel were invited to create a short piece about their artistic process and languages while trying to reveal to the public their way of work. In this piece Vardi joined his interest in the festival both as a young curator and as a creator, and created a performance that is constructed as “semi” lecture drawn from his experience as the festival curator. In it he shapes the discourse created by the combination of the pieces in the festival, and the creator-curator dialogue, into an independent artistic form. Thus he re-opens and examines the question of authorship and the boundaries between the artist and the discourse. As a curator he laid down the platform for the pieces (and their materiality) to interact, and thus created the discourse in which they are perceived. As a creator he uses this materiality to return to the original concepts behind the pieces, and reverse the role of the curator. What is constructed is a self-portrait piece for both the festival and himself, based on the inevitable confrontation between the passion of creation and its roots from one hand, and the social and the artistic structures of curation on the other.

an I I am
Created and performed by Christine Borch and Marina Tenório

This performance rejects the notion of a personality as being something monolithic, independent, as something that is predetermined and stable. Rather, it aims to provide the conditions to let the term “I” emerge and play with the idea that one body is able to contain and experience different personalities and also experience different “bodies” that these personalities create.

By engaging the body into unfamiliar physical positions, intentions and movements one is able to perceive other ways of what this body can be. The situation of the duet creates a landscape of two bodies sharing impulses and stimuli. Through the perception of qualities such as atmosphere, energy and form of the other body - and the work with these qualities one body influences the other and challenges it to move out of it's stable position. The piece is therefore continuously depending on the awareness and the intention of movement of the performers from moment to moment.

Ort: Theaterdiscounter, Klosterstrasse 44 Berlin Mitte.
22. & 23. 2. 2001, 20 Uhr
theaterdiscounter.de/?p=4197

Music , Composition and Dance: Reflections on products and process, past and present. | 16. Februar 2011 | Uferstudios | 11-13 Uhr 

Mit Prof. Stanley Walden, Prof Daniel Ott (UdK) und Boris Hauff Moderation: Prof.Rhys Martin HZT Berlin

 

Prof. Stanley Walden
Emeritus UdK professor and founder of the UdK diploma program Musical Show, studied with Merce Cunningham and also at the New Dance Group. He was accompanist for Martha Graham, Jose Limon, Doris Humphrey, Paul Draper, Daniel Nagrin. Musical Assistant to Martha Graham, Jerome Robbins
Taught MUSIC FOR DANCE at the Juilliard School, 1964-69, at the State U. of New York1962-66.:Composer of WEEWIS (Margot Sappington) for the Joffrey Ballet, UNTITLED (Anna Sokolow) Manhattan Chamber Ballet, FOR A YOUNG PERSON (Nagrin). www.stanleywalden.com

Prof. Daniel Ott UdK
Talking about John Cage relates that cage was one of the 3 reasons during his studies at the Folkwang Hochschule Essen (in the late 80ties) NOT to give up his plan of becoming a composers (the other two reasons were Pina Bausch and Josef Beuys): The relation between life and art in the work of John Cage encouraged me to go on writing music. www.danielott.com

Boris Hauf (1974 London, UK)
Plays saxophones, flutes, synthesizers, organ, computer-based applications. Works as musician and composer in ensembles, bands and as a soloist.
Composer for ensembles, soloists, installations, performance, film.
Workshops, classes and lectures.
Curator. Founded efzeg in 1992 and Owl & Mack in 2007; is a founding member of TUB (a.k.a. The Understated Brown) (Berlin);
Collaborates with various choreographers and visual artists:
Litó Walkey, Christina Ciupke, Martin Nachbar, Zoe Knights, Nadia Lauro, Vera Mantero, Franz Poelstra/Robert Steijn, Sabina Holzer, Benoit Lachambre/Andrew Harwood, Lucy Cash, Paz Rojo and others.
Concerts and performances in Europe, North Africa, Latin America, Japan, Korea (South) and the USA. http://hauf.klingt.org

 

HZT Berlin, Uferstudios

Studio 8, Uferstraße 8/23 und Badstr. 40-41a, 13357 Berlin
U 8 Pankstraße U 9 Nauener Platz

Eintritt frei

Boyan Manchev | Tuesday Lectures | 15. Februar 2011 | Uferstudios | 17:30 - 19:30 Uhr

Boyan Manchev stellt in der Lecture seine Arbeit vor.

Boyan Manchev ist Philosoph und Kulturtheoretiker. Er ist Programmdirektor und Vizepräsident des Collège International de Philosophie, Paris und Professor für Philosophie an der Neuen Bulgarischen Universität, Sofia. An der der Universität Sofia hat er eine Gastprofessur inne und war als Gastwissenschaftler an verschiedenen wissenschaftlichen und kulturellen Institutionen in Europa, Nordamerika und Japan. Er ist einer der Initiatoren der Assembly of the European Citizens (2008, Paris) und des Forums What Subject of Politics? (2009, Paris). Er ist Mitherausgeber der Zeitschriften Rue Descartes (Paris) und Les Editions de la Phocide (Strasbourg). Seine aktuellen Forschungen konzentrieren sich auf die Beziehungen zwischen Ästhetik, Ontologie und Politik.
Publikationen (Auswahl): L'altération du monde: Pour une esthétique radicale Paris 2009); La Métamorphose et l'Instant (Paris 2009); The Body-Metamorphosis (Sofia 2007).

Uferstudios, Studio 9, Uferstraße 23, 13357 Berlin
U8: Pankstraße, U9: Nauener Platz, S-Bahn: Station Gesundbrunnen
Eintritt frei

Barbara Bess | I m not a muse d. ein Ausflug in die Bühnenlandschaft

 | (Master Abschlussarbeit MA Choreographie) 

An diesem Abend begegnen sich unterschiedliche Lebensentwürfe im Bühnenraum.
Ein Aufeinandertreffen von drei Frauen, sieben Männern und allen anderen.
Performance, begehbares Bühnenbild, Nachklang.
Special: life Altkleiderdesign. Bring eine abgelebte Lieblingsklamotte!

I am not a muse d.
>I am not a muse d.

Konzept/ Choreographie: Barbara Bess
 Performance: Haouika Zun Porro, Lia Pavlidis, Barbara Bess Gastfreunde: Hermann Heisig, David Bloom, Mi Anders, Patrick Moos u.a.

Samstag, 22. Januar 2011, 20 Uhr

Ticket: 5,00 €

Ballhaus Ost / Pappelallee 15
, 10437 Berlin
U Bahn:Eberswalder Straße
www.ballhausost.de

UdK Projektwoche „Kollisionen / collisions“
Das Wedding-Projekt – Begegnungen und Transformationen

3.-7. JAN 2011 / Uferstudio 8 / The dirt room


Bezugnehmend auf Impulse setzende, kurze Arbeiten aus Tanz, Musik und Videokunst, bietet das Projekt den Studierenden die Möglichkeit des Austausches und der körperlichen Auseinandersetzung mit transdisziplinären Fragestellungen. Es versteht sich als experimentelles Labor, in dem Kollision als Phänomen produziert, angesprochen und künstlerisch re-formuliert werden kann.

 

Besuchen Sie die Abschlusspräsentation des Projektes am 7. Januar im Einstein Ufer 43-53 im Rahmen von Design Transfer.


Projektleitung:

Choreografie & Tanz: Prof. Rhys Martin (HZT Berlin) Musik & Komposition: Prof. Daniel Ott Video: Prof. Anna Anders.

28. und 29. Oktober 2010 | Anna Melnikova (Absolventin Diplomstudiengang Choreographie/Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ | „Preparation“ | UNI.T

Im berühmten Sprung von Wazlaw Nijinski aus der Choreographie von Michail Fokin „Le spectre de la rose“ fand Anna Melnikova die Inspiration für ihr neues Stück „Préparation“.

©Stephan Krasser
>©Stephan Krasser

Drei Männer auf der Bühne: zwei Tänzer und ein Musiker. Drei verschiedene Persönlichkeiten, drei Welten, die nur eins verbindet- ein gemeinsamer Wunsch. Er ist größer, leichter und luftiger als sie es sind. Er ist schneller, höhe und weiter als alles andere. Er ist raumübergreifend und zeitlos. Das ist der Wunsch nach einem großen Sprung. Das ist der Wunsch nach DEM SPRUNG.

Choreografie: Anna Melnikova Bühne/Kostüm: Silke Bauer, Franziska Keune (UdK Berlin), Musik: Holger Tretzack Tänzer: Florian Bücking, Felix Ariel Castillo Castro Eine Produktion von: Monaco Dance Forum, Les Ballets de Monte-Carlo, École Supérieure d´Arts Plastiques de Monaco, Universität der Künste Berlin, Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“, Inter-University Center for Dance Berlin (HZT) In Kooperation mit École Supérieure des Beaux Arts d’Avignon und Università IUAV di Venzia.

 

Spielort: UNI.T
Beginn: 19:30 Uhr
Eintrittspreise: 8/ erm.4 Euro

Reservierung: udkkasse@udk-berlin.de oder Telefon: (030) 3185 2374 (AB)

 

 

28. und 29. Oktober 2010 | Jana Unmüßig „Zausend.Hoch.“ (MA Choreographie, Masterarbeit) | UNI.T  

Das Bein heben und gehen.
Danach: zwei kommen herein, stehen, schauen, drehen den Fuß,
während eine andere Person im Raum ein großes Objekt umwälzt.

©Jana Unmüßig
>©Jana Unmüßig

"Zausend.Hoch." verhandelt das Ballet "Le Train Bleu" (1929) von
Bronislava Nijinska. Vier Tänzer handeln und tun mit seinen Teilen,
verschiedenes und gleiches; sieben Differenzstücke heraus, die sie mit dem gegebenen Raum und der gegebenen Zeit verknüpfen. Dabei mischen sich Koordinaten so, dass der Zuschauer in eine Raumzeit eingeladen ist, in der sich Ort und Orientierung stets aufs Neue ausrichten.

Choreografie: Jana Unmüßig Tanz: Ma´ayan Danoch, Charlie Fouchier, Cecilia Nilson, Tara Silverthron Bühnenbild und Kostüm: Hsuan Huang, Mirella Östrreicher Eine Produktion von: Monaco Dance Forum, Les Ballets de Monte-Carlo, École Supérieure d´Arts Plastiques de Monaco, Universität der Künste Berlin, Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“, Inter-University Center for Dance Berlin (HZT) In Kooperation mit École Supérieure des Beaux Arts d’Avignon und Università IUAV di Venzia.

Spielort: UNI.T
Beginn: 19:30 Uhr
Eintrittspreise: 8/ erm.4 Euro

Reservierung: udkkasse@udk-berlin.de oder Telefon: (030) 3185 2374 (AB)

 

15. Oktober 2010, 18 Uhr
Zum Abschluss er Umbauarbeiten und Einzug des Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin

Nach dem erfolgreich abgeschlossenen Umbau der ehemaligen BVG Werkstatthallen und mehr als zwei Jahren künstlerischer Zwischennutzung laden das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin und die Uferstudios zu einem gemeinsamen Festakt in die neu gestalteten 14 Studios.

Ermöglicht wurde der Umbau durch die Uferstudios GmbH dank einer Zuwendung der Stiftung Deutsche Klassenlotterie,  mit der das Projekt von TanzRaumBerlin – die Vereinigung von künstlerischer Arbeit, Information und akademischer Ausbildung unter einem Dach – verwirklicht werden konnte.

Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin, getragen von der Universität der Künste (UdK) Berlin und der Hochschule für Schauspielkunst (HfS) „Ernst Busch“ in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin, bezieht im Herbst 5 der 14 Studios. Damit wird die Uferstraße 23 zu einem wichtigen hochschulischen Ausbildungsstandort und in Verbindung mit der Informationsstelle des Tanzbüro Berlin und den von Künstlern und der Tanzfabrik Berlin genutzten Studios zu einer neuen kommunikativen Schnittstelle für Zeitgenössischen Tanz in Berlin.

 

Programm:

 

18 Uhr / Studio 1: Film von Nina Kurtela „Transformation“ (10 Min/Loop). Im Anschluss Besichtigungsmöglichkeit der Studios

 

18:30 Uhr / Studio 14: Festakt und Ansprachen:

  • Klaus Wowereit (Regierender Bürgermeister von Berlin und Vorsitzender des Stiftungsrates der Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin)
  • Hortensia Völckers (Vorstand und Künstlerische Direktorin der Kulturstiftung des Bundes)
  • Prof. Martin Rennert (Präsident der Universität der Künste Berlin)
  • Prof. Dr. Wolfgang Engler (Rektor der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“)
  • Die Partner in den neuen Uferstudios  bringen einen Toast aus:, Hochschulbergreifendes Zentrum Tanz Berlin, Tanzfabrik Berlin e.V., Tanzbüro Berlin, Mateo Feijo (Laboral Giyon, Ciudad de la Cultura, Uferstudios GmbH)

 

Fotoimpressionen „Uferstudios 2008-2010“: zusammengestellt von Andrea Keiz

 

Moderation: Martin Clausen

 

ab 20 Uhr / Studios 1 bis 14: Miniaturen - Die Nutzer laden in ihre Studios zu künstlerischem Programm (Tanz, Performances, Installationen, Fotoausstellung) mit Johannes Dullin/Banality Dreams, Graphit Labor, Nina Kurtela, Felix Ott, Two Fish, Kat Valastur, Jürgen van Buer, Jeremy Wade, Wilhelm Groener, Nir de Wolf u.a.

 

ab 22 Uhr Party

 

Adresse:  Uferstudios, Uferstraße 8/23, 13357 Berlin-Mitte www.uferstudios.com

 

 

 

 

© David Bergé
>© David Bergé

MARINA TENORIO | "...UND..." 28., 29. UND 30. JULI, 20 UHR | LABORGRAS BERLIN
Inspiriert von der Lyrik des amerikanischen Poeten Walt Whitman (1819-1892), widmet sich die Choreographin Marina Tenorio (MA Choreographie) in ihrer Abschlussarbeit der Kausalität von Situationen und ihrer körperlicher Erfahrbarkeit und Umsetzung. Mittels Improvisationen innerhalb der festgelegten Struktur der Choreographie führt sie in ihrem Solo durch verschiedene Aggregatzustände des Körpers und des Raumes.

Idee, Interpretation: Marina Tenorio
Licht: Bruno Pocheron
Kostüm: Midori Kawamura

Ort: LaborGras, Paul-Lincke-Ufer 44A, 10999 Berlin
Kontakt: Tel: +49 *30 6950 5183 http://laborgras.com/phpwcms/contact-1.phtml
Eintrittspreise: 12€ und 8€

Uferstudios
>Uferstudios

Das HZT Berlin beim UdK Rundgang 2010 | Führung durch die Uferstudios um 14 und 15 Uhr

 

Das HZT Berlin führt beim UdK Rundgang 2010 am 17. Julii jeweils um 14 Uhr und 16 Uhr durch die Uferstudios im Wedding – dorthin, in die renovierten Studios und Räume zieht das HZT Berlin im Oktober 2010. Die denkmalgeschützten Gebäude der ehemaligen BVG Zentralwerkstätten werden zurzeit von der Uferstudios GmbH mit Mitteln der Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin nach Entwürfen von Anderhalten Architekten, Berlin zu 14 multifunktionalen Studios umgebaut. Die Uferstudios versammeln nach dem Umbau Ausbildung, künstlerische Produktion und Information unter einem Dach und ermöglichen den Studierenden, Lehrenden und Mitarbeitern des HZT Berlin einen idealen kreativen Austausch mit Künstlern und der kulturinteressierten Öffentlichkeit.
Beim Rundgang durch die bereits fertig gestellten Studios und die im Bau befindlichen Abschnitte kann man sich über die Bachelor- und Masterstudiengänge informieren.

Ort: Uferstudios, Uferstrasse 8/23, 13357 Berlin-Gesundbrunnen.

Anfahrt: U-Bahn Linie 8: Station Pankstraße, U-Bahn Linie 9: Station Osloer Straße, S-Bahn: Station Gesundbrunnen

Barbara Bess (MA Choreographie) 'schwärmen'

Barbara Hess
>Barbara Hess

Sa 26.06.2010 | Barbara Bess (MA Choreographie) | schwärmen - eine Landpartie für glückliche Gäste, ein Vollmondfest für Mitreisende, ein Tanzabend für wilde Verwandte. | Altenkunstad/ Maineck

schwärmen

"Der Schwarm konfiguriert die Komplexität und Unkontrollierbarkeit des Ganzen."
(aus Schwärme: Kollektive ohne Zentrum)


eine Landpartie für glückliche Gäste.
ein Vollmondfest für Mitreisende.
ein Tanzabend für wilde Verwandte.

Ein Kämpfer und zwei Tänzerinnen bringen Kultur vor Ort.
Das Kollektiv schwärmt in Stille aus,um entlegenes Land neu zu besiedeln.
Die Landperformance ist Raum dreifacher Bewegung.
Bewegung der Reisenden,der Landschaft und der Tänzer.

Konzept/ Choreographie: Barbara Bess, Bewegung: David Bess, Francesca Honegger, Julia Schwarzbach

Ort: 96264 Altenkunstad/ Maineck/ Kirchplatz 4, Informationen zur Anfahrt etc. unter Tel. 0176 62604166

Kontakt: email: contact@sursulapitschi.de Phone: 0176 62604166

Claudia Garbe (MA Choreographie) 'zwischenzwei.fluss'

Claudia Garbe
>Claudia Garbe

Fr 25. und Sa 26.06.2010 | 20.00 Uhr | Claudia Garbe (MA Choreographie) | zwischenzwei.fluss | Cabuwazi-Zirkus

zwischenzwei . fluss
Von der Oberbaumbrücke bis zur Schillingbrücke
Eine choreographisch-musikalische Spurensuche entlang der Spree

Lange Zeit war der Fluss hier eine Grenze.
Lange Zeit war der Fluss ein Transportweg in den Osten.
Und seit langer Zeit wird über die Nutzung oder Bebauung der Ufer gestritten.

Viele Geschichten haben sich an beiden Seiten der Spree eingeschrieben, manche lesbar und manche bis zur Unkenntlichkeit ausgewaschen.

Acht Menschen begeben sich an diesem Ort sechs Wochen lang auf die Suche nach Spuren von Geschichte(n).

Die Orte, die wir finden, finden uns. Jede gefundene Geschichte spiegelt sich in unserer eigenen Geschichte.

Es entsteht eine choreographisch-musikalische Über-Setzung unserer Begegnung mit diesem Teil der Stadt.
Uns interessiert das individuelle Erinnern als Hommage an einen Ort, der so nie wieder sein wird, wie er nie war.

Von und mit: Katja Scholz (Tanz), Johanne Timm (Tanz), Johnny Chang (Violine), Christopher Williams (Kontrabass), Daniel Vezza (Komposition), Ingolf Watzlaw (Raum+Bild), Claudia Garbe (Tanz+Choreographie)


Ort: Cabuwazi-Zirkus, Zelt Kreuzberg Schatzinsel, May-Ayim-Ufer 2 (ehemals Gröbenufer), 10997 Berlin
Anfahrt: U1 Schlesisches Tor, Bus 265 Köpenicker Straße/Ecke Oberbaumbrücke

Eintritt: 10,00 Euro/ ermäßigt 6,00 Euro
Kartenreservierungen unter: claudia_garbe@hotmail.com oder direkt bei Cabuwazi unter Tel.: +49 (0)30-22 50 24 61.

David Bloom (MA Choreographie) 'enemy'

David Bloom
>David Bloom

Fr 04. - So 06.06.2010 | 19 Uhr + 21 Uhr | David Bloom (MA Choreographie) | enemy | Olivin Wellness Lounge Sauna

Ein Tanzstück irgendwo verortet zwischen Märchen, Ritual und Master-Abschlussarbeit in Choreographie

Choreographie in Zusammenarbeit mit den Tänzern: David Bloom (MA Choreographie)
Tanz: Annett Gurtler, Kenta Shibasaki
Begleiterin: Federica Fiore

Da es nur eine begrenzte Anzahl von Plätzen gibt, bitten wir Sie um Anmeldung unter: enemydance@googlemail.com.

Ort: Olivin Wellness Lounge Sauna, Schönhauser Allee 177, 10119 Berlin. www.olivin-berlin.com
U2 Senefelder Platz

Anne-Mareike Hess (MA Choreographie) 'Never-ending up north'

Anne-Mareike Hess
>Anne-Mareike Hess

Do 03. - Sa 05.06.2010 | 20.00 Uhr | Anne-Mareike Hess (MA Choreographie) | Never-ending up north | Théâtre National du Luxembourg

„Never-ending up north“ ist inspiriert durch eine Reise zu einem kleinen Dorf auf den Lofoten, einer Inselgruppe in Norwegen, nördlich des Polarkreises. Ein Ort, an dem es im Sommer immer hell und im Winter immer dunkel ist; ein Ort, zu dem es Menschen zieht, die außerhalb der Gesellschaft leben wollen. Diese Erfahrung hat Fragen bezüglich des Zusammenlebens der Menschen aufgeworfen, die Anne-Mareike Hess als Ausgangspunkt für ihre Choreografie nutzt.

Drei Tänzer und zwei Musiker begeben sich gemeinsam auf die Suche nach Strukturen des Miteinanders, die sowohl die Individualität als auch die Gemeinschaft zulassen. Sie werden einen Ort erschaffen, der sich zwischen Utopie und Realität bewegt.

"Es ist ein Phantasma des Lebens, der Lebensart (…). Weder zu zweit noch zu vielen (kollektiv). Etwas wie eine auf geregelte Weise unterbrochene Einsamkeit. Idiorrythmisches Leben = jedes Subjekt folgt seinem eigenen Rhythmus."
(Roland Barthes: Wie zusammen leben,Cours au Collège de France, 1976-1977).

 

Choreografie/ Konzeption: Anne-Mareike Hess (MA Choreographie) Tänzerinnen: Sandra Lolax, Rosalind Goldberg, Malin Astner Musiker: Marc Lohr, Markus Pesonen Lichtdesign: Dusan Loki Markovic Dramaturgische Beratung: Christiane Berger Mentorin: Isabelle Schad Koproduktion: TROIS C-L (Luxemburg), TNL (Théâtre National du Luxembourg). Unterstützung: Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch Berlin/ Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin, Fondation Indépendance, Institut Culturel Finlandais, Ministerium für Kultur (Luxembourg).
 


Ort / Kontakt: THEATRE NATIONAL DU LUXEMBOURG, 194, route de Longwy, 1940 Luxembourg, Luxembourg

Online Ticket-Kauf: www.luxembourgticket.lu oder Reservierung per Telefon: (00352) 47 08 95 1 (Montags bis Freitags: 10.00 -18.30

 

 

bat-Studiotheater | Max nimmt die Kurve

Mi 05.05.2010 | 20.00 Uhr | bat-Studiotheater | Max nimmt die Kurve. | Mit Marina Tenorio und Jana Unmüßig

Die Veranstaltungsreihe „Max“ wird von den Studierenden des Masterstudiengangs Choreographie (MAC) konzipiert und organisiert. Sie beschäftigt sich aus verschiedenen Perspektiven und in unterschiedlichen Formaten mit der Frage „Was ist Choreographie?“. Am letzten Abend für dieses Semester treffen sich vier junge Künstler und sprechen auf verschiedene Arten über ihre Arbeitsweisen.

"Disziplinierung der Imagination... Das fand ich immer komisch."
"Ja, ich verstehe dein ungutes Gefühl. Nur manchmal ist es auch gut, zwei, drei Wälle gegen die Bilderflut zu bauen, sonst kommt es zur Überschwemmung."

Ein Abend von Marina Tenorio und Jana Unmüßig. Eintritt frei.

Ort / Kontakt: bat-Studiotheater, Belforter Straße 15, 10405 Berlin, www.bat-berlin.de